text
stringlengths 69
14.2k
| text_en
stringlengths 52
13.7k
| label
class label 2
classes |
|---|---|---|
Ik vond deze versie van Emma het mooist. Kate in de bogen was net zo geweldig als Emma en sterk was net zo goed als ridderlijk. De enige klacht die ik had was over Mr. Woodhouse. Ik kan niet geloven dat een man zo kon jammeren of zo egoïstisch kon zijn met het leven van zijn dochter. Maar ze was uiteindelijk toch een slim meisje. Zoals altijd hou ik van de plaatsen waar deze Jane Austin-films zijn opgenomen. de settings zijn zo spectaculair. Ik wil zo graag naar Engeland en ook naar Ierland en Schotland. Ik vind dat de acteurs die voor deze film zijn gekozen ook een goede keus waren en dat alle andere verhaallijnen uitstekend samenvielen met die van Emma! Ik ben blij dat ik deze ook te zien heb gekregen. | i really loved this version of Emma the best. Kate beckinsale was awesome as Emma and mark strong was very good as knightly. the only complaint that i had was on Mr. woodhouse..i can't believe that a man could whine so much or be so selfish with his daughter's life..she was a smart girl in the end though. as always, i love the places in which these Jane Austin movies were shot. the settings are so spectular. it makes me want to visit england so much 9as well as Ireland and Scotland) i think the actors chosen for this movie were a good choice as well and all the other story lines interwhined with Emma's most excellently! i am glad that i got to see this one as well. | 1pos
|
Op het moment dat ik dit zag, besefte ik dat ik naar een kwaliteitsproductie zat te kijken, dus het verbaasde me niet dat het scenario geschreven was door Andrew Davis en geproduceerd door Sue Birtwhistle, en dat beide films ons de uitstekende productie van Pride and Prejudice uit 1995 brachten! Dus mijn enige probleem is dat Emma niet doorbrak naar 3 of 4 of misschien zelfs 6 afleveringen van Pride and Prejudice. Het acteerwerk was fantastisch met ik geloof Prunella als Miss Bates, maar ik hield net zo veel van Kate Beckinsale en Mark Strong. De taal is heerlijk om naar te luisteren, kun je je in deze tijd voorstellen dat je iemand een klap kunt verkopen zonder een vloek uit te spreken? Samantha Morton was uitstekend als Miss Smith in feite was de rolverdeling net zo goed als die van Trots en vooroordeel. Ik vond het zo mooi dat ik er in twee dagen twee keer naar heb gekeken! Dus nogmaals bedankt bbc voor een ander kwaliteitsprogramma. Ik heb de versie van Paltrow gezien en die is goed maar ik vind de bbc-versie veel beter. Een uitstekend programma dat ik graag op dvd wil hebben! | The minute I started watching this I realised that I was watching a quality production so I was not surprised to find that the screenplay was written by Andrew Davis and was produced by Sue Birtwhistle both of these brought us the excellent 1995 production of Pride and Prejudice! So my only gripe here is that Emma did not run to 3 or 4 or maybe even six episodes like Pride and Prejudice. The acting was superb with I think Prunella scales excellent as Miss Bates but I loved Kate Beckinsale and Mark Strong just as much. The language is a delight to listen to, can you imagine in this day and age having a right go at someone without actually uttering a swear word? Samantha Morton was excellent as Miss Smith in fact the casting was spot on much as it was with Pride and Prejudice. I liked it so much that I watched it twice in two days!! So once again thank you BBC for another quality piece of television. I have seen the Paltrow version and it is okay but I do think the BBC version is far superior. An excellent production that I am very happy to own on DVD!!! | 1pos
|
Dit is naar mijn mening de beste Emma die er bestaat. Nu ik de andere versie (1996) heb gezien, die ook goed is, en het boek heb gelezen, denk ik dat ik met een gerust hart kan zeggen dat dit de ware interpretatie is en de meest getrouwe van het meesterwerk van Jane Austen. De film uit 1996 met G. Paltrow is ook goed, alleen is het bijna een heel ander verhaal. Het is heel luchtig en luchtig, je ziet de duistere kanten van de personages niet en als je gewoon een leuke film wilt, zou die prima zijn, maar de ingewikkelde plotpunten zijn bij sommige punten, zoals de verstrengeling tussen Churchill en Fairfax, zo overdreven dat ze bijna niet bestaan. Maar als je de personages wat meer in hun ware gedaante wilt zien, realistischer en meerdimensionaal, dan is de tv-versie uit 1996 de beste. Emma is een opmerkelijk persoon, maar ze heeft gebreken. Kate Beckinsale is er meesterlijk in om de kleine eigenaardigheden van het personage te laten zien. Je ziet haar terloops walgen van een paar van de meer eenvoudige gesprekken van Harriet Smith, maar ze toont geen wroeging over het feit dat ze Harriets aanzoek heeft geruïneerd, totdat die actie het gevolg is van haar eigen huwelijksge Voor Emma was het koppelen en een nieuwe vriendin hebben om de tijd mee door te brengen nadat ze haar gouvernante had verloren. Voor Frank Churchill is het de belofte veiligstellen van de vrouw van wie hij houdt, terwijl hij haar en anderen afschuwelijk behandelt om het geheim te houden. In het boek realiseert ze zich dit alles in een verpletterend besef van alle blunders die ze heeft gemaakt. Zowel Kate Beckinsale als Gyneth Paltrow is overtuigend in hun berouw, maar dat van Paltrow is kinderlijk en stagnerend, terwijl dat van Beckinsale echt en serieus is en je de overgang ziet van kinderlijk, egoïstisch gedrag naar vriendelijk en attent volwassen. Beide versies zijn heel goed, maar ik geef de voorkeur aan deze. | This is the best Emma in existence in my opinion. Having seen the other version (1996) which is also good, and read the book, I think I can safely say with confidence that this is the true interpretation and is the most faithful to Jane Austen's masterpiece. The 1996 movie with G. Paltrow is good too, it's just that it's almost like a different story altogether. It's very light and fluffy, you don't see the darker edges of the characters and if you just want a pleasant movie, that one would do fine but the intricacies of some of the plot points, such as the Churchill/Fairfax entanglement is so much glossed over as to be virtually non-existent. But if you want the characters fleshed out a bit, more real and multidimensional, the 1996 TV version is the superior. Emma is a remarkable person, but she is flawed. Kate Beckinsale is masterful at showing the little quirks of the character. You see her look casually disgusted at some of the more simple conversation of Harriet Smith, yet she shows no remorse for having ruined Harriet's proposal until that action has the effect of ruining her own marital happiness at the ending. You see her narcissism and it mirrors Frank Churchill's in that they would do harm to others to achieve their own aims. For Emma, it was playing matchmaker and having a new friend to while away the time with after having suffered the loss of her governess to marriage. For Frank Churchill, it is securing the promise of the woman he loves while treating her and others abominably to keep the secret. In the book, she realizes all of this in a crushing awakening to all the blunders she has made. Both Kate Beckinsale and Gyneth Paltrow are convincing in their remorse but Paltrow's is more childlike and stagnant while Beckinsale's awakening is rather real and serious and you see the transition from child-like, selfish behavior to kind and thoughtful adult. Both versions are very good but I prefer this one. | 1pos
|
Als de winter nadert, heeft onze staatsomroep, het ABC, om de een of andere reden besloten om op zondagavond een gedeeltelijk Jane Austen-festival te houden. Dat is afgelopen zondag begonnen met een twaalf jaar oude filmversie van 'Emma'; de meer recente versies van drie andere romans, 'Persuasion', 'Northanger Abbey' en 'Mansfield Park' zullen volgen.<br />Het merkwaardige aan deze productie van A&E Television Networks, met het scenario van de altijd betrouwbare Andrew Davies, is dat hij bijna gelijktijdig is verschenen met twee veel grotere budgetversies, een met Gwyneth Paltrow in de hoofdrol, en 'Clueless', een 'gemoderniseerde' versie, met Alicia Silverstone in de hoofdrol, die de plot naar Beverly Hills verplaatste. Misschien dat deze productie daardoor, zelfs met Kate Beckinsale in de hoofdrol, spoorloos is verdwenen. <br /><0x3E> Over het algemeen gaat er veel verloren als romans worden ingekort tot de lengte van de film. De versies die je leuk vindt en die je je blijft herinneren, zijn de versies die voldoende ruimte hebben om zowel het verhaal als de personages te ontwikkelen. Een uitstekend voorbeeld is 'Brideshead Revisited', dat in 1982 13 afleveringen van 50 minuten had. Je hoeft alleen maar de heel gewone filmversie van 'Pride and Prejudice' in 2005 te vergelijken met de briljante zesdelige mini Gezien de tekortkomingen van dit type aanpassing is deze productie oké. Kate Beckinsale geeft Emma de juiste mengeling van zelfverzekerdheid en kwetsbaarheid en Mark Strong is een openhartige meneer Knightly (hij herinnerde me eraan dat Jane de neiging had karakters te recyclen). Samantha Morton was een nogal slappe Harriet, maar Prunella Scales kreeg de kletskous van een mevrouw Bates perfect van Sybil Fawlty op speed. Bernard Hepton als Emma's zwakke vader was ook uitstekend. We zagen het vochtige platteland, de modder en de armoede, maar ook de chique huizen, voor het geval iemand dacht dat dit voor iedereen een bijzonder idyllische tijd was. Ook al was dit een gecondenseerde versie, toch was het op sommige plaatsen vreemd traag, alsof sommige gesprekken nogal stijfjes waren, zelfs als je rekening hield met de formaliteiten van die tijd. Ik zou de film nog eens moeten bekijken om er zeker van te zijn, maar dat zou kunnen komen door het ondermaatse gebruik van de reacties.<br />Als je van gefilmde periodes houdt, is dit een prima voorbeeld, en het vergelijkt goed met de Paltrow-versie. Hoe dan ook, er komt nog meer! | As winter approaches, our state-owned broadcaster, the ABC, has decided for some reason to have a partial Jane Austen Festival on Sunday nights. This commenced with a twelve-year old movie length version of "Emma" last Sunday; more recent versions of three other novels, "Persuasion", "Northanger Abbey" and "Mansfield Park" are to come.<br /><br />The curious thing about this production by A&E Television Networks, with script by the ever-reliable Andrew Davies, is that it appeared almost simultaneously with two much bigger budget movie versions, one starring Gwyneth Paltrow, and "Clueless", a "modernized" version, starring Alicia Silverstone, which transported the plot to Beverly Hills. Perhaps as a result, even with Kate Beckinsale in the lead, this production sank without trace.<br /><br />As a general rule, much is lost when novels are shrunk to fit feature movie length. The adaptations one tends to both enjoy and remember are those which have adequate room to develop both story and characters. An outstanding example is "Brideshead Revisited" which had 13 50-minute episodes back in 1982. You only have to compare the very ordinary movie-length version of "Pride and Prejudice" in 2005 with the brilliant 1995 six-part TV mini-series. It's not that a novel should be filmed page by page, and some novels (often not very good ones) adapt wonderfully to film ("Atonement" is a recent example), but novels of the Jane Austen sort need some time and space to exert their full charm.<br /><br />Given the shortcomings of this type of adaptation, this production is OK. Kate Beckinsale gives Emma the right mix of self-assuredness and vulnerability and Mark Strong is a forthright Mr Knightly (he reminded me that Jane tended to recycle characters Knightly is a more articulate version of the moody Mr Darcy of P&P). Samantha Morton was a rather limp Harriet but Prunella Scales got the blabbermouth Miss Bates perfectly Sybil Fawlty on speed. Bernard Hepton as Emma's feeble father was also excellent. We saw the damp countryside, the mud and the poverty as well as the posh interiors, in case anyone thought this was a particularly idyllic age for everybody.<br /><br />Even though this was a condensed adaptation it was oddly slow in places some of the conversations were rather stilted, even allowing for the formalities of the times. I'd have to look at the film again to be sure, but it might be due to the under-use of reaction shots.<br /><br />If you do like filmed period stuff this is a perfectly nice example, and compares well with the Paltrow version. Anyway, there is more to come! | 1pos
|
Kate Beckinsale is in deze film net zo goed, zo niet beter, dan Gwyneth Paltrow als Emma, hoewel ik Gwyneth Paltrow in de andere Emma-versie echt leuk vond. Ze zijn allebei goed, maar op verschillende manieren. Kate Beckinsale als Emma lijkt echter interessanter, bijna. En ik vond de vrouw die Harriet Smith speelde in deze film ook leuker... ze was geloofwaardiger lief en sentimenteel. Er zijn echter bepaalde dingen die ik leuker vind aan de Gwyneth Paltrow-versie, zoals dat de humoristische kant duidelijker naar voren komt. | Kate Beckinsale is as good if not better than Gwyneth Paltrow as Emma in this movie, although I really liked Gwyneth Paltrow in the other Emma version. They're both good in different ways. Kate Beckinsale as Emma seems more interesting, almost, though. And I liked the woman who played Harriet Smith in this movie better, too...she was more believably sweet and sentimental. There are certain things I like better about the Gwyneth Paltrow version, though, like how the humorous side is more apparent. | 1pos
|
Ik beschouw deze film als een meesterwerk, maar het kostte me minstens 4 <0xC3><0xA0> 5 keer kijken voor ik besefte wat een geweldige film het was. Ten eerste beschrijft hij een gezicht uit de Tweede Wereldoorlog dat we gewoonlijk niet in Hollywood-films zien. In het bijzonder worden Duitse soldaten, het leger en de naziregering'menselijker' getoond. Een van de feiten die het meest indruk op me maakten was de vermelding, aan het eind van de film, van een moord die plaatsvond in een bos in de laatste 20's... dat bos is de plaats waar de laatste hoofdstukken van Berlijn Alexanderplatz plaatsvinden: dat zijn de bossen waar Reinhold Mieze vermoordt. Een andere aanwijzing voor degenen die van de details houden, is de weergave van deuren. Fassbinder is geobsedeerd door de veranderingen in mensen, elke keer als ze een deur tegenkomen of als er een deur wordt geopend. Op het scherm worden veel deuren getoond, open en dicht. En de personages veranderen in hun persoonlijkheid, hun daden enzovoort, elke keer dat dat gebeurt. Is je dat opgevallen? | I consider this movie a masterpiece, but it took me at least 4 o 5 times to see it, so as to realize what a great movie it was. First, it describes a face of WW2 that we don't usually see in Hollywood movies. In particular, German soldiers, army and the Nazi government are shown more "humanized". One of the facts that impressed me most was the mention, by the end of the movie, of a murder that took place in a forest in the last 20's... that forest is the place where the final chapters of Berlin Alexanderplatz take place: those are the woods where Reinhold kills Mieze. Another clue for those who like the details, is the representation of doors. Fassbinder is obsessed with the changes in people each time they walk across a door, or a door is opened. Many doors are shown in the screen, opened and closed. And the characters change in their personality, their acts, etc any time that happens. Have you noticed that? | 1pos
|
Veel critici hebben zich beledigd gevoeld dat R.W. Fassbinder zowel de hoofdpersoon Wilkie als de nazi's in deze film op een menselijke manier heeft geportretteerd. Connaisseurs van andere Fassbinder-films zullen echter beseffen dat 'Lili Marleen' (1981) deel uitmaakt van Fassbinders 'vrouwenfilms' als 'The Marriage of Maria Braun' (1979) en 'Lola' (1981). Fassbinder was ervan overtuigd dat'verhalen veel beter verteld kunnen worden met vrouwen dan met mannen', omdat, volgens Fassbinder, hoewel mannen doorgaans hun vastberaden rol in de samenleving vervullen, 'vrouwen in staat zijn op een dialectische manier te denken'. Dialectiek betekent echter dat er niet alleen een these en haar tegenhanger is, zoals gewoonlijk in onze zwart-witte wereld, maar Bovendien betekent dialectiek dat door het derde voorbeeld van synthese de absolute tegenstand van het verschil tussen stelling en antithese wordt opgeheven. Concreet gesproken: vanuit een dialectisch gezichtspunt en als afspiegeling van de fascistische staat moeten de ondergrondse strijders noodzakelijkerwijs de elementaire middelen gebruiken zoals de heersers dat doen, en tussen daders en slachtoffers bestaat dus een pedagogische relatie, zodat iedere dader ook slachtoffer is en ieder slachtoffer ook dader. Fassbinder heeft dit abstracte schema, dat de klassieke logica overstijgt, geïllustreerd in zijn toneelstuk 'The City, the Garbage and the Death' (1975) dat door Daniel Schmid werd gefilmd onder de titel 'Shadow of Angels' (1976). Op een dialectische manier benaderend een a priori controversieel onderwerp als nazi-Duitsland, wordt de weergave van deze tijd in de vorm van een film nog controversiëler, vooral voor mensen die niet kunnen of niet willen zien dat onze erkenning van de wereld verre van uitgeput is met een primitief schema van lichtschakelaars, maar dat het derde voorbeeld van synthese nodig is als leidend voorbeeld van de tegengestelde these en antithese. De wederzijdse relatie tussen daders en slachtoffers moet kritisch worden bekeken, aangezien het domweg niet waar is dat de daders de slechteriken zijn en de slachtoffers de goeden. In een synthetisch standpunt nemen de slechten deel aan de goedheid zoals de goeden deelnemen aan de slechtheid. Ze zijn onderling verwant. In een wereldbeeld dat gebaseerd is op klassieke logica kan een relatie tussen goed en kwaad niet eens worden vastgesteld, en in een ethiek die gebaseerd is op dit ontoereikende systeem van logica sluit het slechte geweten van de overlevenden van nazi-Duitsland, die zich (onlogisch genoeg) verantwoordelijk voelen voor de daden van hun voorouders, de mogelijkheid van een relatie tussen de twee uitersten uit en dus een synthese in de vorm van een nieuwe evaluatie die ook op deze relatie is gebaseerd. Uit Fassbinders dialectische gezichtspunt volgt dat Lili Marleen noch Lola noch Maria Braun kan worden veroordeeld voor hun'misbruik' van het bestuurssysteem voor hun eigen doeleinden, omdat ze het niet misbruiken, maar alleen gebruiken. Integendeel, aangezien de slachtoffers de handelingen van de daders moeten herhalen, zoals de daders de handelingen van de slachtoffers moeten herhalen, omdat 'goed' en'slecht' niet langer eenvoudige spiegelbeelden van elkaar zijn zoals in twee-waarderingslogica, worden hun strategieën gerechtvaardigd door de kinderlijke structuur van een logica die onze wereld beschrijft, die helemaal niet zwart-wit is, veel beter dan een zwart-witlogica. | Many critics have felt offended that R.W. Fassbinder has portrayed both protagonist Wilkie and the Nazis in this movie in a human-like manner. Connoisseurs of other Fassbinder films, however, will realize that "Lili Marleen" (1981) belongs to Fassbinder's "women movies" like "The Marriage of Maria Braun" (1979) and "Lola" (1981). Fassbinder was convinced that "stories can be told much better with women than with men", because, according to Fassbinder, while men usually fulfill their determined roles in society, "women are capable of thinking in a dialectic manner". Dialectics, however, means that there is not only a thesis and its antithesis like usually in our black-and-white world, but a synthesis where the oppositions coincide. Moreover, dialectic means that because of the third instance of synthesis the absolute opposition of the difference between thesis and antithesis is abolished. Concretely speaking: Starting from a dialect point of view and portraying the fascist state, the underground fighters must necessarily use the basic means like the rulers do, and between offenders and victims there is thus a chiastic relation, so that every offender is also victim and every victim is also offender. Fassbinder has illustrated this abstract scheme, that transcends classical logic, in his play "The City, the Garbage and the Death" (1975) which was filmed by Daniel Schmid under the title "Shadow of Angels" (1976).<br /><br />Therefore, approaching an a priori controversial topic like Nazi Germany, in a dialectic manner, the depiction of this time in the form of a movie gets even more controversial, especially for people who cannot or do not want to see that our recognition of the world is by far not exhausted with a primitive light-switch schema, but needs the third instance of synthesis as controlling instance of its opposite members thesis and antithesis. The mutual relationship between offenders and victims has to scrutinized, since it is simply not true that the offenders are the bad ones and the victims the good ones. In a synthetic viewpoint, the bad ones participate on the goodness as the good ones participate on the badness. They are mutually related. In a world-view based on classical logic, a relation between good and bad cannot even been established, and in an ethics based on this insufficient system of logic, the bad conscience of the survivors of Nazi Germany, feeling (illogically enough) responsible for the deeds of their ancestors, exclude the possibility of a relationship between the two extremes and thus a synthesis in the form a new evaluation based on this relationship as well. From Fassbinder's dialectic viewpoint, it follows that neither Lili Marleen nor Lola nor Maria Braun can be condemned for their "misuse" of the ruling system for their private purposes, because they don't misuse them, they just use them. In the opposite, since victims must repeat the actions of the offenders as the offenders must repeat the actions of the victims, because "good" and "bad" are no longer simple mirror images of one another like in two-valued logic, their strategies are legitimated by the chiastic structure of a logic that describes our world, that is not black and white at all, much better than a black-and-white logic. | 1pos
|
Als je het soort persoon bent dat op zoek is naar een realistische film of een met een sterke en geloofwaardige plot, dan is deze film NIET VOOR JE. Nee hoor, je zult hem vreselijk vinden. Maar voor degenen die van lieve, een beetje maffe komedies houden, zul je het leuk vinden om deze kleine film te zien.<br />Tony Randall werkt voor de belastingdienst en hij onderzoekt een heel aardige boer die zich nooit heeft gerealiseerd dat hij een aangiftebiljet voor de inkomstenbelasting moest indienen. Hoe hard hij ook zijn best doet om hen te overtuigen van de ernst van zijn bezoek, iedereen in de familie is dolblij met gezelschap. Ze zijn dol op hem en behandelen hem als een lid van de familie... en ze zijn van plan hem te laten trouwen met hun dochter, Debbie Reynolds. Maar de film krijgt goede recensies vanwege het goede scenario en het goede acteerwerk. Een heel mooi curiosum uit het eind van de jaren vijftig. | If you are the sort of person looking for a realistic film or one with a strong and believable plot, then this film is NOT for you. Nope--you'll hate it. However, for those who like sweet, slightly screwball comedies, then you'll have a nice time watching this slight film.<br /><br />Tony Randall works for the IRS and he investigates a very nice farmer who never realized he needed to file an income tax return. However hard he tries to convince them of the seriousness of his visit, everyone in the family is thrilled to have company. They dote on him and treat him like one of the family,...and have plans on getting him hitched to their daughter, Debbie Reynolds. That's really about all the plot there is. But the film gets high marks for a fun script and decent acting. A really nice little curio from the late 1950s. | 1pos
|
Uitstekende klucht! Wat natuurlijk ook de bedoeling is. Gelukkig is er geen sociale of politieke boodschap, noch wordt er ook maar de geringste poging in die richting gedaan. Zou de intrige werkelijk kunnen plaatsvinden in een bepaalde tijd of op een bepaalde plaats? Onwaarschijnlijk, want dit is per slot van rekening gewoon een film, en films komen voort uit verbeelding, niet uit werkelijkheid. Het enige doel van deze film is om te vermaken, en zeker niet om te onderwijzen, en dat doet de film ook, terwijl de werkelijkheid heerlijk en luchthartig aan de kant wordt geschoven. Ik denk dat de meesten het met me eens zullen zijn dat we van documentaires verlichting en authenticiteit verwachten. Maar wat amusement betreft, wil ik iets wat tegenwoordig wordt omschreven als een 'no-brainer', wat Het paarspel in alle opzichten is. Voor wat gegrinnik en af en toe een bulderende lach is dit een mooie fantasie over een lekkere maaltijd. | Excellent farce! Which, of course, is all it is intended to be. Thankfully there is neither a social or political message, nor is there the slightest attempt in that direction. Could the plot actually take, or have taken place in any particular time or location? Unlikely, for, after all, this is simply, merely, a movie, and movies spring from imagination, not from reality. The only goal of this movie is to entertain, certainly not to educate, and entertain it does, with reality delightfully and lightheartedly tossed to the winds. I think most would agree that from documentaries we expect enlightenment and authenticity. But for entertainment I want what is nowadays described as a "no-brainer," which The Mating Game is in all respects. For a few chuckles and an outright laugh now and then, this is fine fare fantasy. | 1pos
|
Ik heb deze komedie, die een van de weinige is die serieus proberen om de jaarlijkse belastingeisen van de Amerikaanse regering in te perken, altijd leuk gevonden. Heb je ooit een belastingwet gelezen? Het is een heel karwei om die te volgen <0xE2><0x80><0x93> het zijn meervoudige clausules die onze congresleden en senatoren invoeren om hun financiële financiers en verschillende belangengroepen te helpen. Ondanks de beweringen dat het eerlijk is, heeft de belastingwet altijd het leeuwendeel van de lasten op de midden- en arbeidersklasse gelegd, in plaats van op de rijken en invloedrijken. De meeste van de speciale clausules zijn bedoeld voor hun eigen doeleinden: neem het gemiddelde 1040 of 1040A-formulier door en kijk naar de verscheidenheid aan investeringen en zakelijke ondernemingen, die allemaal weer andere regels hebben. De meeste mensen zullen er nooit iets aan hebben.<br />Het verhaal hier is dat een rijke landeigenaar (Philip Ober) zijn invloed aanwendt om de belastingdienst te laten weten dat zijn buren (Paul Douglas en Una Merkle) al twintig jaar geen belasting hebben betaald. Het kantoor van de belastingdienst in Baltimore staat onder leiding van Fred Clarke, en hij springt voor Ober in de bres met zijn invloed. Hij stuurt Tony Randall om de situatie te onderzoeken. <br />Randall merkt dat Douglas, Merkle en hun drie meisjes en twee jongens behoorlijk fatsoenlijke mensen zijn, die zelden geld nodig hebben (ze kunnen met hun landbouwproducten overweg en onderhandelen met hun buren). Maar Randall, getraind in de duidelijke (voor de belastingdienst) regels van de belastingwetgeving, probeert het gezin bij de kern van de zaak te houden. Maar geleidelijk aan merkt Douglas dat Reynolds gesteld is op Randall, en hij blijft hem afleiden van zijn werk, zodat hij uiteindelijk dronken wordt. Hij maakt het Randall ook moeilijk om weg te gaan door de motor van zijn auto door zijn twee zoons te laten'repareren'.<br />Het complot volgt de groeiende aantrekkingskracht en wrijving tussen de stedelijke, vaag ambitieuze Randall en het plattelandsleven van Reynolds. Het is eigenlijk een leuk stel. Uiteindelijk, als Ober zijn beklag heeft gedaan, wordt Randall teruggestuurd en gaat Clarke (een taaiere tante) overstag. Ze komt met een enorme belastingaanslag op de proppen, die Douglas' gezin misschien wel te gronde zal richten.<br />Daar houdt de film niet op <0xE2><0x80><0x93> hij eindigt gelukkig, maar hij herinnert ons er wel aan dat de macht om belasting te heffen de macht is om te vernietigen, en dat de regering maar al te vaak tot vernietiging overgaat. Een kans van een op een miljoen redt het gezin, maar het komt zo zelden voor dat we weten dat het gewoon een dramatische truc is. Realistischer is de manier waarop Clarkes baas (Charles Lane) ingaat op de essentie van Obers 'hulp'. door te suggereren dat volgend jaar zijn belastingaangifte zorgvuldiger bekeken zal worden. Daarna is Ober nogal groen. | I have always liked this comedy as one of the few ever seriously trying to deal with the U.S. Government's yearly demand for taxes. Ever read a tax code?: it is quite a trial to follow it's multiple clauses that our congressmen and senators push in to help their financial backers and various interest groups. Despite claims that it is fair, the tax code has always laid the lion share of the burden on the middle and working classes rather than the rich and influential. Most of the various special clauses are meant for their use - go through the average 1040 or 1040A form and look at the variety of different investment and business ventures all of which have a different set of rules. Most people will never have any use for these.<br /><br />The story here is that a wealthy landowner (Philip Ober) uses his influence to tip off the IRS that his neighbors (Paul Douglas and Una Merkle) have not payed taxes in 20 years. The Baltimore office of the IRS is under Fred Clarke, and he is snapping to attention for Ober with his influence. He sends Tony Randall to check out the situation.<br /><br />Randall finds that Douglas, Merkle, and their three girls and two boys are pretty decent people, who rarely have need for cash (they get along on their farm produce and barter with their neighbors). But Randall, trained in the clear (to the IRS) lines of the tax code tries to pin down the family to fundamentals. But gradually Douglas notes that Reynolds is fond of Randall, and he keeps sidetracking Randall from his chore, eventually getting him drunk. He also makes it difficult for Randall to leave by having the motor of his car removed "for repairs" by his two sons.<br /><br />The plot follows the growing attraction and frictions between urban, vaguely ambitious Randall, and countryside, life loving Reynolds. They make a cute couple actually. Eventually, after Ober complains, Randall is sent back in disgrace and Clarke (a tougher cookie) gets down to brass tacks. And comes up with a very large tax bill, that will possibly ruin Douglas's family.<br /><br />The film does not end there - it does end happily, but it does remind us that the power to tax is the power to destroy, and that the Government does, all too frequently, go in for destruction. A chance in a million reversal saves the family, but it is so rare that we know it is just a dramatic trick. More realistic is how Clarke's boss, (Charles Lane) cuts to the essence regarding Ober's "help" by suggesting that next year his taxes will be looked at more carefully. After that Ober is rather green. | 1pos
|
Mating Game is een charmante, prachtige film uit een vervlogen tijd. Hollywood moet een charmante remake van deze film overwegen. Mijn vrouw en ik zouden hem gaan zien.<br />Het is een uitstekende romantische komedie die mijn vrouw en ik op AMC hebben gezien.<br />In deze film is Tony Randall op zijn best. Debbie Reynolds is geweldig, zoals altijd.<br />Vond het geweldig. We zijn van plan om een dvd te bestellen bij onze groeiende verzameling films.<br />Jammer dat Hollywood dit soort films niet meer maakt.<br />Hé, Hollywood... Het was tijd om een paar van dit soort scripts uit de oude safe te halen, ze een beetje bij te werken (zonder de oorspronkelijke film en het script te bederven, zoals je met andere remakes hebt gedaan) en een casting call te houden.<br />Een remake zou een grote hit zijn op het witte doek, op dvd en op kabel/SATTV.<br /><br />SN Austin, TX. | Mating Game is a charming, wonderful movie from an era gone by. Hollywood needs to consider a charming remake of this movie. My wife and I would go see it.<br /><br />It is an excellent romantic comedy that my wife and I watched on AMC.<br /><br />This movie has Tony Randall at his best. Debbie Reynolds is great, as always. <br /><br />Loved it. We plan on ordering on DVD to add to our growing collection of movies.<br /><br />Too bad Hollywood does not make movies like this anymore.<br /><br />Hey Hollywood....time to dig some of these type of scripts out of the old safe, update them a bit (without spoiling the original movie and script as you have done with other remakes), and hold a casting call.<br /><br />A remake would be a big hit on the silver screen, DVD, and on cable/SATTV.<br /><br />SN Austin, TX | 1pos
|
Ik heb deze film in 1959 gezien, toen ik 11 jaar oud was en met mijn familie in een drive-inbioscoop zat.<br />In die tijd vond ik het erg grappig... ook al was ik te jong om 90% te begrijpen van wat deze fantastische film zo heerlijk maakt! Ik heb hem vanmorgen weer gezien, in 'Turner South'. Toen ik ernaar keek, moest ik stuiptrekken van het lachen! 'The Mating Game' is een unieke klassieker uit een vervlogen tijd. Als je te jong bent om de betoverende periode in de geschiedenis te hebben meegemaakt die deze film heeft geproduceerd, heb ik erg met je te doen. Zo.' Het is onmogelijk om naar dit soort films te kijken en te begrijpen hoe ze (zelfs vandaag de dag) zo'n verrukkelijk stukje hemel kunnen schenken aan 'oude rotten' als ik.<br />Dat gezegd hebbende, kan ik alleen maar respectvol verzoeken dat jongere mensen zich onthouden van commentaar op films als 'The Mating Game'.<br />Dit soort films zijn gemaakt voor de generatie die aan de huidige groep van jullie volk voorafging. En als zodanig spreken deze films een heel andere taal dan jullie kunnen begrijpen.<br />Met andere woorden, als jullie de kwesties waar de film over gaat niet begrijpen, breng jezelf dan alsjeblieft niet in verlegenheid door commentaar te geven dat eerlijk gezegd nergens op slaat. | I saw this movie in 1959 when I was 11 years old at a drive-in theater with my family.<br /><br />Way back then, I thought it was very funny . . . even though I was too young to understand 90% of what makes this marvelous movie such a delight! I saw it again this morning on "Turner South". As I watched it, I was absolutely convulsed with laughter! "The Mating Game" is a unique classic from a by-gone age. If you're too young to have experienced the enchanting period in history that produced this film, I feel very sorry for you. There's no way you can watch movies like this and understand how they can (even today) deliver such a delightful slice of heaven to "old timers" like me.<br /><br />Having said that, all I can do is respectfully request that younger people refrain from commenting on films like "The Mating Game".<br /><br />Movies like this were made for the generation that preceded the current group of your people. And as such, these films speak a very different language than any of you can understand.<br /><br />In other words if you don't understand the issues the film is addressing, please don't embarrass yourself by offering comments which frankly make no sense. | 1pos
|
'The Incredible Smeltman' is een fantastisch grove, smakeloze en energieke Z-klasseproductie die elke zichzelf respecterende griezel van kamphorror gewoon met eigen ogen moet zien! De ideale omschrijving van deze goedkope 70-plus edelsteen is als een schaamteloze kopie van Hammers 'The Quatermass Xperiment'... maar dan duizend keer smeriger! Astronaus Steve West is de enige overlevende van een rampzalige ruimtemissie, maar blijkt de drager te zijn van een afschuwelijke ziekte die hem radioactief maakt en... hem doet smelten! In shock nadat hij zijn gezicht in de spiegel heeft gezien (kan je hem dat kwalijk nemen?) stuift Steve het ziekenhuis uit, een spoor van kleverige pus en van lichaamsdelen achterlatend. Dokter Ted Nelson moet hem zo snel mogelijk zien te vinden, want de ziekte heeft Steve ook een onverzadigbare honger naar mensenvlees bezorgd. Het klinkt misschien volslagen idioot, maar deze film is enorm onderhoudend en heeft een geweldig effect op de make-up van Rick Baker. Het gezicht van de smeltende gozer ziet eruit als een rottende pizza en zijn zware ademhaling doet hem klinken als Darth Vader! Een ander groot voordeel is dat William Sachs' scenario geen tijd verspilt aan saaie wetenschappelijke verklaringen of emotionele toespraken. De weerzinwekkendheid begint meteen en duurt tot het allerlaatste moment van de film. Geniet gewoon van dit malle gruweljuweel en probeer je hersenactiviteit zoveel mogelijk uit te schakelen, want als je begint te peinzen over de vele stommiteiten in het script, mis je alle campy lol! | "The Incredible Melting Man" is a fantastically gross, trashy and energetic Z-grade production that every self-respecting camp-horror freak simply has to see for him/herself! The ideal way to describe this low-budget 70's gem is like a shameless copy of Hammer's "The Quatermass Xperiment" ...only a thousand times filthier! Astronaust Steve West is the only survivor of a disastrous space-mission, but turns out the carrier of a horrible disease that makes him radioactive and ... causes him to melt! In shock after seeing his face in the mirror (can you blame him?), Steve busts out of the hospital, leaving a trail of sticky pus and fallen off body parts behind. Doctor Ted Nelson has to find him urgently, as the disease also set Steve up with an insatiable appetite for human flesh. The premise may sound utterly stupid but this flick is enormously entertaining and contains great make-up effects from the hand of Rick Baker. The melting dude's face looks like a rotting pizza and his heavy breathing makes him sound like Darth Vader! Another big advantage is that William Sachs' screenplay doesn't waste any time on tedious scientific explanations or emotional speeches. The repulsiveness starts right away and lasts until the very last moment of the film. Just enjoy this silly horror gem and try to switch off your brain activity as much as you can because, if you start contemplating about the many stupidities in the script, you'll miss out on all the campy fun! | 1pos
|
Om te beginnen, iedereen die op zoek is naar een zinvolle, op de gewone man gerichte bioscoop die een of andere sociale boodschap uitdraagt met zinvolle voorstellingen en een diepgaande dialoog die wordt gevoerd door toegewijde, geëmotioneerde, diepgevoelde acteurs: ga nu weg. U verspilt uw tijd en het leven is kort, ga naar de nieuwe film van Brangelina Jolie, huil eens lekker uit, ga een hybride auto kopen of gooi uw conflictdiamanten weg als u zich daar beter door voelt, en laat ons met rust.<br />Laat de deur ook niet tegen je aan slaan als je naar buiten gaat. De onvoorstelbare stralingsman is een eersteklas regionale horrorfilm die in de woestenij van Oklahoma door een jonge, tv-vriendelijke cast en crew is opgenomen. De film gaat over een astronaut die wordt blootgesteld aan bizarre stralingsverschijnselen, bij het ontwaken in een ziekenhuis ontdekt dat zijn lichaam vloeibaar wordt terwijl hij zich een sukkel voelt. De smeltende man wordt gespeeld door ene Alex Rebar, die ongeveer de eerste vier minuten van de film te herkennen is. Maar als hij eenmaal met Rick Bakers uitzonderlijke special effects-make-up begint te spelen, lijkt hij meer op iets wat je in een blikje spam zou kunnen vinden voordat je alle vloeibare, kleverige klodders vet afwast. Er zijn een paar scènes waarin wetenschappers rondrijden op een absurde lopende band, die plichtsgetrouw een paar verplichte zinnen opzeggen over de effecten van straling, maar eigenlijk kan het de film niet schelen. Het is een freakshow en nog een fantastische ook, met een uitgesproken ziekelijk gevoel voor humor voor degenen die het kunnen verdragen... Er is een grote lachsalvo als de smeltende man in het bos een jong meisje tegenkomt en zo met zijn mond vol tanden staat dat een van zijn ogen uit zijn hoofd puilt. Hilarisch.<br />De 'held' De rol van Kevin Spacey wordt gespeeld door Burr DeBenning, een fascinerende karakterspeler uit de gouden jaren zeventig en tachtig van de vorige eeuw, die een soort vroeg prototype was voor Kevin Spacey; lichtelijk gestoord, neurotisch en bijna iedereen in de zaal een stap voor, ook al ziet hij er verward uit. Hij verscheen vlak nadat deze film was gemaakt in een bizarre tv-commercial met de titel HOUSE OF THE DOAD (of THE ALIEN ZONE) die wordt beschouwd als een van de beste films die ooit in Oklahoma zijn gemaakt, en ik vermoed dat deze film daar ook is gemaakt. De droge, koud ogende landelijke landschappen in het Midden-Westen zijn zeker hetzelfde, en de kreek die een onfortuinlijke vliegvisser uitkiest voor zijn middagje sport schijnt dezelfde te zijn als de kreek waar Cameron Mitchell vliegende buitenaardse pannenkoeken wist te verjagen zonder waarschuwing... die ook een ziekelijk gevoel voor humor had, een tv-vriendelijke cast en een paar behoorlijk buitensporige bloeddorstigheid. Ik bespeur in elk geval een esthetisch verband tussen de drie films, evenals THE SILENCE OF THE LAMBS, wat niet verbazingwekkend is aangezien regisseur Jonathan Demme deel uitmaakt van de cast van MELTING MAN.<br />In wezen, zoals anderen hebben opgemerkt, is dit een B-film uit de jaren vijftig die is bijgewerkt voor special effects in de jaren zeventig & de onvermijdelijke tieten. De film waarvan de meeste ideeën waarschijnlijk afkomstig zijn van Peter Graves als een astronaut die ook naar de aarde terugkeert nadat hij is blootgesteld aan vreemde stralingseffecten die hem tot een moorddadige uitval aanzetten. Een van de dingen die ik in feite bewonder aan de film is dat er absoluut geen aandacht wordt besteed aan de motieven van de smeltende man: hij gaat gewoon tekeer en het drama van de film komt voort uit de vraag of hij in stukken zal breken voordat bepaalde personages het slachtoffer worden van zijn waanzin. Het budget voor de film is ook verrukkelijk laag en elke cent die eraan wordt uitgegeven staat op het scherm, en de walgelijke effecten van Rick Baker die de leeuw te pakken neemt. Het was het deel van het geld dat hieraan werd besteed.<br /><0x3E> Ziekelijk, walgelijk plezier dat het best genoten kan worden met een groep vrienden en veel bier. Waarom hebben mensen niet meer van dit soort films gemaakt?<br /><0x3E> 20.00 uur. | First off, anyone looking for meaningful "outcome oriented" cinema that packs some sort of social message with meaningful performances and soul searching dialog spoken by dedicated, emotive, heartfelt thespians, please leave now. You are wasting your time and life is short, go see the new Brangelina Jolie movie, have a good cry, go out & buy a hybrid car or throw away your conflict diamonds if that will make you feel better, and leave us alone.<br /><br />Don't let the door hit you on the way out either. THE INCREDIBLE MELTING MAN is a grade B minus regional horror epic shot in the wastelands of Oklahoma by a young, TV friendly cast & crew, and concerns itself with an astronaut who is exposed to bizarre radiation effects, wakes up in a hospital, and finds that his body is liquefying on him as he sits there feeling like a chump. The melting man is played by one Alex Rebar, who is recognizable for about the first four minutes of the film. But once he starts oozin' with Rick Baker's extraordinary special effects makeup he more resembles something you might find in a tin of spam before you drain off all the runny, viscous blebs of grease.<br /><br />The film has zero exposition and does not bandy about with plot points: There are a couple of scenes involving scientist types riding around on an absurd industrial conveyor machine who dutifully recite a few obligatory lines about the effects of radiation but the movie does not care, really. It's a freak show and a marvelous one at that with a decidedly sick sense of humor for those who can stomach it -- One great laugh comes when the melting man stumbles upon a young girl in the forest and is so at a loss for what to do that one of his eyes pops out. Hilarious.<br /><br />The "hero" of the film is played by Burr DeBenning, a fascinating character actor from the golden 1970s & 80s television scene who was sort of an early model for the Kevin Spacey prototype; slightly twisted, neurotic, and one step ahead of most everyone in the room even if he looks confused. He appeared just after this movie was made in a bizarre made for TV anthology horror piece called HOUSE OF THE DEAD (or THE ALIEN ZONE) that is regarded as one of the finest movies ever made in Oklahoma, which is where I suspect this film was made as well. The arid, cold looking rural midwestern landscapes are certainly the same, and the creek that one unfortunate fly fisher chooses for his afternoon of sport appears to be the same one that Cameron Mitchell fought off flying alien pancakes in WITHOUT WARNING ... which also had a sick sense of humor, a TV friendly cast, and some pretty outrageous gore. I definitely sense at least an aesthetic connection between the three movies, as well as THE SILENCE OF THE LAMBS which is of no surprise considering that director Jonathan Demme is a part of MELTING MAN's cast.<br /><br />Essentially, as others have pointed out, this is a 1950s B movie plot updated for later 1970s era special effects & the inevitable boobs. The movie it probably borrows most of it's ideas from is PHANTOM FROM SPACE with Peter Graves as an astronaut who also returns to Earth after being exposed to funky radiation effects that set him off on a killing spree. One of the things that I actually admire about the film is that absolutely no regard is given for the melting man's motivations: He simply goes on a rampage and the movie's drama comes from wondering if he's going to fall to pieces before certain characters fall victim to his madness. The budget for the film is also delightfully low and every dime spent on it is up there on the screen, Rick Baker's disgusting effects getting the lion's share of whatever was spent on this.<br /><br />Sick, disgusting fun best enjoyed with a crowd of friends and plenty of beer. Why can't people have made more movies like these? <br /><br />8/10 | 1pos
|
Astronaut Steve West (Alex Rebar) en zijn kameraden ondernemen een ruimtevlucht die hen door de ringen van Saturnus ziet vliegen. Zijn kameraden worden op slag gedood, maar het lijkt erop dat zij de geluksvogels zijn. Steve keert naar de Aarde terug als een voortdurend sijpelende massa mensachtige pulp; terwijl hij in een woeste moordenaar verandert, die bij elke stap smelt, wordt hij opgespoord door zijn vriend, dr. Ted Nelson (Burr DeBenning).<br /><br />Dit is vaak zo bulderend grappig <0xE2><0x80><0x93> met genoeg absurde lijnen en situaties <0xE2><0x80><0x93> dat ik bijna niet kan geloven dat het allemaal onbedoeld is. Het lijkt me een beetje een miskleun van lowbudget-genre-inspanningen uit de jaren vijftig en zestig.' 's, en als zodanig is het een geweldig onderhoudende film. Die scène met de verpleegster is gewoonweg hilarisch. We worden zelfs getrakteerd op een split screen-sectie die niet echt iets toevoegt, maar toch een genot is om naar te kijken.<br />Schrijver/regisseur William Sachs verdient de eer dat hij met dit ingenieuze idee is gekomen; zijn ultraslijmerige personage is werkelijk gedenkwaardig. Ik vind dat hij een beetje vreemd loopt te ijsberen; sommige scènes (zoals die met het oudere echtpaar) duren een beetje lang, maar uiteindelijk levert hij solide, scabreuze B-films af met een zekere zwier. Vooral de climax is leuk.<br />De muziek van Arlon Obers is aangenaam huiverig (en soms ook amusant dwaas), en Willy Curtis's De filmografie levert af en toe werkelijk fantastische shots op. Dat brengt me bij de fantastische en overtuigende make-up-effecten van Rick Baker, die een zeer respectabel middelpunt vormen voor de film, tot en met het ultieme slotsmeltmoment.<br />Rebar zit bijna de hele film onder de zware make-up (Sachs krijgt ook mijn complimenten voor het feit dat de film als een speer gaat) en doet wat hij moet doen. DeBenning speelt een nogal lompe en onnozele held, en Ann Sweeney is ook niet zo'n ster als zijn vrouw, maar Myron Healey, Michael Alldredge en Lisle Wilson zijn prima ondersteuning. Het is ook de moeite waard om mensen te zien als Cheryl 'Rainbeaux' Smith (die een fraaie topless-foto maakt), Janus Blythe (van Tobe Hoopers) en Janus Blythe (van Tobe Hoopers). 'Eaten Alive' en 'The Hills Have Eyes' van Wes Cravens) en zelfs regisseur Jonathan Demme in een bijrol.<br />Dit is een uiterst onderhoudende middernachtelijke film met genoeg bloed, bloedstollende scènes en lachsalvo's om hem te bestempelen als de moeite waard voor liefhebbers van low-budget sciencefiction/horror overal.<br /><br />8/10. | Astronaut Steve West (Alex Rebar) and his comrades undertake a space mission that sees them flying through the rings of Saturn. His comrades are killed instantly, but it would seem that they are in fact the lucky ones. Steve returns to Earth a constantly oozing mass of humanoid pulp; as he turns into a savage killer, melting every step of the way, he is tracked by his friend, Dr. Ted Nelson (Burr DeBenning).<br /><br />This is often so uproariously funny - with enough absurd lines and situations to go around - that it's hard for me to believe that the laughs are all unintentional. It seems to me to be kind of a goof on low-budget genre efforts from the '50's and 60's, and as such, it's a marvelously entertaining movie. That sequence with the nurse is simply hilarious. We're even treated to a split screen sequence that doesn't really add anything, but is still a gas to watch.<br /><br />Writer / director William Sachs deserves credit for coming up with this ingenious idea; his ultra-slimy character is a memorable one indeed. I think his pacing is a little off; some scenes (like the one with the elderly couple) go on a little long, but ultimately he delivers solid, schlocky, B-movie goods with a degree of panache. The climax is especially fun.<br /><br />Arlon Obers' music is enjoyably shuddery (yet also amusingly silly during some moments), and Willy Curtis's cinematography creates some really great shots at times. That brings me to Rick Bakers' fantastic and convincing makeup effects, which form a highly respectable centerpiece for the movie, right down to the ultimate final melt.<br /><br />Rebar is under the heavy makeup for almost the entire movie (Sachs also gets my praise for having the movie hit the ground running) and does what he has to do well enough. DeBenning makes for a rather oafish and silly hero, and Ann Sweeney isn't so hot either as his wife, but Myron Healey, Michael Alldredge, and Lisle Wilson are fine in support. It's also worth it to see folk like Cheryl "Rainbeaux" Smith (doing an appreciable topless shot), Janus Blythe (of Tobe Hoopers' "Eaten Alive" and Wes Cravens' "The Hills Have Eyes"), and even director Jonathan Demme in a bit part.<br /><br />This is a highly entertaining midnight movie with enough gore, chills, and laughs to rate it as worth catching for lovers of low-grade sci-fi / horror everywhere.<br /><br />8/10 | 1pos
|
Als verzamelaar van filmmemorabilia moest ik de filmposter voor deze film kopen die, nu ik hem eindelijk heb gezien, wel het beste aan de film moet zijn. Er is niets aantrekkelijkers om aan je muur te hangen dan een 27 x 41 inch-beeld van de smeltende man. Maar er is niets afschuwelijkers om in je videorecorder te stoppen dan een beeld van anderhalf uur van de smeltende man. Eerst dacht ik dat deze film pure rotzooi was, maar toen besefte ik dat er een paar eigenschappen in zaten die me aan het lachen maakten. Het personage van dr. Ted Nelson moet wel de meest slappe figuur zijn die ooit op het witte doek is verschenen. Zijn dialoog is zo afgezaagd dat het ongelooflijk is! Hij lijkt steeds sterker te worden naarmate hij smelt!)<br />En kan iemand me alsjeblieft vertellen hoe ze precies weten hoeveel tijd Steve nog heeft voordat hij helemaal is gesmolten en wat ze precies van plan zijn om hem te 'helpen'? Als deze film bedoeld was om het publiek bang te maken, dan heeft hij zijn doel gemist, denk ik. | As a collector of movie memorabilia, I had to buy the movie poster for this film which, now that I've finally seen it, has to be the best thing about it. There's nothing more attractive to hang on your wall than a 27x41 inch image of the melting man. However, there's nothing more awful to put in your VCR than an hour and a half long image of the melting man. At first I thought this movie was pure garbage but then I realized that it did have some qualities which made me laugh. The character of Dr. Ted Nelson has to be the most wishy-washy persona ever brought to the big screen. His dialogue is so trite it's unbelievable! ("It's incredible! He seems to be getting stronger as he melts!)<br /><br />And could somebody tell me please how the heck they know exactly how much time Steve has left before he melts completely and exactly what their plan is to "help" him? If this movie was meant to scare its audience, I think it missed its calling. | 1pos
|
Dankzij deze schimmelfilm wil ik NIET mijn Maypo, kan de gedachte aan Maltex of Wheatena niet verdragen, en zelfs die muesli daar ziet er niet meer zo onschuldig uit! Waarom werd het liedje 'Slop Time' van de Sherry's niet als thema gebruikt? | Thanks to this fungal film I do NOT want my Maypo, can't stomach the thought of Maltex or Wheatena, and even that granola over there doesn't look so innocent anymore! Why wasn't the song "Slop Time", by the Sherrys, used as the theme? | 1pos
|
DE MELTING MAN... een tragisch slachtoffer van de ruimterace, hij is MELTING... heeft nooit begrepen dat de race allang voorbij was...!<br />Een man (Burr DeBenning) brandt zijn hand aan het fornuis in de keuken. Maar in plaats van iets te schreeuwen wat een normaal mens zou schreeuwen, schreeuwt hij iets dat klinkt als 'AAAAATCH-KAH!!' Deze film waar je in bent gesprongen... is geen normale film. Je hebt net je eerste stap gezet in THE INCREBLE MELTING MAN, de beroemde bloederige film uit het eind van de jaren zeventig met Rick Bakers prachtige make-up-effecten. Baker stond op het punt een superster te worden en deed dat tegelijkertijd met zijn beroemde 'cantina aliens' in STAR WARS. Om de een of andere vreemde reden werd STAR WARS een algemene naam en INCREBLE MELTING MAN niet. Misschien heeft het iets te maken met het feit dat deze film alleen maar geestdodend afschuwelijk is. Vanaf de intro ('Starring Alex Rebar als THE INCREBLE MELTING MAN'... dat staat er echt!), tot aan de mollige verpleegster die door een glazen deur rent, tot aan het vissershoofd dat over een waterval heen gaat en grafisch uiteenspat op een paar rotsen, biedt deze film vele, vele momenten van pure onbegrijpelijkheid. 'Waarom hebben ze... maar hoe komt hij... waarom zijn ze...?' Na een tijdje vraag je je niet meer af waarom en bekijk je de film als wat hij is: een heel onderhoudend stuk afval.<br />Een astronaut keert terug naar de aarde in een smeltende, radioactieve toestand; hij ontsnapt en begint, waarbij zowel zijn geest als zijn lichaam uit elkaar vallen, aan een waanzinnige, smeltende moordpartij. De autoriteiten komen al snel tot de conclusie dat de smeltende man moet worden tegengehouden, maar (waarschijnlijk omdat ze 'geen paniek willen zaaien') ze willen dat hij zo onopvallend mogelijk gevangen wordt genomen. Dus sturen ze een man met een geigerteller achter hem aan. Wauw.<br />Wat het verhaal betreft, gebeurt er verrassend weinig tijdens de film. De smeltende man zwerft rond en vermoordt mensen. Een dokter gaat naar hem op zoek met een geigerteller. Verschillende personages worden voorgesteld, stellen vragen en vertrekken. Uiteindelijk haalt de dokter de smeltende man in, maar hij wordt zonder enige reden neergeschoten door een bewaker, nadat hij heeft uitgelegd dat hij 'dr. Ted Nelson' is. De smeltende man loopt weg en lost uiteindelijk op in een grote plas smurrie.<br />Het' Ze zijn zo hersenloos dat het op de een of andere manier heel leuk wordt, ondanks het nogal sombere einde. Er zou een dvd-uitgave op stapel staan. Een heel bijzondere film. | THE MELTING MAN...a tragic victim of the space race, he perished MELTING...never comprehending the race had LONG GONE BY...!<br /><br />A man (Burr DeBenning) burns his hand on the kitchen stove. But instead of screaming something a NORMAL person would scream, he shouts something that sounds like "AAAAATCH-KAH!!" This movie you've popped in...isn't a normal movie. You've just taken your first step into THE INCREDIBLE MELTING MAN, the famous late-70's gore film featuring Rick Baker's wonderful makeup effects. Baker was just on the edge of becoming a superstar, and did this at the same time as his famous "cantina aliens" in STAR WARS. For some strange reason, STAR WARS became a household name, and INCREDIBLE MELTING MAN did not. <br /><br />It might have something to do with the fact that this movie is just mind-numbingly awful. From the opening credits ("Starring Alex Rebar as THE INCREDIBLE MELTING MAN"...that's really what it says!), to the chubby nurse running through a glass door, to the fisherman's head going over a waterfall and smashing graphically apart on some rocks, this film provides many, many moments of sheer incomprehensibility. "Why did they...but how come he...why are they...?" After a while, you give up wondering why and watch it as what it is--a very entertaining piece of garbage.<br /><br />An astronaut returns to Earth in a melting, radioactive condition; he escapes and, his mind disintegrating as well as his body, begins a mad melting killing spree. The authorities quickly decide that the melting man must be stopped, but (probably not wanting to "cause a panic") want him captured as quietly as possible. So they send one guy with a geiger counter after him. Wow.<br /><br />Storywise, surprisingly little happens during the movie. The melting guy wanders around killing people. A doctor searches for him with a geiger counter. Various characters are introduced, ask questions, and leave. Eventually the doctor catches up with the melting man, but is shot by a security guard for no reason, after he explains that he's "Dr. Ted Nelson." The melting man wanders off and finally dissolves into a big puddle of goo. The End.<br /><br />It's so brainless that it somehow ends up being a lot of fun, despite a fairly downbeat ending. Supposedly, a widescreen DVD release is planned. A very special movie. | 1pos
|
Voor mij heeft een lowbudgetfilm iets aantrekkelijks en nostalgisch. Als kind in de jaren vijftig was dat het enige wat er was. In 1957 zag ik 'The First Man Into Space' met mijn vader in een bioscoop. Marshall Thompson speelde er in mee en een andere arme sloeber die de titelrol kreeg. Het gaat ook over een mislukte ruimtemissie waarbij de astronaut in een grizzlybeer verandert. Ik kreeg er de kriebels van. De herinnering aan die kriebels leeft nog steeds in me. _The Incredible Melting Man_ is bijna een remake, maar dan in volle glorie... daar waren de scènes goed verlicht. Je moet het gewoon nemen zoals het is... iets meer dan een uur vol duistere scènes, walgelijke geluiden en die griezelige muziek. | To me there is something so appealing and nostalgic about low-budget sci-fi. As a kid in the 50s thats all there was. In 1957 I saw "The First Man Into Space" in a movie theater with my Dad. It had Marshall Thompson starring and some other poor slob who got the title role. It is also about a space mission gone bad where the astronaut turns into a grizzly killer. Scared the Good & Plenty right out of me. The memory of those heebie-jeebies still lives within me. The Incredible Melting Man is almost a re-make only in full glorious color...that is wherever the scenes were well-lit. Just gotta love it for what it is......a little over an hour of darkly lit scenes, disgusting noises, and that eerie music. Bravo ! | 1pos
|
Ik moet toegeven dat ik een beetje verbaasd en teleurgesteld ben over sommige van de uiterst negatieve opmerkingen die deze film lijkt uit te lokken. Ik vind het een geweldige horror/sf-film. Kolonel Steve West (Alex Rebar) keert naar de Aarde terug na een historische ruimtevlucht naar Saturnus. In de ruimte heeft hij een bizarre en onbekende ziekte opgelopen. Hij wordt wakker in een ziekenhuisbed, kijkt in een spiegel en voor zijn ogen smelt zijn gezicht! Hij ontsnapt aan het toezicht van de ziekenhuizen en verstopt zich in een bos in de buurt van een kleine stad. Helaas begint hij een snel groeiende honger te ontwikkelen die alleen kan worden gestild door andere mensen te eten. Hij moet zich voeden met mensenvlees en het bloed van anderen drinken om te overleven! Terwijl hij op zoek is naar een menselijke prooi, begint hij zijn schrikbewind! Het is aan zijn oude vriend dr. Ted Nelson (Burr DeBenning) om hem te vinden en te proberen hem te helpen. Hij moet in zijn eentje werken, omdat zijn baas, generaal Perry (Myron Healey) het zo stil mogelijk wil houden. Nelson kan het niet eens aan zijn vrouw Judy (Ann Sweeny) vertellen. Maar sheriff Blake (Micheal Alldredge) wordt achterdochtig als generaal Perry opduikt, net op het moment dat een aantal half opgegeten dorpsbewoners opduikt. Ik begrijp eigenlijk niet waarom deze film zulke negatieve recensies krijgt. Wat kunnen mensen verwachten? Maar goed, ik vind het een leuke film. De ster van de film is zonder enige twijfel Rick Bakers Speciale Make-up en Bloedeffecten, die voor het grootste deel uitstekend zijn, en het feit dat ze allemaal protheses hebben en geen afgrijselijke CGI maakt ze nog beter. Schrijver en regisseur William Sachs is ook niet bang om ze te gebruiken, we krijgen een paar mooie lange close-ups van de ongelooflijke smeltende man, en die blijven heel goed, zelfs nu. Fotografie, muziek en regie zijn een beetje saai, maar professioneel genoeg. Het script slaagt erin enige sympathie voor het monster te creëren, shots van hem die verlangend naar het huis van Ted Nelson kijkt, of als hij zijn eigen spiegelbeeld in het water ziet en heftig reageert. Het einde, dat zich afspeelt in een of andere grote fabriek, is nogal somber, dus verwacht geen happy end. Wat me verbaasde. Bovendien doet het script niet echt iets met de premisse, hij loopt gewoon smeltend en moordend rond, terwijl zijn vriend hem probeert tegen te houden, misschien een beetje te simpel. Persoonlijk vind ik het ergste deel van de film aan het begin, als de dikke verpleegster in slow motion door een ziekenhuisgang rent, haar gegil is ook in slow motion, het ziet er belachelijk uit en klinkt ook belachelijk! Je moet het zien om het te geloven! Ik vind deze film erg goed en beveel hem aan bij horror- en sci-fifans uit de jaren zeventig en tachtig. Een beetje een favoriet van me. | I must admit I'm a little surprised and disappointed at some of the very negative comments this film seems to provoke. I think its a great horror/sci fi film. Colonel Steve West (Alex Rebar) returns to Earth after an historical space flight to Saturn. While in space he contracted some bizarre and unknown disease. He wakes up in a hospital bed, he looks in a mirror and before his very eyes his face is melting! Escaping the hospitals supervision, he hides out in some local woods surrounding a small town. Unfortunately he starts to develop a rapidly growing hunger that can only be satisfied by eating other people. He must feed on human flesh and drink the blood of others to survive! Stalking human prey he begins his reign of terror! Its up to his old friend Dr Ted Nelson (Burr DeBenning) to find him and try and help him. He has to work alone as his boss General Perry (Myron Healey) wants it kept ultra quiet. Nelson can't even tell his wife Judy (Ann Sweeny). However, Sheriff Blake (Micheal Alldredge) becomes suspicious as General Perry turns up just as some of the local townspeople start turning up half eaten. I don't really understand why this film gets such negative reviews, what do people expect? Anyway, I really like this film. The star of the film are unquestionably Rick Bakers Special Make-up and gore effects which for the most part are excellent, and the fact their all prosthetic effects and no rubbish horrible CGI makes them even better. Writer and Director William Sachs isn't afraid to use them either, we get some nice long lingering close up shots of the incredible melting man and they hold up very well, even now. Photography, music and direction are a little bit dull, but professional enough. The script manages to create some sympathy for the the monster, shots of him looking longingly into Ted Nelsons house, or when he sees his own reflection in some water and reacts violently. The ending, set in a large factory of some sort, is pretty downbeat so don't expect any happy ending. Which surprised me. Also, the script doesn't really do anything with the premise, he just walks around melting and killing, with his friend trying to stop him, maybe a bit too simple. Personally I think the worst bit of the film is near the start when the fat nurse runs down a hospital corridor in slow motion, her screams are also portrayed in slow motion too, it looks and sounds totally ridiculous! You need to see it to believe it! I like this film a lot and recommend it to 70's and 80's horror/sci fi fans. A bit of a favourite of mine. | 1pos
|
Deze film heb ik uitgezocht nadat ik de hilarische en linguïstisch uitdagende 'Clueless' (1995) had gezien, misschien wel Alicia Silverstones bekendste werk uit het begin van haar filmcarrière. In 'True Crime' speelt Kevin Dillon, wat de meeste filmprojecten ten goede zou moeten komen. In feite doet iedereen in de cast zijn werk goed. De enige teleurstelling die de film volgens mij voor me in petto heeft, is een ongemakkelijk 'gevoel' bij sommige scènes, als gevolg van de noodzaak om een nogal onbuigzaam, volwassen thema te brengen als onderdeel van wat in de toon te horen is als een schoolmeisjesavontuur.<br />Alicia Silverstone is in deze film vrij goed. Ze weet het naïeve enthousiasme en het groeiende onbehagen dat Mary Giordano bevangt goed over te brengen terwijl ze de waarheid achter de seriemoorden tracht te achterhalen. Ik denk dat haar karakterisering van MG ook enige waarde heeft. De conclusie van het verhaal is dat ze een carrière bij de politie nastreeft. Het zou heel interessant zijn als een oudere Silverstone later in het leven van de agente Giordano in een crisissituatie opnieuw zou ontmoeten. Het is maar een idee!<br />'True Crime' toont de regisseur in een goed licht. Pat Verducci is ook verantwoordelijk voor het schrijven. Ik ken geen andere films die PV heeft gemaakt. Ik kan me alleen maar afvragen wat er na zo'n veelbelovend begin is gebeurd. Zoals de meeste producties heeft ook deze een grotendeels onbekende bijrol, hoewel Bill Nunn (rechercheur Jerry Guinn) dat nauwelijks kan zijn. De afgelopen tien jaar lijkt hij een indrukwekkend aantal televisieoptredens te hebben gehad. Ik herinner me dat ik hem onlangs heb gezien in _Carriers_ (1998), een tv-serie met een militair thema. Bill Nunn speelde Captain Arends. Fans van de klassieke Amerikaanse comedyserie _Who's the Boss_ hebben misschien ook belangstelling voor _Carriers_ omdat de hoofdrol wordt gespeeld door Judith Light, die door velen met genegenheid wordt herinnerd vanwege haar langdurige betrokkenheid bij de serie.<br />_True Crime_ had gemakkelijk niet kunnen werken, maar het doet het wel. Ik vind het een onderhoudend verhaal dat het bekijken waard is. | I searched out this one after seeing the hilarious and linguistically challenging "Clueless" (1995), perhaps Alicia Silverstone's best known effort from early in her film career. "True Crime" has Kevin Dillon, which should be helpful in improving most film projects. In fact everyone in the cast does a good job . The only disappointment I think the movie has for me is an awkward "feel" to some of the scenes, coming from the need to run a quite uncompromising, grown up theme as part of what in tone starts out as a schoolgirl adventure.<br /><br />Alicia Silverstone is pretty good in this one. She carries off well the naive enthusiasm and growing unease that affects Mary Giordano as she manoeuvres towards the truth behind the serial murders. I reckon her characterization of MG has some mileage in it too. The inference of the story line is that she goes on to a career in law enforcement. It could be really interesting for an older Silverstone to revisit Giordano at a time of crisis later in the officer's life. Just a thought!<br /><br />"True Crime" shows its director in a good light. Pat Verducci also has the writing credit. I don't know of any other film work PV has done. I can only wonder what happened after such a promising start.<br /><br />Like most productions, this one has a largely unknown supporting cast, although Bill Nunn (Detective Jerry Guinn) is hardly that. Over the past decade he seems to have been able to secure an impressive number of screen appearances. I recall seeing him recently in "Carriers" (1998), a made for TV presentation with a military theme. Bill Nunn played "Captain Arends". Fans of the classic US TV comedy show "Who's the Boss" may also have an interest in "Carriers" because the leading player is Judith Light, remembered with affection by many because of her lengthy involvement with the show.<br /><br />"True Crime" could easily not have worked, but it does OK. I think it is an entertaining story worth seeing. | 1pos
|
Dit is de beste tv-film aller tijden! Zeg ik dit omdat ik een grote fan van Silverstone ben? Gedeeltelijk, maar zelfs zonder haar zou ik het zien. Ik ben een fan van seriemoordenaarsfilms en ik geloof dat dit er een uit die categorie is. Bovendien staat Mary Giordano met gemak in de top vijf van Alicia's karaktercreaties. Volstrekt gedenkwaardig <0xE2><0x80><0x93> alsof ze echt bestaat. Ik zou haar ook aan mijn kant hebben als er een mysterie moest worden opgelost. Ze speelt het personage zoals ze dat in haar echte leven doet, met volledig vertrouwen in alles wat ze doet. Ze lijkt lief, eerlijk, aardig... net als in het echte leven. Is dat acteren? Ja, ze is inderdaad weer een beetje een rebel. Deze keer is ze...' Ze is niet slecht, ze is te goed en een beetje bang om dingen te doen die boven de wet lijken te liggen. Maar ze doet geen dingen die een normale tiener zou doen. In plaats daarvan brengt ze haar tijd door met het lezen van detectivebladen en het oplossen van misdaden. Een cliché is er niet bij: ze wreekt de dood van haar vader, maar op een andere manier dan in de vorm van een burgerwacht. Indertijd leek Alicia dezelfde rollen te spelen: opstandig, verleidelijk, zonder ouders, een eenling. Dat gebeurt hier ook, maar deze keer is ze een beetje een nerd. Dat geeft niet; ze is nog steeds zo cool als een nerd. | This is the best made-for-TV movie of all-time! Am I saying this because I'm a huge Silverstone fan? Partially, but even without her, I'd still see it. I'm a fan of serial killer genre films, and believe this to be a great entry in that category. Also, Mary Giordano easily ranks among Alicia's top five character creations. Totally memorable - like she really exists. I'd have her on my side, too, if there was a mystery to be solved. She plays the character, like she does with her real life, with complete confidence in everything she does. Seems sweet, honest, nice...just like she is in real life. So is that acting? Yes, indeed, she's sort of a rebel once again. This time she's not bad, she's too good and a bit afraid to do things that seem above the law. But she doesn't do things the normal teenager would do. Instead, she spends her time reading detective mags and solves crimes. A cliche abounds: she's sort of avenging her father's death, in a different way than vigilante-style. At the time, Alicia seemed to be playing the same characters: rebellious, seductive, without a parent, a loner. This happens here, too, but she's a bit nerdy this time around. That doesn't matter; she's still cool as a nerd. Check this out soon, or else Giordano will be investigating why you haven't... | 1pos
|
Ik heb die film gezien en ook al wist ik vanaf het begin min of meer wie de moordenaar was, ik vond het toch leuk om ernaar te kijken. Ik zou hem aan andere mensen aanbevelen. Hij komt heel vaak in de Lifetime-bioscoop. En omdat het bijna Halloween is, denk ik dat ze hem misschien wel vaker draaien. Dus kijk er alsjeblieft naar als je ernaar wilt kijken. Ik geloof dat Alicia Silverstone haar rol heel goed speelde. Ik vind haar echt leuk als actrice en als persoon. Ze lijkt zo aardig en nuchter. Kevin Dillon <0xE2><0x80><0x93> zijn optreden was zo goed voor me. Ik probeer hem niet op zijn nummer te zetten of zo, maar ik denk dat zijn broer Matt beter in staat zou zijn geweest om deze slechte, kwaadaardige seriemoordenaar te spelen. Kevin lijkt me gewoon te lief. Maar ik denk dat hij het goed heeft gedaan. | I have seen this movie and even though I kind of knew who the killer was from the beginning I still liked watching it. I would recommend it to other people. It comes on Lifetime movie network quite a lot. And I am thinking since it's close to Halloween they might play it more. So please be on the look out for it if you are interested in watching it. I believe that Alicia Silverstone played her part very well. I really like her as an actress and person. She seems so nice and down to earth. Kevin Dillon he's performance was so so for me. I am not trying to knock him or anything but I believe that his brother Matt would have been able to pull this bad evil serial killer persona better. Kevin just seems too sweet for me. But I think he did okay. | 1pos
|
Ik heb gisteravond de hele film gezien en ik vond hem heel opwindend. Hij was tenminste niet zoals de tienerfilms die zo nu en dan opduiken. De zoektocht naar de moordenaar en de relatie tussen de held en de zogenaamde slechterik waren delen van de film die ik leuk vond. Ik herinner me ook dat ik een keer op het puntje van mijn stoel zat tijdens een bepaalde scène in de film. Ik bedoel, het is opwindend. Misschien kijk ik later de film nog eens... | i got to see the whole movie last night and i found it very exciting.it was at least,not like the teen-slasher movies that pop out every now and then.the search for the killer and the 'partner' relationship between the hero&the so-called bad guy was parts i liked about the movie.also,i remember once being on the edge of my seat during a specific scene in the movie.i mean it's exciting.maybe some time later,i might watch the movie again... | 1pos
|
Ik heb _Waargebeurde misdaden_ gezien toen het halverwege de jaren negentig voor het eerst werd uitgebracht en sindsdien heb ik er vele malen naar gekeken. Het is een groot mysterie over Mary (gespeeld door Alicia Silverstone), een middelbare scholiere uit Californië die het jongere zusje van haar klasgenootje heeft laten martelen en vermoorden door een onbekende moordenaar. Mary ontmoet Tony (gespeeld door Kevin Dillon), een cadet van de politie die ziet hoe intelligent ze is en ze besluiten samen te werken om de moordenaar te vinden.<br />Er zijn veel verdachten in deze zaak. _Waargebeurde misdaden_ voelt voor mij heel 'waar' of echt aan. Ik las een recensie in een nieuwsgroep waarin iemand schreef dat hier sprake is van totale opheffing van ongeloof en dat is echt waar. Alicia Silverstone is perfect in deze rol en Kevin Dillon en Bill Nunn doen het geweldig, net als de andere acteurs. De locaties zijn goed gekozen en de schrijver/regisseur, Pat Verducci, weet de realiteit van het tienerleven en Mary's eenzaamheid goed over te brengen (zie de scène waarin Mary ontwaakt uit de droomsequentie nadat ze de foto's van Tony heeft gezien). Ik wou dat Verducci meer films maakte.<br />Ik heb nog nooit een film gezien die zo goed is als _Truth Crime_. | I saw True Crime when it was first released back in the mid-nineties and I have watched it many times since. It is a great mystery about Mary (played by Alicia Silverstone), a high school senior in a California town who's classmate's younger sister was tortured and killed by an unknown murderer. Mary meets Tony (played by Kevin Dillon), a police cadet who sees how bright she is and they decide to work together to try to find the killer.<br /><br />Many suspects in this one. True Crime feels very "true" or real to me. I read a newsgroup review where someone wrote that total suspension of disbelief is present here and it is so true. Alicia Silverstone is perfect in this role and Kevin Dillon and Bill Nunn do a great job, as do the other actors. The locations are right on and the writer/director, Pat Verducci, really captures some of the realities of teenage life and of Mary's loneliness (see the scene where Mary awakens from the dream sequence after having viewed the photos she took of Tony). I wish Verducci would make more movies.<br /><br />I have not seen any other movie quite like True Crime. 10/10 | 1pos
|
Ik dacht dat die film prachtig in elkaar was gezet het bracht me in de war en mijn neef die er samen met mij naar keek dacht dat de jongere Kevin Dillon een lekker ding was hahahaha... maar ik dacht ook dat het stom van het meisje was om met die smeris mee te gaan en dat het verkeerd was wat hij voor zijn dood tegen haar zei 'ik zat in je'. Ik denk dat ze dat krijgt voor wat ze met hem heeft gedaan en hoe kan hij haar vertellen dat ze te jong is terwijl het hem nooit iets kon schelen hoe oud de andere meisjes waren? Nou denk ik niet dat ik zelf ooit zo'n smeris zou kunnen vertrouwen. maar om je de waarheid te zeggen was het vrij duidelijk dat hij het was, ook al wilde hij bij de politie gaan, ik zou hem hoe dan ook blijven wantrouwen. en dat was grappig toen ze hem in de winkel in zijn oog sproeide. hahahahaha. ze was nog steeds stom dat ze weer in haar eentje de loods inging en de agent die stierf was ook stom. soms worden ik gek van die films als mensen stom doen en stomme dingen doen, maar dat is wat ik dacht over de film. | i thought this movie was wonderfully plotted it made me confused and my cousin who watched it with me.to tell the truth i think that the younger kevin dillon was hot.hahahaha...but i also thought the girl was stupid to go along with the cop and that was wrong what he said to her before his death"i was inside you".i think that's what she gets for doing what she did with him and how is he going to tell her that she's too young when he never cared how old the other girls were.?now i don't think i myself could ever trust a cop like that.but to tell the truth it was pretty obvious it was him even if he was wanting to become a cop i would still be suspicious of him either way.and that was funny when she sprayed him in the eye in the store.hahahahaha.she was still stupid for going into the warehouse again by herself and so was the cop who died HELLO!! it's called back-up.sometimes these movies make me mad when people act stupid and do stupid things.but that's what i think an thought about the movie. | 1pos
|
Dit is een mooi stuk werk. Heel sexy en meeslepend genoeg om mijn belangstelling vast te houden. Het grootste nadeel is dat het lijkt alsof het voor tv is gemaakt: een heel scherm, en hoewel er een paar seksscènes waren, was er absoluut geen naaktheid (maar tjonge, het kwam er dicht bij in de buurt!). Vreemd ook, want op Netflix staat dat het een R-classificatie had.<br />Toch is het heel prikkelend, en ik wou dat Alicia Silverstone meer van dit soort films maakte.<br />Een recensent van Netflix zei dat het deel uitmaakte van een serie, maar ik ben er niet achter gekomen wat voor serie dat is. Maar dat zou ik graag willen weten, want deze film was ZO GOED.<br />Walt D in LV. 23/8/2005. | This is a nice piece of work. Very sexy and engaging enough plot to keep my interest throughout. Its main disadvantage is that it seems like it was made-for-TV: Full screen, and though there were several sex scenes, there was absolutely no nudity (but boy did it come close!). Strange, too, since Netflix shows that it was rated R.<br /><br />Nonetheless, very titillating, and I wish Alicia Silverstone made more movies like this.<br /><br />One Netflix reviewer stated that it was part of a series, but I have been unable to find out what series that is. I'd like to find out, though, because this movie was THAT good.<br /><br />Walt D in LV. 8/23/2005 | 1pos
|
Heel goed drama over een jong meisje dat een reeks afschuwelijke misdaden probeert te ontrafelen. Ze roept de hulp in van een politiecadet, en ze beginnen een reeks aanwijzingen na te trekken die leiden naar een rondreizende kermisartiest met een lange staat van dienst. Een einde dat je gegarandeerd op het puntje van je stoel houdt. | Very good drama about a young girl who attempts to unravel a series of horrible crimes. She enlists the aid of a police cadet, and they begin running down a series of clues which lead to a traveling carny worker with a long police record. An ending which is guaranteed to keep you on the edge of your seat. | 1pos
|
Ashura, dat zich afspeelt in Japan, is het verhaal van de demonen die de wereld overnemen. De premisse is veel ingewikkelder, maar de intrigerende verhaallijn mag niet worden vergeten. Japan is in rep en roer, en demonen in menselijke gedaante zwerven door het land. In het algemeen zien demonen er als mensen uit en gedragen ze zich ook zo, maar ze zijn slecht. Het Japanse woord dat ze gebruiken is niet alleen dat van demonen, maar eerder de klassieke vorm van 'oger', een mythologisch wezen van een of ander historisch formaat. We hebben het over wezens die meer op goden lijken dan simpele, lelijke, kinderen verslindende monsters.<br />Maar in menselijke gedaante blijven alleen de groene ogen en de groene tanden over, die verschijnen als er enige druk op wordt uitgeoefend. Om de wereld te redden van de Demonen zijn er Demonendoders. Getrainde en vaardige krijgers die bijna alle soorten demonen kunnen zien en verslaan, en die de doorgang tussen het rijk van de hel en dat van de echte wereld bewaken. Dat zijn de basisvoorzieningen.<br />Het verhaal begint met een feest in een plaatselijk dorp. Te midden van deze festiviteiten komen 3 mannen aanrijden, helemaal in het zwart gekleed en kennelijk van plan om kwaad te doen. De dorpelingen rennen weg, behalve degenen die demonisch van aard zijn, die met groene ogen proberen hen te doden. De Demonendoders doden uiteindelijk de meerderheid van de demonen. Van hieraf wordt het verhaal interessant. De hele essentie van het verhaal begint wanneer bij de poort naar de hel een waarzeggende demon voor de 3 poortwachters verschijnt en de komst van Ashura aankondigt. Daarmee komt het einde van de heerschappij van de mens en het begin van de heerschappij van de demonen. Ashura vereist echter een of andere vorm van geboorte, waarvan de eerste stap plaatsvond tijdens de eerste veldslag, maar die je pas te zien krijgt als je de film ziet. De 3 demonendoders zijn een wijze oude man, een machtige maar gewetenloze man en een vaardige en meelevende krijger. Onmiddellijk kun je zien wat er tussen hen in staat: de oude man die de demonen wil tegenhouden, de machtige die ze wil buigen naar zijn steeds groter wordende egomaniakale wensen, en de derde die de tweede wil tegenhouden. Onderweg ontmoet hij een vrouw die hij aantrekkelijk begint te vinden en met wie hij een speciale relatie meent te hebben. Zij is op haar beurt een schurk die goedgehumeurd is en door de autoriteiten wordt gezocht. Als de twee elkaar eindelijk in de ogen kijken, legt hij zijn hand op haar schouder, en plotseling wordt ze doorboord door een teken op haar schouder. Onnodig te zeggen dat het teken geen goed teken is. Wat nu volgt is een strijd om de aarde, een strijd tussen goed en kwaad, zoals het zou moeten zijn, maar ook tussen goed en goed zelf.<br />De bedoeling van deze film werd voor mij iets anders dan ik had gedacht. Ik kwam binnen met de gedachte dat het ofwel een snelle actiefilm zou zijn met demonen, ofwel een horrorfilm met macaber kwaad en smerige wezens zoals je die in Ringu en Ju-on zou zien. Ik had me echter op de best mogelijke manier vergist. Het verhaal is naar mijn idee een bewerking van een heel oud Japans toneelstuk, en zo gedraagt het zich ook. De in wezen actie-achtige scènes zijn gecombineerd met een groots concept, een verbazingwekkend verhaal en een stijl die je dwingt te denken in plaats van alleen maar te zwelgen in bloed. Veel scènes zijn geschilderd met een weelderige dialoog tussen twee personages die je in een Hollywoodfilm nooit zult zien. Het wordt een bijna theatrale ervaring die je de adem beneemt.<br />De film maakt gebruik van een onberispelijk decor en camerawerk dat te vergelijken is met veel grote samoeraifilms uit die tijd, maar voegt er een goed doordachte en klassieke plot aan toe. Met geweldig acteerwerk, geweldige muziek en oogverblindende scènes is het een must-see in mijn ogen.<br />Dat gezegd hebbende, moet ik er wel bij zeggen dat het niet voor iedereen is weggelegd. Het is geen goedkope griezelfilm, het is geen ballen voor de actie aan de muur. Het is een horrorstuk dat is gefilmd. Het heeft heel veel te zeggen en neemt de tijd om dat te doen, waarbij het de conventionele oneliners omzeilt. Net als in Japanse toneelstukken kunnen de gesprekken tussen de personages minutenlang duren voordat ze samenkomen voor een snelle, maar schitterende strijdscène. Als je daarvan kunt genieten, is dit een meesterwerk. Als jouw idee van een goede film bestaat uit slasherfilms met weinig plot en overdreven naaktheid, dan kun je net zo goed iets anders kijken.<br />Over het geheel genomen is deze film voor mij een unieke en verbazingwekkende, die je geboeid houdt en amuseert. Hij is goed geschreven, goed geacteerd en goed geregisseerd. Het is alles bij elkaar een degelijke, geweldige film. | Set in Japan, Ashura is the story of Demons taking over the earth. The premise is far more complicated, but the arching storyline should not be forgotten. Japan is in turmoil, with Demons occupying human form roaming the lands. Generally speaking Demons look and act like humans, but are evil. The Japanese word they use is not just demons, but rather the classical form of 'ogre' which is a mythological creature of some historic stature. We're talking about creatures that would appear more like gods than simple ugly child-eating monsters.<br /><br />However in human form all that remains is the green eyes and green teeth, which appear when put under any sort of stress. In order to save the world from Demons there are Demon-slayers. Trained and skilled warriors who can spot and defeat most every kind of demon, and who guard the passage-way between the realm of hell and that of the real world. These are the basic premises.<br /><br />The story begins with a festival in a local town. Amid these festivities, 3 men ride in, dressed in all black, seemingly intent on doing harm. The villagers run, excepting those which are demonic in nature, who turn green-eyed and try to kill them. The Demon-Slayers end up killing off the majority of the demons. From here the story gets interesting. The whole essence of the story begins when at the gate to hell a fortune-telling demon appears before the 3 gate-keepers, revealing the arrival of Ashura. With it, comes the end of the reign of man, and begins the reign of demons. Ashura however requires some form of birthing process, the first step of which occurred during the opening battle, but which won't be revealed to you until you see the film. The 3 demon-slayers are a wise old man, a powerful yet unprincipled man, and a skilled and compassionate warrior. Immediately you can see the split between them, the old man wanting to stop the demons, the powerful one wanting to bend them to his increasing ego maniacal wishes and the third looking to stop the second. Along the way he meets a woman who he begins to take fancy to, and believes himself to have a special relationship with. She in turn is a brigand who is good-natured, sought after by authorities. When the two finally meet face to face, he places his hand on her shoulder, and suddenly she is scathed by a mark on her shoulder. Needless to say, the mark is not a good sign. What ensues is a battle for earth, a battle between both good and evil, as it should be, but also between good and good itself.<br /><br />The point for me of this film became something other than what I thought it would. I came in thinking it would either be a fast-paced action style film with demons, or a horror film with macabre evil and foul creatures the likes of which would be seen in Ringu and Ju-on. I was however mistaken in the best possible way. The story it seemed to me is an adaptation of a very old Japanese play, and it plays itself out as such, combining the essentially action driven adrenaline scenes with a great concept, an amazing narrative, and a style which makes you compelled to think rather than just sit wallowing in gore. Many scenes are painted with luxurious dialogue between two characters the likes of which will never be seen in a Hollywood film. It becomes a practically theatrical experience which takes your breath away.<br /><br />The film makes use of some immaculate scenery and camera-work comparable to many great Samurai films of our days, but adding to it a well-thought and classical plot. With great acting, great music, and thoroughly stunning scenes, its a must watch in my book.<br /><br />That being said, it does need the disclaimer that it is not for everyone. Its not cheap thrills horror, its not balls to the wall action. Its a horror style play thats been filmed. It has very much to say and takes the time to do so, flying in the face of the conventional one-liners. Like Japanese plays, the exchanges between the characters can last for many minutes before they come together for a quick yet marvelous battle scene. If you can enjoy such a thing, this is a masterpiece. If your idea of a good film is slasher flicks with little plot and excessive nudity, then you can easily watch something else.<br /><br />Overall, this film to me is a unique and amazing one, which keeps you riveted and amused. it has good writing, good acting, and good direction. It is all in all a solidly great film. | 1pos
|
Japan verkeert in ernstige moeilijkheden. Demonen hebben Edo onveilig gemaakt, bezit genomen van aardse vormen en die onderworpen aan hun goddeloze wil. Daar komt nog bij dat de wedergeboorte van Ashura, de koningin van de demonen, nabij is. De enigen die zich tegen deze ernstige bedreiging kunnen verweren zijn de Demonen-Opzichters, een geduchte groep krijgers die misschien wel net zo erg zijn als de demonen zelf.<br />Izumo is een gepensioneerde Demonen-Opzichter die vijf jaar geleden het theater in is gegaan in plaats van de Demonenslag, nadat hij per ongeluk een onschuldig kind had gedood (in een strijd die vreemd genoeg van schemering tot dageraad aan een barscène doet denken). Op een avond ontmoet hij bij toeval een mooie, mysterieuze vrouw die Tsubaki heet. Hun lotsbestemmingen verstrengelen zich (letterlijk) en ze zijn door het lot verbonden om geliefden en vijanden te zijn.<br />Als je denkt dat dit klinkt als een typisch Japans epos, heb je het mis. In feite is er niets typerends aan Ashura. Het is een ratjetoe van verschillende genres van film. Die heb ik net genoemd, evenals een komedie, drama en romantiek. Regisseur Yojiro Takita (Onmyoji) jongleert met de genres van de film (hoewel de komedie in sommige scènes geforceerd lijkt) en het eindresultaat is een belachelijke, maar heel leuke popcornfilm.<br />Er zijn natuurlijk wel fouten in de film. Een deel van de humor lijkt gekunsteld en misplaatst. En het acteerwerk is niet geweldig. Maar even serieus, kijk je naar Fantasy/Swordplay/Comedy-films voor de grote acteerprestaties? Nee, we kijken naar de actie en de krankzinnige CG-beelden, die allemaal in Spades zitten. Ik wil niet misleiden, de film is niet alleen maar actie, maar hij is ruim bemeten met veel zwaardgevechten en emmers groen bloed om de gemiddelde kijker tevreden te houden.<br />Het komt erop neer dat de films gebreken hebben en geen epos van vechtsporten zijn, maar dat proberen ze ook niet en ze bevatten interessante beelden en goede zwaardgevechten. De reden waarom de film voor mij werkte, is dat hij zichzelf nooit al te serieus neemt en als de kijker hetzelfde doet, zal hij zeker verrukt zijn van deze leuke, malle fantasyfilm vol zwaardgevechten.<br />Mijn cijfer 7 van de 10. Leuke popcornfilm. | Japan is in serious trouble. Demons have infested Edo, taking possession of earthly forms and bending them to their unholy will. On top of that, the rebirth of Ashura, Queen of the demons, is nigh. The only thing that stands against this grave threat are the Demon Wardens, a fearsome group of warriors, who might just be as bad as the demons themselves.<br /><br />Izumo is a retired Demon Warden, who five years ago, took up theater instead of Demon Slaying after accidentally killing a innocent child (In a battle that's strangely reminiscent of the bar scene from Dusk till Dawn). One night by a chance encounter he meets a beautiful and mysterious woman named Tsubaki. Their fortunes intertwine (literally) and they are bound by fate to be lovers and enemies.<br /><br />If you think this sounds like your typical Japanese Fantasy/Swordplay epic, you'd be wrong. In fact, there's nothing typical about Ashura. It is a hodge-podge of many different genre's of film. Those just mentioned, as well as a comedy, drama, and romance. Director Yojiro Takita (Onmyoji) juggles the genre's fairly respectfully (Although, the comedy seems forced in some scenes) and the end result is a ridiculous, but really fun popcorn movie.<br /><br />To be sure, there are flaws in the film. Some of the humor seems contrived, and out of place. And the acting isn't the greatest. But seriously, do you watch Fantasy/Swordplay/Comedy films for the great acting performances?? No, we watch them for the action and the crazy CG visuals, all of which Ashura has in Spades. Not to be misleading, the film is not all action, but it is spaced out generously enough with lots of swordplay and buckets of green blood to keep the average viewer happy.<br /><br />Bottom line; the films has it's faults and is not a martial arts epic, but it doesn't try to be and it features interesting visuals and good swordplay action. The reason the film worked for me is that it never takes itself too seriously and if the viewer does the same, their sure to be delighted by this fun and silly swordplay fantasy action flick.<br /><br />My Rating 7 out of 10. Fun popcorn movie. | 1pos
|
Ik ben naar Ashura geweest als kick-off van het Fantasia Festival in 2005. Man, dat was een coole kick-off. De regisseur had eigenlijk in Montreal moeten zijn voor de première in Canada, maar vanwege zijn gezondheid zit hij nog steeds in Japan... o god, ik hoop dat hij beter wordt en nog veel meer films maakt.<br />De plot is vrij eenvoudig, maar wel origineel... de demonen zwerven rond in Edo in Japan en Zwaardvechters genaamd 'demonenwachters' doden ze en vrezen de wedergeboorte van Ashura, de demonengodin die slaapt en die naar verluidt erg kickt.<br />Het brengt ons naar Izumo... een of andere elitezwaardvechter die 'demonendoder' heet en zijn maatje Jaku die de typische gewelddadige, jaloerse klootzak is...<br />Lijkt saai? Nou, het wordt steeds spannender... Izumo stopte met het doden van demonen omdat hij een jong meisje had gedood omdat hij 'de indruk had gekregen' dat hij de demon was, hij heeft het nooit geweten, maar hij heeft haar wel gedood. Dus ging Izumo door met zijn leven en herschiep zichzelf in het Kabuki-theater. Op een mooie avond ziet Izumo tijdens een boottochtje een meisje dat zich verstopt op een brug en dat verandert zijn leven en hij begint weer demonen te doden... voor de goede zaak, de zaak van de liefde... en verdomme... die vent weet hoe hij met een zwaard moet omgaan en hoe hij een vermakelijk bloedbad moet aanrichten.<br />Izumo draagt de film tot het einde toe mee... hij is het hele pakket... hij weet hoe hij moet vechten (verdomd ja, hij weet het), hij is geestig, hij is intelligent en hij heeft dat lef. Je hoeft nooit te roepen: 'NEE, IZUMO, HET IS EEN STAP!' De man weet al dat hij dat gezonde verstand heeft. Hij is echt de perfecte held.<br />Wat de cinematografie betreft, de esthetiek is behoorlijk interessant. Het is verreweg de film die het meest op een manga lijkt. Hij zit tjokvol special effects en niets, en zal ten koste van alles voorkomen dat deze film er realistisch uitziet... het is behoorlijk verbazingwekkend. Veel kleuren een 'onrealistische' fotografie, afgezien daarvan... het is tamelijk rechttoe rechtaan... maar zoals ik al zei, het hoofdpersonage draagt de film A must see, een verhaal dat door meesterlijke handen wordt verteld. | I went to see Ashura as 2005 Fantasia Festival Kickoff. Man, that was one cool kick off. The director was supposed to be in Montreal for the Canadian premiere, but due to health reasons, he's still in Japan...oh lord I hope he gets better and makes plenty of other movies.<br /><br />The plot is pretty simple, but somewhat original...the demons are roaming in Edo in Japan and Swordsmans called "Demon Wardens" are slaying them and fearing the rebirth of Ashura, the demon goddess who's sleeping and supposedly is very kick-ass.<br /><br />It brings us to Izumo...some kind of elite swordsman called "Demon Slayer" and his buddy Jaku who's the typical violent jealous asshole...<br /><br />Seems boring? Well now it thickens....<br /><br />Izumo took his retirement from killing demons since he slayed a young kid on the "impression" that he was the demon, he never knew, but he did killed her. So Izumo went on with his life and recycled himself in Kabuki theater. In a boat joyride on a nice night, Izumo spots a girl hiding on a bridge and it changes his life and restart to slay demons...for the good cause, the cause of love...and damn...the guy knows how to handle a sword and to pull an entertaining massacre.<br /><br />Izumo carries the movie as far as playing goes...he is the total package...he knows how to fight(hell yeah he knows), he's witty, he's intelligent and he has that grit. You never have to yell :"NO IZUMO, IT'S A TRAP" The guy already knows it he has that common sense. He's really the perfect hero.<br /><br />As far as cinematography goes, the esthetics are pretty interesting. It's by far, the movie that looks the most like a manga. It's creamed full of special effects and nothing, at all cost will prevent this movie to look realistic...it's pretty amazing. Lots of colours an "unreal" photography, other than that...it's pretty straightforward...but like I said, the main character is carrying the movie A must see, a tale lead by masterful hands | 1pos
|
Dit jaar (2007) komt de film voor het eerst in Indonesië in de bioscoop, twee jaar na de officiële première, en na vele illegale dvd's die de weg naar het publiek hebben gevonden. Blijkbaar leidt de populariteit van de illegale dvd tot de première in de bioscopen, waar het publiek nog steeds komt kijken.<br />De film is een groots epos, dat de Japanse cultuur op een ontnuchterende manier in je huis brengt. Op een soms humoristische manier gaat het verhaal over een theaterschrijver die een verhaal voor zijn theater schrijft, omdat hij de voorstellingen in het Kabuki-theater saai vindt. In het begin is het publiek misschien een beetje in de war over het verhaal dat we volgen, maar als het verhaal zich ontvouwt, zien we dat de liefde tussen een mannelijke mens en een vrouwelijke demon leidt tot een geweldig verhaal voor een nieuw Kabuki-theaterstuk.<br />Het publiek blijft in het duister als dit een verhaal is dat echt zou zijn gebeurd in Japanse tradities en mythologie, maar dat doet er niet toe.<br /><br />De manier waarop het verhaal wordt verteld met een liefde voor theater, expressie, levendige kleuren, humor en tragedie, maakt het zowel een geweldige rit in de achtbaan van Japanse cinema als van theater. Als je naar deze film kijkt, laat je dan helemaal gaan en probeer hem in de bioscoop te zien in plaats van thuis op je televisie.<br />Maar er is één kritiek punt: de soundtrack is soms een beetje irritant. Hoewel het grootste deel van de film geweldige muziek is, zijn er een paar momenten in de film die volgens mij wat dramatischer hadden moeten zijn. Maar misschien heeft de regisseur ook gekozen voor lichtere muziek bij de humor in het verhaal. | The movie only enter the cinema in Indonesia this year (2007), two years after it's official release, and after many illegal DVD's had found its way to the public. Apparently the popularity of the illegal DVD's lead to the release into the theaters, with still public coming to watch.<br /><br />The movie is a great epic, bringing Japanese culture into your house in an exiting way. In a sometimes humorist way, the story is told about a theater writer who writes a story for his theater, since the regular Kabuki theater plays is something he finds boring.<br /><br />At first, the audience might be a little bit confused about which story we are following, but when the story unfolds, we see that the love between a male human and a female demon leads to a great story for a new Kabuki theater piece.<br /><br />The audience is left in the dark if this is a story that is supposed to really have happened in Japanese traditions and mythology, but that doesn't matter.<br /><br />The way the story is told with a love for theater, expression, vivid colors, humor and tragedy, makes this a great ride on the roller-coaster of Japanese cinema as well as theater.<br /><br />Let yourself go completely when you watch this movie, try to see it in a cinema instead of on your television at home.<br /><br />One critical point though: the soundtrack is sometimes a little bit annoying. Though most of it is great music, there are a few moments in the movie that I think they should have chosen some more dramatic music. But maybe the fact that the story contains moments of humor made the director choose for lighter moments in music as well. | 1pos
|
Ik vond deze film vanaf de openingsscène tot aan het eind geweldig. Ik vond de manier waarop de regisseur en de acteur mij/het publiek direct aanspraken erg boeiend.<br />Wat ik het opwindendste en verfrissendste aan deze film vond, was dat hij de stereotypen van het mannelijk en het vrouwelijk geslacht <0xE2><0x80><0x93> en dus een uitdaging <0xE2><0x80><0x93> negeerde. De eigenaardigheden van de personages worden beschreven als sterke punten, en het ontbreken van een oordeel <0xE2><0x80><0x93> en het feit dat de personages zichzelf en elkaar accepteren <0xE2><0x80><0x93> stelde me in staat hen te omarmen en mezelf in hun wereld te laten trekken. Zonder prediken, en met intelligentie en vriendelijke en liefdevolle humor, heeft deze film het vermogen ons te openen voor nieuwe mogelijkheden en biedt hij hoop voor een wereld waarin mensen elkaar zien en accepteren als unieke en waardevolle individuen. Ik kijk uit naar meer offerandes van deze creatieve en getalenteerde regisseur. | I loved this movie from the opening sequence right through to the end. I found the director/ actor's style of directly addressing me/the audience very engaging.<br /><br />What I found most exciting and refreshing about this movie was its ignoring -- and thus challenging -- of gender and class stereotypes. The idiosyncrasies of the characters are portrayed as strengths, and the absence of judgment -- and the characters' acceptance of themselves and each other -- enabled me to embrace them and allow myself to be drawn into their world. Without preaching, and with intelligence and gentle and loving humor, this movie has the power to open us to new possibilities, and offers hope for a world in which people see and accept each other as unique and precious individuals. I look forward to more offerings from this creative and talented director. | 1pos
|
Deze lowbudget digitale videofilm heeft sterke punten op de juiste plaatsen: schrijven en acteren. Bovendien is de digitale fotografie tot dusver de beste tot nu toe. Bij weinig licht heeft de karakteristieke omberkleurige videotoon de overhand, maar verrassend genoeg kan hij wedijveren met films voor helderheid, helderheid en verzadiging in felverlichte situaties. Dit is een film uit de grond van zijn hart, die op zijn best is met een gevatte dialoog en een 'Midnight Cowboy'-achtig verhaal over zwendelaars die alles doen om te overleven in de stad San Francisco. | This low budget digital video film has strengths in the right places--writing and acting. In addition the digital photography is the best of the lot so far. In low light conditions the characteristic video umber tone prevails but, surprising, it rivals film stock for brightness, clarity, and, saturation in brightly lit situations. This is grass roots film making at its best with snappy dialogue carrying a "Midnight Cowboy" kind of story about grifters doing whatever it takes to survive in urban San Francisco. | 1pos
|
Een geweldige en zeer onafhankelijke film die de meeste van mijn emoties raakte en me meevoerde naar een andere wereld. Daarom gaan we toch naar de film? Ik was vooral onder de indruk van de montage en de muziek, een combinatie die me erg ontroerde. | A great and truly independent film that hit most of my emotions and carried me into another world. Isn't this why we go to the movies? I was especially impressed with the editing and the music, the combination of which was very transportive. | 1pos
|
Wat is er zo taboe aan de liefde?! Mensen schijnen grote problemen te hebben met transgenen.<br />De titel van de film trok mijn aandacht niet. Het was een korrelige opname, ongeveer 4 minuten na het begin van de film, waardoor ik ophield met zappen. Ik kon niet geloven hoe ongelooflijk deze film was. Hij raakt aan zoveel niveaus van menselijke emotie dat hij me op de een of andere manier raakte. Het is verreweg een van de beste onafhankelijke films die ik ooit heb gezien. Ik zag deze personages niet als een van beide seksen, alleen maar als mensen. Ik zou het iedereen aanbevelen die van films houdt. Vooral onafhankelijke films. Alle filmmakers zonder vrees! | What is so taboo about love?! People seem to have major problems with the transgenered.<br /><br />The title of this movie didn't catch my eye. It was a grainy shot about 4 minutes into the movie is what made me stop channel surfing. I could not believe how freaking amazing this film was. It touches on so many levels of human emotion that it did not once fail to move me in some way. It is by far one of the best independent films I have ever seen. I did not view these characters as either gender, just human. I would recommend it to anyone who loves movies. Especially independent films. Praise to all fearless filmmakers! | 1pos
|
In Hook or By Crook is een enorm vernieuwende film van Harry Dodge en Silas Howard, twee ontzettend slimme en getalenteerde filmmakers. Ze slagen erin een origineel verhaal te vertellen in een opvallende filmstijl, en het is prachtig gefotografeerd door Ann T. Rosetti, en prachtig geschreven - echt poëtisch.<br />De hoofdpersonen zijn echte helden en dienen als een zeldzaam soort rolmodel/inspiratie voor butch potten en tranny's overal ter wereld. Deze film heeft zo veel energie, zo veel schrijnende passie en zo'n sjofel San Francisco-hart. Ik kan het niet genoeg aanbevelen!<br />De beste butch buddyfilm aller tijden! | By Hook or By Crook is a tremendously innovative film from a pair of immensely smart and talented filmmakers, Harry Dodge and Silas Howard. They manage to tell an original story in a distinctive cinematic style, and it's beautifully shot by Ann T. Rosetti, and wonderfully written -- truly poetic. <br /><br />The lead characters are true heroes and serve as a rare kind of role model/inspiration for butch dykes and trannies everywhere. This film has so much energy, so much poignant passion and scruffy San Francisco heart to it. I can't recommend it highly enough! <br /><br />The best butch buddy movie of all time! | 1pos
|
De mensen zeggen dat het een grappige montage is, maar ze hebben het grotendeels moeten schrappen bij de postproductie. Ik geef op dit moment les aan harry als docent aan de universiteit, en eerlijk gezegd is het een van de beste lessen die ik ooit heb gehad, het is hier nogal grappig over wat er gebeurde toen de film werd gemaakt, omdat harry zo levendig is. Ik keek oorspronkelijk naar 'de vreugde van het leven' voor een andere les waarin harry een stem in de film had, en begon naar deze film te kijken nadat ik met de les was begonnen. Harry heeft aanvankelijk wat acteerwerk gedaan, en hij is echt oprecht in het creëren van momenten die je raken, vooral als je dingen opnieuw moet monteren tot je op dat moment komt, maar het is iets wat je in deze film ziet. | people claim its edited funny but they had to cut it down substantially in post production. i have harry as a professor right now at ucsd, and honestly its one of the best classes I've had, its rather funny to here about what happened in making the film cause harry is so animated. i originally watched "joy of life" for another class where harry did a voice over in the film, and started watching this film after i started the class. Harry originally did some performance work, and is really genuine about creating moments that move you, especially when you have to re edit things until you hit on that moment, but its something you see in this film. | 1pos
|
Ik was erg onder de indruk van deze kleine, onafhankelijk gemaakte film. Het verhaal, over een stel sociale buitenbeentjes die elkaar ontmoeten, vrienden worden en elkaar voorzien van een steunsysteem dat ze allebei als kind leken te missen, is soms hilarisch, soms triest, maar altijd provocerend. Muziek, voornamelijk van undergroundbands, werd met groot effect gebruikt, evenals de experimenten met camerastandpunten, filters en langzame of snelle bewegingstechnieken. De uitvoeringen (de hoofdrollen worden gespeeld door de schrijvers en regisseurs van de film) zijn een van de beste die ik de afgelopen paar jaar heb gezien. Als je ooit het gevoel hebt gehad dat een vierkante pin in een ronde gleuf werd geduwd, geloof ik echt dat je 'By Hook or By Crook' zult waarderen. | I was very impressed with this small, independently made picture. The story, about a pair of social outcasts who meet, become friends, and provide each other with a support system both seemed to lack as children, is at times hilarious, at times sad, but always provocative. Music, mostly by underground bands, was used to great effect, as was the experimentation with camera angles, filters, and slow or fast motion techniques. The performances (the leads are played by the writers and directors of the film) are some of the best I've seen in the last couple of years. If you ever felt like a square peg being forced into a round slot, I really believe you'll appreciate "By Hook or By Crook". | 1pos
|
Dit zijn fragmenten uit een negen pagina's tellende 'Memo aan de heer Cohn van de heer Welles', geschreven nadat Orson de bewerkte versie van de film door studiobaas Harry Cohn had gezien (hij had er een uur voor uitgetrokken).<br />'... De voorspelbare titelmuziek is geschreven door een eersteklas componist, George Antheil. Hoewel de muziek helemaal niet voor onze film bedoeld was, had deze tijdelijke titelmuziek een sfeer van duisternis en dreiging, gecombineerd met iets weelderigs en romantisch wat het acceptabel maakte... Het enige muzikale idee dat bij deze huidige componist (Heinz Roemheld) schijnt te zijn opgekomen, is dat hij een populair liedje <0xE2><0x80><0x93> het 'thema' <0xE2><0x80><0x93> in zo veel mogelijk arrangementen wil gebruiken. Al die tijd hebben we muzikale verwijzingen naar 'Please Don't Kiss Me'.' '... voor bijna elke brug en ook voor een groot deel van het achtergrondmateriaal. De melodie is aangenaam, kan het heel goed doen op de Hit Parade <0xE2><0x80><0x93> maar _Lady from Shanghai_ is geen muzikale komedie... Meneer Roemheld is een vurig aanhanger van een ouderwets soort _score_ die in onze branche tegenwoordig 'Disney' wordt genoemd. Met andere woorden, als iemand valt, maakt hij een 'vallend' geluid in het orkest, enzovoort, enzovoort... Als het lab initialen en telefoonnummers over het hele negatief had gekrast, zou ik niet blijer kunnen zijn met de resultaten... ' Vlak voordat ik naar het buitenland vertrok, vroeg ik Vi (Viola Lawrence, de redacteur) om een geknipte versie te maken waarin ik het bijna-ongeluk met de taxi en ook een flink stuk dialoog zou weglaten. Ik ben ervan overtuigd dat dit een uitstekende versie zou zijn geweest... om de hoognodige opnamen in de langzame openingssequentie te besparen (dit is niet gedaan, wat de zwakke punten van de openingsspoel van de film verklaart)... Er is niets in het feit dat Rita duikt dat een groot orkestreren crescendo rechtvaardigt... Wat wel belangrijk is, is Rita's schoonheid... de boosaardige boventonen die door het personage van Grigsby worden gesuggereerd, en Michaels verbijstering. Al deze elementen zouden de muziek hebben kunnen inspireren. In plaats daarvan wordt de duik behandeld alsof het een grote climax of een grappig moment in een mallotige symfonie is: een stomme val van Pluto de Pup, of een wilde sprong in de ruimte van Donald Duck... Er is geen geluidsatmosfeer op de boot. Een beetje wind en water wordt ernstig gemist. Het heeft geen zin om een scène op een echte boot te fotograferen als je het laat klinken alsof het allemaal voor een computerscherm gebeurt... Aan het begin van de picknickscène... in de tijdelijke opname hebben we een heel merkwaardige, sexy Latijns-Amerikaanse toonsoort gebruikt... Deze is vervangen door een afgezaagde 'dramatische' vervolgscène <0xE2><0x80><0x93> slecht spul. Dit soort muziek vernietigt het vreemde dat Lady uit Sjanghai had kunnen redden van de zoveelste whodunit... Er volgt een grote muzikale uitbarsting na Grigsby's regel: 'Ik wil dat je hem vermoordt.' Dit is absurd... De Hawaïaanse gitaarmuziek die uit de radio komt... was bedoeld als afgezaagd genoeg om een bepaald satirisch punt te maken. Zoals het er nu voorstaat, is het ongeveer op hetzelfde niveau als de rest van de score. Niemand in het publiek kan vermoeden dat we een grapje maken... De aquariumscène heeft meer echo nodig. 'Please Don't Kiss Me' is er weer!... Een slecht gegoochel en een slechte score hebben het karakter van Michaels loop over de pier vernietigd. Vanaf het pistoolschot tot aan het telefoontje was er een zorgvuldig stemmenpatroon opgebouwd met de verspilling van veel tijd en moeite. Om de een of andere reden is dit allemaal weggegooid ten gunste van een vaag kabaal. Als gevolg daarvan lijkt de hele scène saai... Het publiek zou op dit punt, samen met Michael, het gevoel moeten hebben dat ze misschien gek worden. Het nieuwe duplicaat kan ze alleen maar het gevoel geven dat ze misschien gaan slapen... Het vuurgevecht met de brekende spiegels mag niet worden gesteund door muziek... De slotmuziek verwijst opnieuw naar 'Please Don't Kiss Me'... Deze finale is zo overduidelijk, dat het bijna vulgair is, en doet de afsluiting van de film onnoemelijk veel pijn.' Al deze commentaren van Orson werden genegeerd. | These are excerpts from a nine-page "Memo to Mr. Cohn from Mr. Welles", written after Orson had seen studio mogul Harry Cohn's edited version of the picture (he took an hour out): <br /><br />"...The preview title music was written by a first rate composer, George Antheil. Although not written for our picture at all, this temporary title music had an atmosphere of darkness and menace combined with something lush and romantic which made it acceptable...The only musical idea which seems to have occurred to this present composer (Heinz Roemheld) is the rather weary one of using a popular song--the "theme"--in as many arrangements as possible. Throughout we have musical references to "Please Don't Kiss Me" for almost every bridge and also for a great deal of the background material. The tune is pleasing, it may do very well on the Hit Parade--but Lady from Shanghai is not a musical comedy...Mr. Roemheld is an ardent devotee of an old-fashioned type of scoring now referred to in our business as "Disney". In other words, if somebody falls down, he makes a "falling down" sound in the orchestra, etc., etc...If the lab had scratched initials and phone numbers all over the negative, I couldn't be unhappier about the results...Just before I left to go abroad, I asked Vi (Viola Lawrence, the editor) to make a cut which would involve dropping the near accident with the taxi-cab and also quite a bit of dialogue. I am convinced that this would have been an excellent cut...saving much needed footage in the slow opening sequence (this was not done, accounting for the main weaknesses of the film's opening reel)...There is nothing in the fact of Rita's diving to warrant a big orchestral crescendo...What does matter is Rita's beauty...the evil overtones suggested by Grigsby's character, and Michael's bewilderment. Any or all of these items might have inspired the music. Instead, the dive is treated as though it were a major climax or some antic moment in a Silly Symphony: a pratfall by Pluto the Pup, or a wild jump into space by Donald Duck...There is no sound atmosphere on the boat. A little wind and water is sorely missed. There's no point in photographing a scene on a real boat if you make it sound as though it all happened in front of a process screen...At the start of the picnic sequence...in the temporary score, we used a very curious, sexy Latin-American strain...This has been replaced with a corny "dramatic" sequel--bad stock stuff...This sort of music destroys that quality of strangeness which is exactly what might have saved Lady from Shanghai from being just another whodunit...There is a big musical outburst after Grigsby's line, "I want you to kill him." This is absurd...The Hawaiian guitar music which comes out of the radio...was supposed to be corny enough to make a certain satirical point. As it stands now, it's on about the same level as the rest of the scoring. Nobody in the audience could possibly suspect that we're kidding...The aquarium scene needs more echo. "Please Don't Kiss Me" is in again!...A bad dubbing job and poor scoring has destroyed the character of Michael's run down the pier. From the gunshot through to the phone call, a careful pattern of voices had been built up with the expenditure of much time and effort. For some reason, this has all been junked in favor of a vague hullabaloo. As a result, the whole sequence seems dull...The audience should feel at this point, along with Michael, that maybe they are going crazy. The new dubbing job can only make them feel that maybe they're going to sleep...The gun battle with the breaking mirrors must not be backed with music...The closing music again makes reference to "Please Don't Kiss Me"...This finale is obvious to the point of vulgarity, and does incalculable injury to the finish of the picture."<br /><br />All of these edits from Orson were ignored | 1pos
|
Per slot van rekening ga je niet naar een film van Orson Welles om een leuke, eenvoudige plot te zien en het beeld van een nog lang en gelukkig leven leidende ster op te poetsen.<br />Je gaat naar een film met theatraal opgevoerde personages die in conflict zijn met kleurige en ongebruikelijke decors, belicht en gefotografeerd met veel verbeeldingskracht, dapper gefotografeerd, en het hele gebeuren doorspekt met onverwachte, verrassende details die een wijzere en saaiere regisseur zou vermijden of waar hij om te beginnen al niet aan zou denken.<br />Zoals gewoonlijk schreef Welles niet alleen het scenario, maar regisseerde hij ook en speelde hij ook de held van een jonge Ierse zeeman die de wereld op zijn kop had gezet en het kwaad ervan had gezien, maar toch zijn heldere vertrouwen in de goedheid van anderen had behouden. Voor hem stelde hij dit vertrouwen in Rita Hayworth, wier koele, knappe uiterlijk een somber verleden en moordzuchtige neigingen voor de toekomst verborg. Ze trouwde zonder liefde met een impotente, kreupele advocaat en gedroeg zich als een kwaadaardige hagedis door de briljante Everett Sloane.<br />Er schuilt een jeugdige romantiek in dit alles, en deze eigenschap kwam tot uiting in het uitbundige spel in 'The Lady from Shanghai'. Voordat het onvermijdelijke gebeurde, ontsnapte Welles naar een laatste, driehoekige confrontatie in een spiegelzaal, die een van de klassieke scènes uit de naoorlogse filmgeschiedenis is geworden.<br /><br />Welles liet geen kans voorbijgaan om de woorden en handelingen van de film te combineren met visuele details die de structuur en de sfeer verrijkten. Zijn camera leek Rita Hayworth bijna te strelen terwijl de zon met haar haren en lange ledematen speelde, terwijl ze de jonge zeeman speels in haar web plaagde. | After all, you do not go to an Orson Welles movie to see a nice simple little plot and a burnishing of the image of a happy-ever-after star
<br /><br />You go to see theatrically heightened characters locked in conflict against colorful and unusual settings, lighted and scored imaginatively, photographed bravely, and the whole thing peppered with unexpected details of surprise that a wiser and duller director would either avoid or not think of in the first place
<br /><br />As usual, as well as directing, Welles wrote the script and he also played the hero a young Irish seaman who had knocked about the world and seen its evil, but still retained his clear-eyed trust in the goodness of others
Unfortunately for him, he reposed this trust in Rita Hayworth, whose cool good looks concealed a gloomy past and murderous inclinations for the future
She was married without love, to an impotent, crippled advocate, acted like a malevolent lizard by the brilliant Everett Sloane
<br /><br />There is a youthful romanticism underlying it all, and this quality came into exuberant play in "The Lady from Shanghai." Before the inevitable happened, Welles escaped to a final triangular showdown in a hall of mirrors, which has become one of the classic scenes of the post-war cinema
<br /><br />Welles did not miss a chance throughout the whole film to counterpoint the words and actions with visual detail which enriched the texture and heightened the atmosphere
His camera seemed almost to caress Rita Hayworth as the sun played with her hair and her long limbs while she playfully teased the young seaman into her web
| 1pos
|
Van alle film noirs uit de jaren veertig en vijftig is dit een van de vreemdste en leukste om te zien. Dat zeg ik vanwege de vier hoofdrolspelers: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane en Glenn Anders.<br />De eerste twee namen komen iedereen bekend voor, maar het waren de laatste twee die deze film voor mij zo amusant maakten, vooral voor Anders. Zijn personage, 'George Grisby', is een van de vreemdste mensen die ik ooit op film heb gezien. Zijn stem, en sommige dingen die hij zei, moet je horen om te geloven. Slaone ligt niet ver achter in de categorie 'vreemd'. Hayworth is met zijn korte, blonde haar niet zo aantrekkelijk, maar hij is het wel, en dat betekent veel lonken als je een man bent. Welles is even fascinerend als altijd. Eén tip: als je de dvd hebt, zet dan de Engelse ondertiteling aan. Zijn personage in deze film is een Ier en je hebt de ondertiteling nodig om alles te begrijpen wat hij zegt.<br />Welles regisseerde de film ook, wat betekent dat je prachtige camerahoeken hebt en prachtige close-ups van gezichten. Je hebt ook een uniek einde, visueel, met een schietpartij in een huis vol spiegels. Geweldig spul! Hoe bizar deze film ook is, ik vond de hansworstachtige kermissfeer aan het eind van het proces nog steeds te veel van het goede om de ernst van de scène weg te nemen. Afgezien daarvan geen klachten.<br />Dit is geweldig vermaak, zo heet het spel. | Of all the film noirs of the 1940s and 1950s, this has to rank as one of the strangest, and most fun to watch. I say that because of the four main actors: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane and Glenn Anders. <br /><br />The first two names are familiar to everyone but it was the last two that made this movie so entertaining to me, especially Anders. His character, "George Grisby," is one of the strangest people I've ever seen on film. His voice, and some of the things he said, have to be heard to be believed. Slaone isn't far behind in the "strange" category. Hayworth is not as glamorous with short, blonde hair but still is Hayworth, which means a lot to ogle if you are a guy. Welles' is as fascinating as always. One tip: if you have the DVD, turn on the English subtitles. His character in this movie is an Irishman and you need the subtitles to understand everything he says. <br /><br />Welles also directed the film which means you have great camera angles and wonderful facial closeups. You also have a unique ending, visually, with a shootout in a house of mirrors. Great stuff! As bizarre as this film is, I still thought the buffoon-like carnival atmosphere at the trial near the end was too much and took away from the seriousness of the scene. Other than that, no complaints. <br /><br />This is great entertainment, which is the name of the game. | 1pos
|
Na _KANE_, in 1941, keerden de hoge bazen van Hollywood de grote Orson Welles de met spinrag bedekte rug toe. Met uitzondering van _KANE_ verloor Welles alle creatieve controle over _Madison in to Fear_ en de vele andere films die zouden volgen. Welles was een vernieuwend en creatief genie, de meest onconventionele van alle filmmakers toen Hollywood behoefte had aan nog een paar. _The Lady from Shanghai_ is het zoveelste voorbeeld van het verkeerd begrepen beeld dat men in die tijd van Welles' films had, een film die een beetje onsamenhangend en onsamenhangend lijkt. Hij heeft een conventioneel uitgangspunt uit 1940 en wordt op een uiterst onconventionele manier verteld, en ik weet zeker dat sommige scènes op de vloer van de montagekamer zijn beland. Het verhaal gaat dat Columbia-magnaat Harry Cohn tijdens de eerste vertoning opstond en vroeg waar het over ging. Achteraf gezien hebben veel oude knorrepotten die in die tijd de studio's leidden geen flauw idee gehad van de filmtechnieken en de meesterlijke verhalenvertellers van Orson Welles en THE LADY VAN SHANGHAI, en dat komt alleen maar doordat ze zich ermee hebben bemoeid.<br />Niet alleen was Welles zonder enige twijfel de grootste regisseur aller tijden, hij was ook een behoorlijk goede acteur. Op zijn vijfentwintigste wisten we allemaal wat hij deed als 'Charles Foster Kane', misschien wel het beroemdste personage in de filmgeschiedenis. Hier speelt hij een zeldzame rol van flauwe grappen en weinig intelligentie, iets wat onbekend is voor degenen die Welles en zijn andere grote werken kennen. In plaats van een gladde, wijze tong spreekt hij met een ruw, Iers accent. Rita Hayworth (indertijd zijn ongelukkig getrouwde vrouw) speelt een ongelukkig getrouwde vrouw van een advocaat die Welles in de ban brengt en hem in staat stelt een baan te krijgen die hem tot de grenzen van misleiding en desillusie zal brengen. Hij is een grote kerel die misschien zelfs een man heeft vermoord, maar het echte mysterie ligt in de relatie tussen Hayworth (met prachtig blond haar) en de kreupele man Everett Sloane (meneer Bernstein van CITYZEN KANE). Een griezelige partner van Sloane is mee op een zeiltocht door het land om een aantal merkwaardige gebeurtenissen te ontketenen die Welles' 'Michael O'Hara'-hoofd doen tollen. Welles vertelt het verhaal als O'Hara, maar alles is nog steeds onduidelijk. Kijk zelf maar en besef dat er minstens 2 keer naar gekeken moet worden om precies te weten wat er aan de hand is.<br />Een voor zijn doen ongewoon vreemde scène in de rechtszaal draait om 'O'Hara', die door Sloane wordt verdedigd. Het is een merkwaardig komische scène met een paar eigenzinnige rechtbankmethoden, waaronder een kruisverhoor van Sloane zelf. Ik moest hier niet echt om lachen, want de film hapert op dit punt na een eerste deel dat toch nooit op gang komt. Tot op dit punt is de cinematografie geweldig, sommige scènes worden met vakmanschap en vaardigheid opgenomen (aquarium-liefdesscène), maar er is geen duidelijke lijn die de elementen en ons, het publiek, naar binnen trekt. Naar verluidt werd de rechtszaalscène opnieuw opgenomen tegen Welles' film. Op aandringen van Cohn werden er tien close-ups van Hayworth besteld en werd er een provisorisch liedje gezongen door het sterretje. Welles, die opnieuw buiten het montageproces werd gehouden, werd woedend om een provocerende geluidsband. Welles dankt zichzelf voor het feit dat hij de film heeft gered met een krachtig slot dat altijd in ere zal worden gehouden. De zogenaamde 'Hall of Mirrors'-scène brengt de liefhebbers keer op keer terug, terecht.<br />Het moet worden gezien om te worden geloofd en het slaagt er goed in enkele verwarrende ideeën te ontwarren. Het breken van de spiegels symboliseert de desillusie van 'O'Hara' en het 'gekkenhuis' zelf is een meesterwerk van kunst en inrichting. Het lijkt meer op een gemoedstoestand dan op een werkelijke plaats en het is inderdaad 'gek', verwrongen en verdraaid als een schilderij van Dali. Dit is een geweldig einde van een onvolmaakte film die, als hij alleen was gelaten, waarschijnlijk in de top 100 van AFI zou zijn terechtgekomen. Aan de andere kant zouden 3 of 4 andere Orson Welles-films misschien alle collectieve 'beste'-lijsten hebben gehaald als hij alleen was gelaten om zijn eigen magie te creëren.<br />NOTING: Kijk uit naar de Mercury Players die zo opvallend zijn in Welles-films. Ze duiken overal op. | After CITIZEN KANE in 1941, Hollywood executives turned their cob-webbed backs on the great Orson Welles. With the exception of KANE, Welles lost all creative control on MAGNIFICENT AMBERSONS, JOURNEY INTO FEAR, and many other films to come. Welles was an innovative and creative genius, the most unconventional of filmmakers when Hollywood was in need of a few more. THE LADY FROM SHANGHAI is yet another example of the misunderstood view of Welles' films at the time, a movie that seems a bit choppy and non-fluent. It has a conventional 1940's premise told in a most unconventional way, and I am sure some scenes ended up on the cutting room floor. It is now legend that Columbia mogul Harry Cohn stood up during its initial screening and asked what it was about. In hindsight, many old grumps that ran the studios back then had not one clue as to the cinematic techniques and master story-telling of Orson Welles and THE LADY FROM SHANGHAI is only nearly great because of their intrusion.<br /><br />Beside being arguably the greatest director of all-time, Welles was also quite a performer as an actor. At 25, we all know what he did as "Charles Foster Kane", perhaps the most famous character in film history. Here, he inhabits a rare character of dim wit and not much intelligence, something unfamiliar to those familiar with Welles other great work. Instead of a slick, wise tongue, he speaks with a rough, Irish twang. Rita Hayworth (his unhappily married wife at the time) plays an unhappily married wife of a lawyer who puts Welles in a spell and is able to draw him into a job that will take him to the limits of deception and disillusionment. He is a large lug who may have even murdered a man, but the real mystery lies in the relationship between Hayworth (with stunning blonde hair) and crippled hubby Everett Sloane (Mr. Bernstein from CITIZEN KANE). A creepy partner of Sloane's is along for the sail around the country to set off a number of peculiar events that has Welles' "Michael O'Hara" head spinning. Welles narrates the picture as O'Hara, but things are still unclear throughout. See for yourself and realize that it takes at least 2 viewings to fully know exactly what's up.<br /><br />An uncharacteristically strange courtroom sequence centers around "O'Hara", with Sloane defending him. It is an oddly comedic scene with some quirky courtroom methods, including Sloane cross-examining himself. I didn't really laugh here because the film stalls at this point after a first portion that never gets to take off anyway. Up to this point, the cinematography is great, some scenes are shot with craft and skill (aquarium love scene), but there is no distinct line drawing the elements and us, the audience, in. Reportedly, the court scene was re-shot against Welles' requests (10 closeups of Hayworth were ordered) and a makeshift song sung by the starlet was thrown in at Cohn's insistence. A gaudy score infuriated Welles, who once again, was left out of the editing process. Thank Welles himself for saving the film entirely with a tour-de-force ending that will always be treasured. The so-called "Hall of Mirrors" scene brings buffs back time and time again, rightfully so.<br /><br />It must be seen to be believed and it does a good job of wrapping up some confusing ideas presented. The crash of the mirrors represents "O'Hara's" disillusionment and the "crazy house" itself is a masterpiece of art and set decoration. It seems more like a state of mind than an actual place and is indeed "crazy", twisted and turned like a Dali painting. This is a great ending to a flawed picture that if left alone would probably have made the AFI's Top 100. Then again, 3 or 4 more of Orson Welles films may have made all collective "best of" lists if he had been left alone to create his own magic.<br /><br />NOTE: Look for the Mercury Players that are so prominent in Welles pictures. They pop up all over. RATING: 8 of 10 | 1pos
|
Men kan zich alleen maar voorstellen dat de film die meneer Welles heeft gemaakt, zonder tussenkomst van de studio tot een goed einde zou zijn gebracht! Deze film is een Welles met gebreken, maar hij is elke minuut de moeite waard omdat men de grootsheid kan zien van misschien wel Amerika's beste filmregisseur aller tijden!<br />We kunnen zien hoeveel moeite het Orson Welles heeft gekost om deze film te maken. Het verhaal zit vol gaten, misschien wel vanwege de eisen van de studiodirectie die de regisseur niet vertrouwde. Het is merkwaardig dat sommige van de opinies die bij de IMDB zijn ingediend Orson Welles vergelijken met de gebroeders Coen, Roman Polanski en zelfs Woody Allen, terwijl juist al die regisseurs als volgelingen van de grote meester zelf moeten worden beschouwd. Niemand was origineler en creatiever in de geschiedenis van de Amerikaanse film dan de heer Welles. We boffen dat we zijn nalatenschap nog steeds hebben, hetzij in retrospectief, zoals de film waaraan het Film Forum in New York zojuist een einde heeft gemaakt, hetzij op band of op dvd.<br /><br />Rita Hayworth is nog nooit zo liefdevol gefotografeerd als hier. Als ze een schoonheid was met haar rode haar, als blondine, dan is ze gewoon te mooi om waar te zijn. Everett Sloan en Glenn Anders leverden een uitstekende bijdrage aan de film.<br /><br />Het enige wat deze film tot een meesterwerk had kunnen maken, was zijn eigen optreden erin. Als hij zich had geconcentreerd op de regie en een andere acteur Michael O'Hara had geïnterpreteerd, dan zou het een heel andere film zijn geworden. Misschien was Orson Welles wel de pionier die de camera van de studio naar de straat bracht. De beelden in deze film zijn zo verbazingwekkend dat we het theater verlaten nadat we deze film hebben gezien en zijn onder de indruk van het werk, de visie en het talent dat hij ons heeft gegeven. | One can only imagine the film Mr. Welles might have finished without the interference of the studio! This film is a flawed Welles, but worth every minute of it because one can see the greatness of perhaps America's best motion picture director of all times!<br /><br />We can see the toll it took on Orson Welles the filming of this movie. The story has a lot of holes in it, perhaps because of the demands of the studio executives that didn't trust the director. <br /><br />It is curious by reading some of the opinions submitted to IMDB that compare Orson Welles with the Coen brothers, Roman Polanski, even Woody Allen, when it should be all of those directors that must be regarded as followers of the great master himself. No one was more original and creative in the history of American cinema than Mr. Welles. Lucky are we to still have his legacy either in retrospective looks such as the one the Film Forum in New York just ended, or his films either on tape or DVD form.<br /><br />Rita Hayworth was never more lovingly photographed than here. If she was a beauty with her red hair, as a blonde, she is just too stunning for words. Everett Sloan and Glenn Anders made an excellent contribution to the movie.<br /><br />The only thing that might have made this film another masterpiece to be added to Orson Welles body of work, was his own appearance in it. Had he concentrated in the directing and had another actor interpret Michael O'Hara, a different film might have been achieved altogether. Orson Welles has to be credited for being perhaps a pioneer in taking the camera away from the studio lot into the street. The visuals in this film are so amazing that we leave the theater after seeing this movie truly impressed for the work, the vision and the talent he gave us. | 1pos
|
'The Lady From Shanghai' van Orson Welles heeft niet het briljante scenario van 'Citizen Kane', bijvoorbeeld, maar de filmografie van Charles Lawton jr., de onvergetelijke decors (zoals de scène in het aquarium, de zeereisscène met een oogverblindende Rita Hayworth die 'Please Don't Love Me' zingt, en de werkelijk verbijsterende climax in de Hall of Mirrors), en de geweldige cast (Everett Sloane in zijn beste rol, Welles in een prachtig ondergeschikte rol, de eerdergenoemde mejuffrouw Hayworth <0xE2><0x80><0x93> Welles' echtgenote in die tijd <0xE2><0x80><0x93> op haar allermooiste) zorgen voor een zeer gedenkwaardige ervaring. De bizarre moordmysterie is grappig en meeslepend, helemaal niet ondoorgrondelijk. De kijker wordt verrast door de wendingen, en Welles' slotzin is een onaangekondigde klassieker. krijgt vier sterren van deze onpartijdige arbiter. | Orson Welles' "The Lady From Shanghai" does not have the brilliant screenplay of "Citizen Kane," e.g., but Charles Lawton, Jr.'s cinematography, the unforgettable set pieces (such as the scene in the aquarium, the seagoing scene featuring a stunning, blonde-tressed Rita Hayworth singing "Please Don't Love Me," and the truly amazing Hall of Mirrors climax), and the wonderful cast (Everett Sloane in his greatest performance, Welles in a beautifully under-played role, the afore-mentioned Miss Hayworth--Welles' wife at the time--at her most gorgeous) make for a very memorable filmgoing experience. The bizarre murder mystery plot is fun and compelling, not inscrutable at all. The viewer is surprised by the twists and turns, and Welles' closing line is an unheralded classic. "The Lady From Shanghai" gets four stars from this impartial arbiter. | 1pos
|
Terwijl ik naar een van Orson Welles' laatste bijdragen aan Hollywood als filmmaker keek, wist ik dat ik naar een geweldige film keek, hoewel ik soms niet wist waarom. Het verhaal in _The Lady from Shanghai_ heeft de belangrijkste elementen van een film noir: een doorsnee-Joe-rol, een femme fatale, opvallende bijrollen en een begrijpelijke, zij het enigszins gecompliceerde plot. Het is een onderhoudende rit, en hij is tot de nok gevuld met de unieke talenten van Welles als regisseur, maar er zijn scènes die gewoon niet werken, of die niet compleet voelen in wat Welles' volledige visie was (dat laatste is helaas maar al te waar <0xE2><0x80><0x93> daar hebben de producent Harry Cohn en de directieleden van Columbia de schuld van). Als Mike O'Hara, een Ierse arbeider die kwaad kan worden op de juiste mensen en dat ook doet. Hayworth is mevrouw Bannister, getrouwd met meneer Bannister (Everett Sloane, die meneer Bernstein speelde in _Citizen Kane_ ), die wordt vergezeld door een vriend, meneer Grisby (Glenn Anders, die in zijn ogen veel zelfbeheersing heeft). Ze willen gaan zeilen op hun jacht en nemen O'Hara mee voor een tochtje, en in het begin aarzelt hij, maar stemt toe omdat hij verliefd is op de getrouwde mevrouw. Naarmate hun reis vordert, merkt O'Hara dat Bannister en Grisby niet prettig gezelschap zijn, en dat geldt des te meer voor Grisby, die in het begin uit zijn hum lijkt te zijn. Maar terwijl de plot zich ontvouwt, wordt O'Hara betrokken bij een zwendel waarvan Grisby het verzekeringsgeld wil incasseren, met resultaten die ik niet durf te onthullen (hoewel ze keer op keer door anderen zijn besproken).<br /><br />Wat er ook voor onvoorziene complicaties opduiken in het mysterieuze deel van het verhaal (en die paar opvallende momenten waarop de studio de opnamen heeft gedicteerd), de uitvoeringen en het uiterlijk van de film blijven na meer dan vijfenvijftig jaar opvallend. Hoewel hij niet de geweldige Greg Tolland (Kanes DP) aan zijn zijde heeft, helpt de betrouwbare Charles Lawton junior Welles bij het creëren van een sfeer die zowel elegant als grimmig is, met veel schaduwen, een scherp beeld, lage hoeken, de hele mikmak. Een bijzondere prestatie is de spiegelscène in het toilet, die slechts een van de vele hoogtepunten is. Welles zelf is als acteur altijd betrouwbaar <0xE2><0x80><0x93> ook al is zijn accent niet bijzonder <0xE2><0x80><0x93> en Hayworth zelf maakt een scène wat weelderiger, ondanks haar pad in het verhaal.<br />The Lady uit Shanghai is de moeite van het bekijken waard, vooral voor Welles, Hayworth of film noir-fans (fans van de gebroeders Coen zouden dit ook fascinerend kunnen vinden). Het kan even duren (zoals bij Touch of Evil) voordat de onderliggende motieven in de plot tot je doordringen. | As I watched one of Orson Welles' last contributions to Hollywood as a filmmaker, I knew I was watching a great movie unfold, though at times I did not know why. The story in The Lady from Shanghai has the prime elements of a film-noir: average-Joe lead, femme fatale, conspicuous supporting characters, and a comprehensible if somewhat convoluted plot structure. It is an entertaining ride, and it's filled to the brim with Welles' unique gifts as a director, but there are scenes that tend to just not work, or don't feel complete in what was Welles' full vision (the latter is unfortunately too true- executive producer Harry Cohn and the Columbia execs are to blame for that).<br /><br />Welles co-stars with his then wife, the profoundly gorgeous Rita Hayworth, as Mike O'Hara, an Irish worker who can and does get angry at the right people. Hayworth is Mrs. Bannister, married to Mr. Bannister (Everett Sloane, who played Mr. Bernstein in Citizen Kane), who is accompanied by a friend Mr. Grisby (Glenn Anders, who has great control in his eyes). They want to go sailing on their yacht and take O'Hara along for the ride, and at first he's reluctant, but agrees since he's falling for the married Mrs. As their journey unfolds, O'Hara finds that Bannister and Grisby are not pleasant to be around, and more so with Grisby, who at first seems out of his gourd. Yet as the plot unfolds, O'Hara is drawn into a scam that Grisby is planning for insurance money, with results that I dare not reveal (although they have been discussed over and over by others).<br /><br />Whatever liabilities pop up here and there in the mystery part of the story (and those few noticeable moments where shots were studio dictated), the performances and the look of the film are what remains striking after over fifty-five years. Though he doesn't have the terrific Greg Tolland (Kane's DP) at his side, dependable Charles Lawton Jr. assists Welles in creating an atmosphere that is both elegant and stark, covered in shadows, deep focus, low angles, the works. A particular accomplishment is the fun-house mirror scene, which is merely a highlight among others. Welles himself is always dependable as an actor- even if his accent isn't anything special- and Hayworth herself makes a scene a little more lush, despite her path in the story. <br /><br />The Lady from Shanghai is worth checking out, especially for Welles, Hayworth, or film-noir buffs (fans of the Coen brothers might find this fascinating as well). It may just take a little while, repeat viewings (as was for Touch of Evil), for the underlying motives in the plot to sink in. | 1pos
|
The Lady and Shanghai, die in 1946 werd gemaakt en in 1948 werd uitgebracht, was een van de grote films die Welles maakte nadat hij uit betrekkelijke ballingschap was teruggekeerd om _Citizen Kane_ te maken. De film is duister, broeierig en getuigt van enige paranoia uit de Koude Oorlog. De film zit vol met Welles' karakteristieke grillen van vreemde invalshoeken, snelle shots, lange pannen en sinistere belichting. Het gebruik van omgevingsmuziek is een voorloper van de ongelooflijk lange openingsscène in _Touch of Evil_, en de mysterieuze Chinese karakters en de scènes in Chinatown kunnen alleen maar worden beschouwd als de inspiratiebron, in veel opzichten, van Roman Polanski's Chinatown. De obsessie met het technische filmen, die deze film in zijn geheel teistert, doet afbreuk aan het geheel. De plot van dit verhaal gaat vaak verloren in een soms onbegrijpelijke warboel van filmtechnieken.<br />Ondanks deze kritiek maakt het verhaal, in combinatie met de fantastische optredens van Welles, Hayworth en vooral Glenn Anders (Laughter) het kijken naar deze film tot een vreugde. Orson Welles speelt niet alleen het Ierse accent, maar ook de verscheurde identiteit van de eerlijke maar gevaarlijke zeeman. Rita Hayworth, die in die tijd met Welles getrouwd was, breekt met haar gebruikelijke rol als seksgodin en neemt een rol op zich met echte diepgang en tegenstrijdigheden. Ten slotte is Glenn Anders een vreemde en bizarre vertolking, of de partner van Elsa's echtgenoten is niets minder dan klassiek! | Made in 1946 and released in 1948, The Lady and Shanghai was one of the big films made by Welles after returning from relative exile for making Citizen Kane. Dark, brooding and expressing some early Cold War paranoia, this film stands tall as a Film-Noir crime film. The cinematography of this film is filled with Welles' characteristic quirks of odd angles, quick cuts, long pans and sinister lighting. The use of ambient street music is a precursor to the incredible long opening shot in Touch of Evil, and the mysterious Chinese characters and the sequences in Chinatown can only be considered as the inspiration, in many ways, to Roman Polanski's Chinatown. Unfortunately, it is Welles' obsession with technical filmmaking that hurts this film in its entirety. The plot of this story is often lost behind a sometimes incomprehensible clutter of film techniques.<br /><br />However, despite this criticism, the story combined with wonderful performances by Welles, Hayworth and especially Glenn Anders (Laughter) make this film a joy to watch. Orson Welles pulls off not only the Irish brogue, but the torn identities as the honest but dangerous sailor. Rita Hayworth, who was married to Welles at the time, breaks with her usual roles as a sex goddess and takes on a role of real depth and contradictions. Finally, Glenn Anders strange and bizarre portrayal or Elsa's husbands' law partner is nothing short of classic! | 1pos
|
Op het moment dat The Lady uit Shanghai werd gemaakt, stortte het huwelijk van Orson Welles en Rita Hayworth in. De film was net zozeer een poging van Welles om het oude vuur weer aan te wakkeren als om een klassieke film noir te maken. Destijds werd The Lady uit Shanghai niet goed ontvangen, maar in de loop der jaren kreeg de film steeds meer kritieken. Het werd beter naarmate je ouder werd, zogezegd.<br />Welles is de Ierse zeeman Michael O'Hara die op een noodlottige avond de mooie Rita Hayworth redt van drie straatrovers in Central Park. De vonken vliegen ervan af, maar dan komt de aap uit de mouw: de dame blijkt getrouwd te zijn met de kreupele, maar briljante strafpleiter Everett Sloane. Niettemin mag Sloane Welles wel en hij neemt hem in dienst als kapitein van zijn jacht.<br />Tot dusver begint deze film aardig op Gilda te lijken. Als Orson Gilda had gezien en op dat moment niet met zijn mannelijk lid in de weer was geweest, zou hij als een haas terug zijn gegaan naar de zeeliedenwervingshal in Lower Manhattan. In plaats daarvan raakt hij verstrikt in een prachtig web van intriges en wordt hij verdacht van twee moorden, met Sloane als zijn eminente raadsman.<br />Om de een of andere reden besloot Welles dat zijn vrouw in deze film een blondine zou zijn. Harry Cohn zou uit zijn dak zijn gegaan omdat Rita internationaal bekendstond om haar koperrode haar. Dat heeft hem misschien de das omgedaan toen hij zich aansloot bij het legioen studiobazen dat Welles' visie op onafhankelijke films als een bedreiging voor hun macht zag.<br /><br />Acteur Glenn Anders speelt Sloanes partner Grisby, die één grote slijmbal is en uiteindelijk een lijk wordt. Het andere lijk dat hier ligt, is Ted DeCorsia, een laag-bij-de-grondse privédetective die voor zichzelf wil beginnen.<br />Het is een goede noir-thriller, waarin Rita op haar best is, ook al is ze hier blond. De laatste opname in de spiegelzaal is prachtig geënsceneerd, maar ik zou het niet aanbevelen als je niet van gecontroleerde materialen houdt. | At the point in time that The Lady from Shanghai was being made, the marriage of Orson Welles and Rita Hayworth was disintegrating. The film was as much an effort by Welles to rekindle the old flames as it was to make a classic noir. Not received well at the time, The Lady from Shanghai has gotten more and more critical acclaim as years pass. Gotten better with age so to speak.<br /><br />Welles is Irish seaman Michael O'Hara who on a fateful night rescues the beautiful Rita Hayworth from three muggers in Central Park. Sparks do fly, but then comes the rub, turns out the lady is married to crippled, but brilliant criminal attorney Everett Sloane. Nevertheless Sloane takes an apparent liking to Welles and hires him to skipper his yacht.<br /><br />So far this film is starting to sound a lot like Gilda. If Orson had seen Gilda and was not at this point thinking with his male member, he would have skedaddled back to the seaman's hiring hall in Lower Manhattan. Instead he gets himself involved in a lovely web or intrigue and finds himself pegged for two murders and Sloane as his eminent counsel.<br /><br />Welles for whatever reason decided that his wife would be a blond in this film. Supposedly Harry Cohn hit the roof as Rita was internationally known for her coppery red hair. This may have soured him on the picture as he joined the legion of studio bosses who saw Welles's vision of independent film making a threat to their power.<br /><br />Stage actor Glenn Anders plays Sloane's partner Grisby who is one slimy dude, he winds up a corpse. The other corpse to be here is Ted DeCorsia, a bottom feeding private detective who tries to go in business for himself.<br /><br />It's a good noir thriller, showing Rita at her glamorous best even if she was a blond here. The final shoot out in the hall of mirrors is beautifully staged, but I wouldn't recommend seeing it if one is on any controlled substance. | 1pos
|
Het eerste mysterie is om te raden hoe de oorspronkelijke film van Welles eruitzag. Dat maakt dit een echt avontuur <0xE2><0x80><0x93> om een incompleet skelet te zien en de forensische technieken van de film te gebruiken, stel je de mooie vrouw voor die hij ooit steunde.<br />Als je dat doet, zul je misschien een van de beste filmmysteries aller tijden zien en ervaren. Voor een mysterie is het verhaal tamelijk gewoon: een eenvoudige afleiding, één jaloerse echtgenoot als dwaalspoor.<br />Wat wel wonderbaarlijk is, is dat Welles het verhaal plaatst in een kunstmatig oog dat een donkere, donkere, gefacetteerde wereld ziet. De eerste echte film noir, maar nog donkerder. Het is geen duidelijk verknipte wereld, tenzij je aan de camera denkt. Wat we met eigen ogen kunnen zien, is dat iemand een vocabulaire creëerde dat later gemeengoed zou worden.<br />Ondanks alle feestelijkheden was Kane een succes vanwege het grote drama en het verhaal. Het oog van de camera was schokkend, maar experimenteel. Welles zou van daaruit het mysterieverhaal en de zelfreflectie van Shakespeare onderzoeken met dit oog. Othello en MacBeth zijn allebei in deze periode begonnen, en ik beschouw hen als onderdeel van een enkel visioen met dit oog.<br />Het noir-gevoel hier is gebaseerd op het idee dat mensen hun leven niet zelf in de hand hebben, zelfs niet een beetje - ze worden gemanipuleerd door willekeurige factoren in de omgeving. Dus moet Welles, om dit verhaal te kunnen vertellen, de omgeving tot een personage maken. Verscheidene personages als verdachten in het mysterie.<br />En zo hebben we de beroemde belichting, begrenzingen en invalshoeken die we kennen (en die we sindsdien talloze malen hebben gezien). En we hebben de opzettelijk gesloten decors: het park, het jacht, het picknickterrein, het aquarium, de haven, de rechtszaal, het Chinese theater en het spookhuis. Ik ben er zeker van dat de barbaren een heleboel 'uitwendige' verhalen hebben gemaakt die niet te maken hadden met het karakter, maar met deze vreemde omgevingen.<br />Mijn eigen oplossing voor het mysterie is dat het spookhuis het heeft gedaan, te midden van de andere karakteromgevingen die als verdachten zijn geïntroduceerd. Met andere woorden, de manipulatie van Black Irish (die we kennen van zijn aantekeningen en van een scène waarin hij in de vakbondszaal zit te typen) was geen van beide: het was een kracht van menselijke samenzwering (het park of de geciviliseerde versie, de rechtszaal) of van de natuur (de picknick of de geciviliseerde versie, het aquarium).<br />In plaats daarvan was het een kwestie van opzettelijke grilligheid van de goden om ons te vermaken. Dit is natuurlijk een verwijzing naar wat Welles doet: deze mensen (inclusief hijzelf) door de hel laten gaan voor onze eigen grilligheid, een kwestie die wordt onderstreept door de Peking Opera, waar Welles onder de dope zat. En natuurlijk leidt dat tot het lachpaleis, waar de omgeving rechtstreeks knoeit met de perceptie. Er is natuurlijk wel bewust commentaar op zijn relatie met zijn aanstaande ex-vrouw. Maar ik geloof dat er sterk onderbewust commentaar is op het feit dat hij de omgeving waarin hij werkte, de studioomgeving, tartte. Welles werd op ongeveer dezelfde manier genaaid als zijn personage. En dat naaien nam de vorm aan van de moord op deze film, waarbij het rottende lijk aan het begin van dit commentaar werd genoemd.<br />Dat die arme Rita uit China komt, verbindt het hele gebeuren, het Chinese theater, de verwachte verkrachting van bovenaf, het verlies van de vrouw. De investering in de omgeving boven alles. | The first mystery is to guess what Welles' original film was like. That makes this a real adventure -- to see an incomplete skeleton and using cinematic forensics, imagine the beautiful woman it once supported.<br /><br />If you do, you will both see and experience perhaps one of the best film mysteries ever. As mysteries go, the narrative is rather ordinary: a simple diversion, one jealous husband as red herring.<br /><br />What's rather miraculous is Welles' placement of the story in an artificial eye seeing a dark, dark multifaceted world. The first real noir, but even darker. It's not an obviously twisted world, unless you think about the camera. What we can see firsthand is someone creating a vocabulary that would later become common.<br /><br />For all the celebration, Kane was a success because of the great drama and story. The camera's eye was shocking, but experimental. Welles would go from there to explore the mystery narrative and the self-reference of Shakespeare with this eye. Othello and MacBeth are both begun in this period, and I consider them part of a single vision with this. <br /><br />The noir feel here hinges on the notion that people are not in charge of their lives, even a little -- they are manipulated by random factors in the environment. So in telling this story, Welles has to make the environment into a character. Several characters as suspects in the mystery.<br /><br />Thus we have the famous lighting, blocking and angles we know (and have since seen countless times). And we have the deliberately closed sets: the park, yacht, picnic area, aquarium, dock, courtroom, Chinese theater and funhouse. I am certain that what was cut by the barbarians was lots and lots of 'external' narrative dealing not with character but with these strange environments.<br /><br />My own solution to the mystery is that the funhouse did it, among the other character-environments introduced as suspects. In other words, the manipulation of Black Irish (who we know from notes and one scene typing at the union hall was an aspiring novelist) was neither: a force of human conspiracy (the park or the civilized version, the courtroom) nor of nature (the picnic or the civilized version, the aquarium).<br /><br />Instead it was a matter of deliberate caprice by the gods for amusement. This is of course a self-reference to what Welles is doing: putting these people (including himself) through hell for our own caprice, a matter underscored by the Peking Opera set with Welles doped up. And of course leading to the funhouse where the environment directly tinkers with perception.<br /><br />More about the self-reference: surely there is conscious comment on his relationship with his soon to be exwife. But I believe there is strong subconscious comment on his own taunting the environment in which he worked, the studio environment. Surely Welles was as much screwed with, and in much the same way, as his character. And that screwing took the form of the murder of this film, leaving the rotting corpse mentioned at the beginning of this comment.<br /><br />That poor Rita comes from China ties up the whole thing, the Chinese theater, the expected rape from above, the loss of the woman. The investment in environment beyond all. | 1pos
|
In New York redt zeeman Michael O'Hara (Orson Welles) Elsa Bannister (Rita Hayworth) van een beroving & verkrachting als ze te paard & in een rijtuig door Central Park rijdt <0xE2><0x80><0x93> en er het leven bij inschiet. Hayworth met haar getinte haar is platinablond in deze film; zo oogverblindend als pas gevallen sneeuw <0xE2><0x80><0x93> maar bij lange na niet zo puur...<br /><0x3E> Het zou misdadig zijn om meer te onthullen van de ingewikkelde plot in deze semi-noir. Het is even bedrieglijk als de spiegels die gebruikt werden voor het cataclysmische effect in de laatste scènes <0xE2><0x80><0x93> maar de film bevat veel duisterder geheimen: Uit de _New York Times_ : 'Childhood Shadows: The Hidden Story of The Black Dahlia Murder' door Mary Pacios 'Mary Pacios, die 5 jaar oud was toen ze bevriend raakte met de 15-jarige Bette Short, volgt het spoor van Short' Ze heeft ook een gedetailleerde, zij het speculatieve, analyse gegeven van Orson Welles <0xE2><0x80><0x93> vooral met betrekking tot zijn film 'The Lady from Shanghai'. Volgens mevrouw Pacios heeft de film, samen met het bijbehorende archiefmateriaal, veel van dezelfde ritualistische elementen die verband houden met de moord op Short. Ze stelt de vraag: zou Welles de moordenaar kunnen zijn?' Interessante theorieën <0xE2><0x80><0x93> en nu er zoveel boeken over 'The Black Dahlia' zijn verschenen, zal er waarschijnlijk nog veel meer aan het licht komen. Fritz Langs brute 'film noir', 'The Big Heat' (1953), was een roman-a-clef beschrijving van de moord op 'Dahlia' in 'The City of Nets' in L.A. <0xE2><0x80><0x93> maar het is het opus van Orson waar de 'Dahlia' een 'hand-in-hand'-relatie mee had. In werkelijkheid was het Bugsy Siegel (en de maffiaoorlogen in Hollywood in de jaren veertig) die de 'Dahlia' in gang zetten... maar dat doet niet veel af aan wat Pacios schreef. Bijna heel Hollywood kruiste Elizabeth ('De Zwarte Dahlia') Short en haar verhaal/aura/erfenis/vervloeking is gecodeerd in een aantal films uit de Gouden Eeuw.<br />De 'Zwarte Dahlia' stond altijd aan de rand van 'Sjanghai' <0xE2><0x80><0x93> al voordat er werd gefilmd. Barbara Payton op Franchot Tone: 'Dat was toen hij erover dacht om _De dame uit Shanghai_ te maken, voordat hij de optie op Orson Welles kwijtraakte. Franchot zei dat hij in een slechte bui was over die deal toen hij de Dahlia tegenkwam in het Formosa Café tegenover de studio's van Goldwyn...' De verdieping boven het Formosa-café was het kantoor van Bugsy Siegel en 'The Dahlia' was een van zijn in- en uitwerkende'meisjes'.<br />Het wordt dieper en duisterder. Na de ruzie over Barbara Payton in 1951 tussen Tom Neal en Franchot Tone, die Franchot met een hersenschudding naar het ziekenhuis stuurde, trouwde ze met Tone 'om Neal een hak te zetten'. Tom ('Detour') Neal kende 'The Dahlia' ook (wie niet?) en raakte erdoor geobsedeerd. Uit 'L.A. Despair' van John Gilmore: 'De moord in januari 1947 op de jonge, mooie actrice Elizabeth Short, bekend als 'The Black Dahlia', was een van de gruwelijkste moorden in de annalen van de moderne misdaad. Een project dat 'The Black Dahlia Killed' heette. Niet lang daarna: 'Het zou heel duidelijk worden op een mooie dag, wanneer Tom zijn mooie, nieuwe vrouw uit Palm Springs zou besluipen terwijl ze op hun bank lag en een.45-kogel door haar hoofd zou schieten.' Barbara Payton en Norma Jean Dougherty (later Marilyn Monroe) kenden de 'Dahlia' en hun verhalen zijn algemeen bekend. Het lijkt erop dat iedereen die het pad van de 'Dahlia' kruiste (zoals de spreekwoordelijke zwarte kat) een 'Twilight Zone' binnenging. '... en/of een ongelooflijke reeks tegenslagen hebben gehad. Tone/Neal/Welles zijn er maar een paar <0xE2><0x80><0x93> en dat geldt ook voor een afgeslachte film die 'The Lady From Shanghai' heet... '<br />'The Lady From Shanghai' is pas na twee jaar uitgebracht, dankzij een uitgebreide revisie <0xE2><0x80><0x93> en dat allemaal omdat president Harry Cohn van Columbia het verhaal niet kon begrijpen. Het is een duistere 'noir' <0xE2><0x80><0x93> een van de donkerste, om precies te zijn. Het is ook een boosaardige satire op het leven in het nieuwe Atoomtijdperk.<br />'<br />Nicolas Christopher: '<br />'Shanghai' duwt een hardnekkige subtekst van de nucleaire apocalyps naar voren en bevat de definitieve noir-verklaring over de atoombom en de Amerikaanse stad. Het eerste slachtoffer van de bomaanslag (en dat zijn er heel wat), een psychotische, dubbelhartige advocaat, voorziet bij elke bocht in de weg manisch het einde van de wereld en beweert dat hij het 'voelt'. Hij kondigt aan dat hij van plan is naar een afgelegen eiland in de Stille Oceaan te vluchten <0xE2><0x80><0x93> een bijzonder wrange grap van Welles, aangezien juist in dat jaar de Verenigde Staten begonnen met het testen van atoombommen op precies zo'n eiland, de Bikini Atoll, waarbij alle bewoners werden verplaatst en het ecosysteem werd vernietigd. Tegen de tijd van de Bikini lijkt de erotische identificatie van Hayworth met de Bom te zijn geïmplementeerd, met de zegen van de hoge militairen; de eerste bom die op de testbasis in de Stille Oceaan wordt gegooid en die 'Gilda' wordt genoemd, heeft Hayworths beeltenis, in provocerende kledij, rechtstreeks op het omhulsel geschilderd...' Het is ironisch dat Orson Welles' brede interpretatie van een Ier door velen als een nadeel voor de film wordt beschouwd. Welles geeft de kijkers een aanwijzing dat 'Michael O'Hara' alleen maar de verteller is <0xE2><0x80><0x93> geen deel uitmaakt van het verhaal, ook al draait het om hem. 'O'Hara' gaat in de hele film tegen het haaienmotief in. Haaien die zich te goed doen aan een vraatzucht houden pas op als er niets meer over is. 'Michael O'Hara' leeft om het verhaal te vertellen. 'Elsa Bannister' veroorzaakt een vraatzucht tijdens 'O'Hara's' proces en haar in een net gevatte hoed suggereert dat ze in een kooi zit <0xE2><0x80><0x93> om de menselijke toeschouwers in een Romeins Coleseum niet te verzwelgen. De toeschouwers zijn zelf een vraatzuchtige vraatzucht aan het bedrijven, roddelen en zeuren over 'Elsa'. <0xE2><0x80><0x93> een menselijk aquarium dat overeenkomt met de sequentie uit het zeemuseum in San Francisco. Dat is de toestand van de mens... behalve 'Michael O'Hara'. En toch zal hij zijn hele leven proberen zijn verleden te vergeten ('Elsa') <0xE2><0x80><0x93> of bij die poging sterven. 'Elsa' maakt deel uit van 'Michael' en het verhaal eet uiteindelijk zijn eigen staart op en de kijker wordt gewaarschuwd uit de problemen te blijven. | In NYC, seaman Michael O'Hara (Orson Welles) rescues Elsa Bannister (Rita Hayworth) from a mugging & rape as she takes a horse & carriage through Central Park -and lives to regret it. Titian-haired Hayworth's a platinum blonde in this one; as dazzling as fresh-fallen snow -but nowhere near as pure...<br /><br />To reveal any more of the convoluted plot in this seminal "noir" would be criminal. It's as deceptive as the mirrors used to cataclysmic effect in the final scenes -but the film holds far darker secrets: From the NY Times: "Childhood Shadows: The Hidden Story Of The Black Dahlia Murder" by Mary Pacios "Mary Pacios, who was 5 years old when she was befriended by 15 year old Bette Short, retraces Short's steps, interviewing friends and associates. She also offered a detailed, if speculative, analysis of Orson Welles -particularly in regard to his movie "The Lady From Shanghai". According to Ms. Pacios, the movie, along with related archival materials, has many of the same ritualistic elements associated with Short's murder. She raises the question: Could Welles have been the killer?" Interesting theories -and with the spate of books now out on "The Black Dahlia", much more may come to light. Fritz Lang's brutal "film noir", "The Big Heat" (1953), was a roman-a-clef telling of the "Dahlia" killing in "The City Of Nets" that was L.A. -but it's the Orson opus that the "Dahlia" had a "hands-on" connection to. In reality, it was Bugsy Siegel (and the Hollywood mob wars of the 1940's) that did the "Dahlia" in ...but that doesn't negate much of what Pacios wrote. Almost all of Hollywood intersected with Elizabeth ("The Black Dahlia") Short and her tale/aura/legacy/curse is encoded in a number of Golden Age films.<br /><br />The "Black Dahlia" was always on the peripheral edges of "Shanghai"-even before it started filming. Barbara Payton on Franchot Tone: "It was when he was thinking about making "The Lady From Shanghai", before he lost the option to Orson Welles. Franchot said he'd been in a bad state over that deal when he ran into the Dahlia in the Formosa Cafe* across from the Goldwyn studios..." *The floor above the Formosa Cafe was Bugsy Siegel's office and "The Dahlia" one of his on again/off again working "girls".<br /><br />It gets deeper and darker- After the 1951 brawl over Barbara Payton between Tom Neal and Franchot Tone that sent Franchot to the hospital with a concussion and "never talking the same way again," Barbara said, she married Tone "just to spite Neal." Tom ("Detour") Neal also knew "The Dahlia" (who didn't?) and became obsessed- From "L.A. Despair" by John Gilmore: "The January 1947 slaying of the young, beautiful would-be actress Elizabeth Short, known as "The Black Dahlia", was one of the most grisly murders in the annals of modern crime. A project, called "Who Killed The Black Dahlia?" was being kicked off by actor Tom Neal, a hell-raiser from WW II movies. Potential producer Gene Harris: "Someone will have to come up with a more imaginative business proposition than what has been presented by Tom Neal and his cohorts..." Not long after: "It would be very clear one beautiful day to come, when Tom would sneak up on his pretty, new Palm Springs wife as she lay on their sofa and shoot a .45 bullet through her head." Barbara Payton and Norma Jean Dougherty (later Marilyn Monroe) knew the "Dahlia" and their stories are well known. It seems all who crossed the path of the "Dahlia" (like the proverbial black cat) entered a "Twilight Zone" darkness and/or had an incredible string of bad luck afterward. Tone/Neal/Welles are only a few -and this includes a butchered film called "The Lady From Shanghai"...<br /><br />"Lady From Shanghai" took two years to be released, thanks to extensive re-editing -and all because Columbia president Harry Cohn couldn't understand the story. It's dark "noir" to be sure -one of the darkest, in fact. It's also a wicked satire on life in the new Atomic Age.<br /><br />Nicolas Christopher:<br /><br />"Shanghai" pushes forth an insistent subtext of nuclear apocalypse and contains the definitive noir statement concerning the atomic bomb and the American city. The film's principal murder victim (and there are many), a psychotic and double-dealing lawyer, manically foresees Armageddon at every turn, claiming he can "feel it." He announces that he plans to escape to a remote Pacific island -a particularly acid joke on Welles' part since this was the very year the U.S. began testing atomic bombs at just such a place, the Bikini Atoll, relocating all the inhabitants and destroying the ecosystem. By the time of Bikini, the erotic identification of Hayworth with the Bomb appears to have been institutionalized, with the blessing of the military brass; the first bomb dropped in the Pacific testing ground in named "Gilda" and has Hayworth's image, in provocative dress, painted directly on its casing..." <br /><br />Its ironic that Orson Welles' broad interpretation of an Irishman is considered a detriment to the film by many. Welles is giving a clue to viewers that "Michael O'Hara" is only the storyteller - not part of the story even though it revolves around him. "O'Hara" contradicts the shark motif throughout the film. Sharks on a feeding frenzy won't stop until there's nothing left. "Michael O'Hara" lives to tell the tale. "Elsa Bannister" causes a feeding frenzy during "O'Hara's" trial and her netted chapeau suggests she's caged in -so as not to devour the human spectators to a Roman Coleseum. The spectators are on a feeding frenzy of their own, gossiping and carrying on about "Elsa" -a human aquarium correlating to the San Francisco marine museum sequence. That's the human condition ...except for "Michael O'Hara". And yet he'll be spending his life trying to forget his past ("Elsa") -or die trying. "Elsa" is part of "Michael" and the tale eats its own tail in the end and the viewer is cautioned to stay out of trouble. | 1pos
|
Dit had heel goed de meest definitieve film noir aller tijden kunnen zijn, als de Columbia Studio's niet zoveel van het origineel van Orson Welles hadden weggelaten. Wat we overhouden is een onvolmaakte, maar briljante film die het overweldigende talent van Welles als acteur/regisseur en van Rita Hayworth als serieus toneeltalent demonstreert.<br />'The Lady From Shanghai' is film noir op het meest spetterende en verwarrende punt. Welles, met een onregelmatig accent, portretteert Michael O'Hara, een Ier met een vaste baan, die na een noodlottige ontmoeting met de verleidelijke, gevaarlijke Elsa Bannister (Hayworth, in een GROTE voorstelling) zich praktisch gedwongen voelt een baan als bemanningslid aan te nemen op het jacht van haar en haar invalide echtgenoot (Everett Sloane). Michael, zoals hij haar noemt, speelt heel goed de onschuldige, hulpeloze pop en weet O'Hara in haar web te verstrikken. Terwijl de geliefden op zee een niet al te geheime affaire hebben, komt George Grisby (Glenn Anders) aan boord. Hij is een vreemde, onbetrouwbare figuur die Michael een uniek voorstel doet: hij krijgt 5000 dollar om Grisby te helpen Grisby's dood in scène te zetten, zodat het op moord lijkt. Het plan is dat Michael zich van een technisch detail ontdoet en met Elsa de zon in rent. Maar de dingen gaan niet volgens plan.<br />Hayworth levert ons een van de beste femme fatales aller tijden in een zeer dubbelzinnig portret. Soms lijkt ze echt kwetsbaar en kinderlijk, maar op andere momenten is ze wreed, wereldmoe en hard. Ze is altijd schitterend mooi, of ze nu druipnat in een badpak staat of in het zwart gekleed gaat en met een pistool zwaait. Hayworth is hier prachtig gefotografeerd, en ze is een echo van haar beroemde 'Gilda'-rol. Haar toenmalige echtgenoot Orson Welles heeft haar kastanjebruine lokken afgeknipt voor een geverfde blondine (die de baas van Columbia, Harry Cohn, tegen zich in het harnas heeft gejaagd). Het was een geweldige marketingtruc, en hij past haar veranderde houding fantastisch aan. Ze is hier niet de sympathieke femme fatale die 'Gilda' is, maar een roofdierachtige, kwaadaardige vrouw die moord als een zeer nuttige optie ziet. Het huwelijk van Welles en Hayworth kwam in een tijd dat het stel extreme problemen had met hun huwelijk. Ze zouden scheiden nadat de film was gemaakt, dus dit is ook een curiosum om enig inzicht te geven in de gecompliceerde relatie. In deze film zijn ze niet romantisch, maar hatelijk, dus het is moeilijk in te schatten of ze op het witte doek wel of geen echte chemie hadden. In elk geval is elke ontmoeting krachtig en vervuld van pure seksualiteit, met Welles als de 'fall- guy' (hij geeft het zelf in de film toe!) en Rita als het dubbelspionnetje.<br />Welles is de typische noir 'drifter' met weinig verstand. Zoals de voice-over van Welles bewijst, gebruikt O'Hara inderdaad niet veel van zijn hersens. Welles speelde meestal intelligente, charismatische kerels, dus zijn beurt als de onbenullige Michael is ongewoon en heel interessant. Welles was inderdaad een talentvol acteur en hij speelt het goed.<br />Everett Sloane is gepast slijmerig als de kreupele echtgenoot van Hayworth. Je vraagt je af waarom hij Michael in dienst neemt. Het is duidelijk dat zijn vrouw in romantische zin in hem geïnteresseerd is, dus waarom nodigt hij een 'bedreiging' aan boord uit? Je zou kunnen zeggen dat Michael zijn vrouw 'dienst' bewijst, wat Bannister in zijn kreupele toestand niet kan. Er zit beslist iets in die theorie, met een heleboel implicaties voor Elsa's gedrag voordat ze haar man leerde kennen (was ze een soort prostituee?) en voor ze Grisby ontmoette. In een aantal scènes wordt gewag gemaakt van Bannister's meest intieme geheimen.<br />Dit is een warrige, ingewikkelde film met een plot dat uiteindelijk niet deugt. We zijn meer geïnteresseerd in de driehoeksverhouding dan in het moordcomplot, zoals in de meeste noirs. Welles geeft ons veel van zijn gebruikelijke briljante filmische accenten, waaronder de terecht beroemde'spiegelhal'. Het is een geweldige scène, een einde dat de fouten van eerder in de film bijna kan uitwissen en het tot iets geweldigs kan verheffen. Deze lachspiegelscène is visueel verbluffend, met een Dali-achtige sfeer in de geschilderde decors (kennelijk heeft Orson ze zelf geschilderd). Subtiele visuele beelden die door Welles door de hele film heen worden gebruikt, versterken de plot en maken dit tot een ervaring die je aan het denken zet. <br />De dialoog is schroeiend en verwarrend, voortreffelijk gebracht door Rita's afwisselend hese, lage stem en hulpeloze, hoge meisjesstem. Hayworth bewijst in deze rol haar acteertalent, en bewijst dat zij de ultieme femme fatale van de 'noir' is. Het is jammer (maar een klein beetje jammer, want Rita was een briljante danseres) dat ze in de jaren veertig zoveel verrukkelijke, maar luchtige en vaak vergeten musicals voor Columbia heeft gedaan in plaats van dit soort duistere noirs. Ze was een briljante actrice toen ze de kans kreeg haar talent te tonen.<br />9/10. | This could be well have been THE definitive film noir of all time, had not the Columbia Studios cut so much of Orson Welles's original. What we are left with is a flawed, yet brilliant film that showcases the overwhelming talent of Welles as an actor/director and Rita Hayworth as a serious dramatic talent.<br /><br />'The Lady From Shanghai' is film noir at it's most sizzling and confusing. Welles, with an uneven accent, portrays Michael O'Hara, a journeyman Irishman, who, after a fateful encounter with the seductive, dangerous Elsa Bannister (Hayworth, in a GREAT performance)finds himself virtually coerced into accepting a job as a crewman on her and her crippled husband's (Everett Sloane) yacht. Elsa, or 'Rosalie' as Michael likes to call her, plays the innocent, helpless doll very well, ensnaring O'Hara in her web. As the lovers conduct a not-so-secret affair at sea, Arthur Bannister's partner in his law firm, George Grisby (Glenn Anders)comes aboard. He is a weird, untrustworthy figure who offers Michael a unique proposal: He will get $5000 to assist Grisby in the faking of Grisby's death, so it looks murder. The plan is for Michael to get off a technicality, and run off into the sun with Elsa. But things do not go to plan.<br /><br />Hayworth delivers us one of the best femme fatales of all time in a very ambiguous portrayal. At times she seems genuinely vulnerable and child-like, at others brutal, world-weary and hard. Always she is brilliantly beautiful, whether he situation calls for her to be dripping wet in a swimsuit or dressed in black, brandishing a gun. Hayworth is beautifully photographed here, and she is a far-cry from her famous 'Gilda' role. Her then-husband Orson Welles cut off her trademark auburn locks for a dyed blonde crop (angering Columbia boss Harry Cohn). It was a terrific marketing ploy, and he change suits her changed attitude wonderfully. She is not the sympathetic femme fatale that 'Gilda' is, here- instead she is a predatory, black-hearted dame who sees murder as a very useful option.<br /><br />The Welles and Hayworth pairing came at a time when the couple were having extreme difficulties in their marriage. They would divorce after the film was made, so this is also a curiosity for providing some view into the complicated relationship. They are hateful, not romantic, lovers in this, so it's hard to gauge whether or not they had real chemistry on screen. Certainly every encounter is potent and filled with raw sexuality, with Welles as the 'fall guy' (he even admits it himself in the film!) and Rita as the double-crossing babe.<br /><br />Welles character is the typical noir 'drifter' with not much sense. As Welles voice-over proves to use, O'Hara indeed does not use his brain very much 'expect to be thinking of her (Elsa)'. Welles usually played intelligent, charismatic fellows, so his turn here as the dim-witted Michael is unusual and very interesting. Indeed, Welles was an actor of fine talent and he pulls off it well.<br /><br />Everett Sloane is suitably slimy as Hayworth's crippled husband. One wonders why he hires Michael. It is obvious that his wife is interested in him romantically, so why does he invite a 'threat' on board? One interpretation could be that Michael provides the 'service' to his wife that Bannister cannot in his crippled state. There is definitely something to that theory, with a lot of implications toward Elsa's behaviour before she met her husband (was she some sort of prostitute?)and Grisby's knowledge of Bannister's most intimate secrets being hinted at in several scenes.<br /><br />This is a jumbled, convoluted film with a plot that is ultimately flawed. We are more interested in the love triangle than the murder plot, as with most noirs. Welles provides us with many of his usual brilliant cinematic touches, including the justifiably famous 'hall of mirrors' climax. It's a terrific scene, one ending that can almost obliterate the faults earlier on in the movie and lift it into greatness. This fun house scene is visually stunning, with a Dali-like feel to the painted sets (apparently Orson painted them himself). Subtle visual imagery utilized throughout the film by Welles enhances the plot and makes this a thought-provoking experience.<br /><br />The dialogue is scorching and confusing, delivered superbly by Rita's alternately breathy low voice and helpless, high-pitched little-girl voice. Hayworth proves her acting capabilities in this one, and proves that SHE is the ultimate femme fatale of 'noir'. It's a pity (only a slight one , as Rita was a brilliant dancer) that she did so many delightful yet frothy and often forgettable musicals for Columbia in the 40's instead of darkly-themed noir like this. She was a brilliant actress when given the chance to show off her talent.<br /><br />9/10. | 1pos
|
Orson Welles weet me met elke foto die ik van hem zie tegen de grond te werken. _Lady of Shanghai_ is van hetzelfde niveau als zijn andere meesterwerken: _The Magnificent Ambersons_, _Touch of Evil_, _The Trial_ en _Chimes at Midnight_. De plot kan soms verwarrend zijn, en soms lijkt hij misschien een tikkeltje te snel te gaan (ongeveer een uur van de film is geschrapt toen de tests slecht gingen). Maar dat doet er niet toe. Je kunt Welles' films niet bekijken als je je te veel op de plot concentreert. Zijn richting bepaalt wat een geweldige richting is. Bijna elke scène van deze film kan zich meten met elke andere scène die hij geregisseerd heeft. Kijk maar naar de scène in de rechtszaal. Meestal zijn het zulke standaardscènes dat ik er niet tegen kan. In dit geval: probeer Welles' eigen toespraak aan het eind van Dwangneurose uit te zitten. In _Lady from Shanghai_ moet je gewoon letten op de details van die scène in de rechtszaal. Let op dat jurylid dat altijd niest en de procedure onderbreekt. Of kijk gewoon naar de belichting in die scène. Ik weet dat het gewoon een eenvoudige Venetiaanse jaloezie is, en dat die voortdurend werd gebruikt in film noirs en misdaadfilms uit die tijd, maar Welles geeft er een geheel eigen schoonheid aan. De dialoog is ook opmerkelijk. Welles had de vaardigheid, een vaardigheid die niemand anders scheen te hebben, om een misdaadfilm te maken waarin voorbeelden van de grootste poëzie te zien waren. Of hij nu Shakespeare sprak of hardboiled regels uitspuugde, het had de macht om de ziel te raken. | Orson Welles manages to knock me on my ass with every picture of his I see. Lady of Shanghai is on the same level as his other masterpieces, The Magnificent Ambersons, Touch of Evil, The Trial, and Chimes at Midnight. The plot can tend to be confusing sometimes, and sometimes it seems to be moving maybe a tiny bit too fast (about an hour of it was edited out when test screenings went poorly). It doesn't matter, however. You can't watch Welles' films and manage to concentrate too much on the plot. His direction defines what great direction is. Almost any scene from this film can hold up with any other scene he directed. Check out the courtroom scene. Usually they are such stock scenes that I can't stand them. Case in point, try to sit through Welles' own speech near the end of Compulsion. In Lady from Shanghai, just pay attention to the level of detail in that courtroom scene. Watch that juror who is always sneezing and interrupting the proceedings. Or just take a look at the lighting in that scene. I know, it is just a simple Venetian blind, and that it was used constantly in film noirs and crime films of the era, but Welles gives it a beauty all its own. The dialogue is also remarkable. Welles had the skill, a skill that no one else seemed to have, to make a crime film containing examples of the grandest poetry. Whether he was speaking Shakespeare or spitting out hard-boiled lines, it had the power to stir the soul. 10/10. | 1pos
|
Elke film uit de begintijd van Orson Welles is een triomf, helemaal tot aan The Third Man met Joseph Cotton. Hij is ook geweldig in een Touch of Evil. Zie ze alsjeblieft allemaal! Hij heeft de neiging om hoogdravend te worden en zichzelf te spelen in films zoals _F is for Fake_, echt een stomme verspilling van film. Verspil je tijd er niet aan. Het is echt onwetend. Orson Welles is een filmicoon en iedereen die filmwetenschappen studeert moet alles zien wat hij heeft gefilmd. Al zijn hoofdrolspeelsters zijn geweldig, maar uiteindelijk werd Welles een dikke zuiplap, net als zijn personage in _A Touch of Evil_! Om de een of andere reden kon Orson Welles goed met vrouwen omgaan, ik begrijp dat hij in zijn jeugd aantrekkelijk gevonden kon worden, niet zoals Gary Cooper of Joseph Cotton of Cary Grant of John Wayne, ik kan nog wel even doorgaan, maar ik dwaal af... en omdat ik een vrouw ben, begrijp ik dat hij aantrekkelijk was. Hij (Orson Welles) is een van de laatste echte filmmakers, en als je de filmmakers van vandaag niet meerekent: Tarantino, Scorscese, Spike Lee, de meeste filmmakers kunnen gewoon niet tippen aan de filmmakers van de jaren veertig! Ik weet dat er veel meer grote filmmakers van vandaag zijn, maar in zo'n korte tijd kan ik ze niet allemaal opnoemen. Geen aanbieding voor een van de grote filmmakers van dit millennium! 21 augustus 2006. Doe me alsjeblieft denken aan een nieuwe generatie filmmakers, ik wil niet vastzitten in het verleden! Ik ben dol op sommige films die nu uit zijn, maar er zijn er maar zelden bij die ik op een '100 beste' lijst zou zetten. 'Hustle and Flow' was geweldig, 'Fargo' ook en 'Oh Brother, where art thou' uit een regel in Sullivan's reizen; nog zo'n mooie film uit de jaren veertig! Kan iemand me een beste lijst geven voor de jaren 90 en tot 2006? Ik zou graag willen weten wie ik moet kijken! Dank je! Ook voor de montage van deze website! Waar anders kun je een film inpluggen of boe roepen? Ik hou van het geraaskal van gewone mensen zoals ik, die kunnen zeggen wat ik wil en ik beloof dat ik geen film zal bederven voor iemand die hem nog niet heeft gezien! | Any film in the early days of Orson Welles is a triumph all the way to The third Man with Joseph Cotton. He is also wonderful in a Touch Of Evil. Please see them all! He tends to get pompous and self serving in films like F is for Fake, really stupid waste of film.Don't waste your time watching it. it is really ignorant. Orson Welles is a film icon and anyone studying film should see everything he has filmed. All his leading ladies are tremendous but in the end Welles became a fat drunk, like his character in A Touch Of Evil! For some reason Orson Welles had a way with women, I see how he could be considered attractive in his youth, not like Gary Cooper or Joseph Cotton, or Cary Grant,John Wayne, I could go on and on but I digress... and because I am a woman,I can see the attraction to him. He (Orson Welles) is one of the last true film makers and unless you count the film-makers of today: Tarantino, Scorscese, Spike Lee, most of the film makers just don't measure up to the film makers of the Forties! I know there are many more great film makers of today but in such a short amount of time I can't name them all. No Offense to any of the great film makers of this millennium! August 21,2006. Please remind me of some current up and coming film makers, I don't want to be stuck in the past! I love some of the films out now, but rarely are there any that I would put on a "100 best" list.. "Hustle and Flow" was great, so was "Fargo", and "Oh, Brother, where art thou," from a line in Sullivan's travels; another fine film from the forties! Can anyone give me a best list for the 90's and on up to 2006? I would like to know who to watch! Thank you! Also Props to this website! Where else can you plug a film or boo it! i love the ranting and raving from regular folks like me who can say what I want and I promise not to spoil any film for someone who hasn't seen it yet! | 1pos
|
Surrealistische film noir die kort na de 'echte', genre-definiërende klassiekers 'The Maltese Falcon', 'Double Indemnity' en 'The Postman Always Rings Twice' werd uitgebracht. Welles-films mogen niet worden vergeleken met andere. Hij speelde volgens andere regels. Sterker nog, hij speelde. Dit begint waar andere femme fatale-films ophouden, dus wordt de vaag logische (maar interessante) whodunit verfraaid met een vertoning van Welles-scènes (type snelvuurstijl), dialogen (veel 'harde' filosofie) en ongewoon acteerwerk (de goede Hayworth waarschijnlijk opzettelijk eendimensionaal). Voor Welles betekende 'genre' misschien 'formule', maar hij scheen'mysteries' als achtergrond te gebruiken voor zijn'vermaak'. | Surreal film noir released soon after the "real," genre-defining classics "The Maltese Falcon," "Double Indemnity" and "The Postman Always Rings Twice." Welles films shouldn't be evaluated against others. He was playing by different rules. In fact, he was playing. This starts where other femme fatale films leave off, so the vaguely logical (but interesting) whodunit is embellished with a display of Wellesian scenes (typical rapid-fire style), dialog (lots of "hard-boiled" philosophy), and unusual acting (good Hayworth presumably intentionally one-dimensional). To Welles "genre" may have meant "formula" but he seemed to like using "mysteries" as backgrounds for his "entertainments." | 1pos
|
Wat kan ik zeggen, het is een verdomd goeie film. Ga hem zien als je hem nog niet gezien hebt. Geweldige camera- en belichtingstechnieken. Geweldig, gewoonweg geweldig. Orson Welles is ongelooflijk, 'The Lady From Shanghai' kan zeker de plaats innemen van 'Citizen Kane'. | What can I say, it's a damn good movie. See it if you still haven't. Great camera works and lighting techniques. Awesome, just awesome. Orson Welles is incredible 'The Lady From Shanghai' can certainly take the place of 'Citizen Kane'. | 1pos
|
Dit is een film uit 1947, geregisseerd en geschreven door Orson Welles (met een funky Iers accent) en met in de hoofdrol de beeldschone Rita Hayworth met minder aantrekkelijk kort blond haar. Dus ik heb al eerder met Orson opgetrokken in Touch of Evil en Citizen Kane and the Third Man et cetera, maar dit was mijn eerste ontmoeting met Rita Hayworth. Onze eerste ontmoeting verliep goed, ze speelt met verve de bange/opgesloten Elsa, getrouwd met een invalide miljonairsadvocaat. Mike (Welles) en Elsa vallen voor elkaar. Hij wil er met haar vandoor, zij weet niet of ze kan leven zonder de dingen die met geld te koop zijn. Elsa, haar man en zijn partner kibbelen en bijten, net als de haaien die Mike beschrijft en zijn voorspelling blijkt maar al te waar te zijn. Er volgen nog een paar wendingen in dit moordmysterie als we bij de climax van de lachspiegel komen. (Denk maar aan het einde van de schietpartij in The Man with the Golden Gun, die sterk op deze scène is gebaseerd.) Ik wist pas op het eind wie de moordenaar was.<br />Deze film is net als garnalen met knoflook en citroen. De schotel richt zich op de zee, hij is subtiel, zuur en scherp, en dat allemaal met veel effect. Dit zijn misschien niet de beste, verse garnalen, maar wel goede, diepvriesgarnalen van Costco. De smaakvolle saus voegt iets toe aan het natuurlijke karakter van de roze garnalen als je een gezond, maar vullend alternatief voor meer alledaagse, alledaagse gerechten op tafel zet. | This 1947 film stars and was directed and written by Orson Welles (with a funky Irish accent) and also stars the gorgeous Rita Hayworth with less appealing short blonde hair. So, I've hung out with Orson before in Touch of Evil and Citizen Kane and the Third Man etc. but this was my first Rita Hayworth interaction. Our first meeting went well, she does a superb job playing the frightened/cagey Elsa, married to a crippled millionaire lawyer. Mike (Welles) and Elsa fall for each other. He wants to run away with her, she doesn't know if she can live without the things money can buy. Elsa, her husband, and his partner bicker and bite, just like the sharks Mike describes attacking each other and his foretelling proves just too true. Several twists and turns follow in this murder mystery as we come to the climax in the fun house. (Think the ending shootout in The Man with the Golden Gun, which borrowed heavily from this scene). I wasn't sure who the murderer was until the end.<br /><br />This movie is like shrimp in garlic and lemon. The dish centers on the sea, it is subtle, sour, and pungent, all to great effect. These might not be the best, fresh shrimp, but good quality frozen shrimp from Costco. The flavorful sauce adds to the naturalness of the pink shrimp as you fill up on a healthy, but filling alternative to more mundane, common fare. 7/10 http://blog.myspace.com/locoformovies | 1pos
|
The Lady From Shanghai is een vreemde film, zelfs naar de maatstaven van de eminente regisseur Orson Welles, wiens laatste Hollywoodfilm dit al vele jaren was. Het is een soort postmoderne film noir, gemaakt in de periode dat meer conventionele films van dit type heel populair waren, en het gaat over een gelukkige Ierse zeeman (gespeeld door Welles) die een mysterieuze dame ontmoet (Rita Hayworth, die in die tijd met Welles getrouwd was) en haar kreupele en waarschijnlijk impotente echtgenoot, met een intellectuele, boosaardige geestdrift gespeeld door Everett Sloan. Er volgt een lange zeereis, met Welles op sleeptouw als lijfwacht, en de plot wordt ingewikkelder als Sloan's vrouw met haar man meegaat. Welles' compagnon (Glenn Anders) komt opdagen en begint problemen te maken door rare toespraken te houden over zelfmoord en andere morbide onderwerpen die doen vermoeden dat de man op het punt staat een zenuwinzinking te krijgen. Er ontstaat een moordcomplot en Welles en zijn opdrachtgevers ondergaan allerlei rampen, en op dat moment raakt het verhaal, dat tot nu toe in een rustig tempo is verteld, uit de bocht, en het laatste deel van de film bestaat uit briljante regieaanwijzingen die in de film te pas lijken te zijn gekomen om de film iets van de kracht en de urgentie te geven die zijn verhaal op zichzelf niet heeft, en het resultaat is een zeer bezienswaardig en vaak aangenaam verhaal dat te allen tijde een onbegrijpelijke puinhoop is. Het is moeilijk te zeggen wat Welles met deze film probeerde te doen, behalve misschien zijn carrière in Hollywood nieuw leven inblazen door een auto voor zijn vrouw te maken. Maar de zelfvernietiging komt tussenbeide, zoals vaak bij Welles, en juffrouw Hayworth heeft er nog nooit zo aantrekkelijk uitgezien. Het lijkt vreemd dat zij ook de rol van femme fatale speelt, want afgezien van haar schoonheid was haar aantrekkelijkste eigenschap als filmpersoonlijkheid beminnelijkheid, een eigenschap die ze in deze film niet bezit. De regisseur zelf is vreemd onaantrekkelijk en hautain op O'Hara, de (vermoedelijk) gemakkelijke zeeman, aangezien Welles, ondanks zijn vele talenten, niet bekendstond als een gemakkelijke man om mee te werken. Dit is een rol die twintig of dertig jaar later door Sean Connery of Robert Shaw tot leven zou zijn gebracht. Welles doet dat niet. De interessantste rol in de film is die van Glenn Anders als Grisby, Sloans gestoorde, verraderlijke compagnon. Anders doet wonderen met die rol en wordt gefotografeerd om er bizar uit te zien, terwijl zijn scènes eindigen met vreemde, wrange noten en vaak slordig zijn bewerkt; maar desondanks slaagt hij erin om Grisby's gestoordheid tastbaar en verontrustend te maken, en verwacht hij, op een beschaafde manier, de meer flamboyante Method-acteurs uit de jaren vijftig, zoals Timothy Carey.<br />Er is een vraag die aan me knaagt over deze film: wat probeerde Welles te zeggen? Hij was een zeer getalenteerde en intelligente man, en hij had de neiging in zijn films uitspraken te doen die, of je het nu met zijn wereldbeeld eens bent of niet, briljant werden verwoord. Ik denk dat ik een antwoord heb, of althans een gedeeltelijk antwoord: Welles vatte zijn filmcarrière samen. Hij was aan het eind van zijn Latijn in de Hollywoodstudio's waar hij zo'n hekel aan had, en dat wist hij. _The Lady From Shanghai_ is niet bepaald een koekje van eigen deeg voor de studiomagnaten van die tijd, maar ik vermoed dat het in zijn portret van de amorele, rivaliserende grote advocaten (lees: producenten) Welles' mening weergeeft over de machthebbers in Hollywood. Welles zelf was beslist een verstokte reiziger, en hij woonde zelden lang op één plaats. Hij werd door een studio ingehuurd om een grote, prestigieuze film te maken (Burger Kane), wat een vuurzee van controverse veroorzaakte waarvan hij nooit helemaal herstelde. Dit is misschien de kwestie die zijn naam niet durft uit te spreken in deze film, wat wil zeggen dat Welles' persoonlijke falen om de schok van zijn nieuwigheid in de filmkolonie niet te boven te komen, en zijn onvermogen om, zoals beloofd, de goederen te leveren, het probleem niet kunnen oplossen. Alleen al het feit dat hij in Hollywood opdook, kon, net als zijn aanwezigheid alleen al in de film, geen rampen voorkomen die ver buiten zijn macht lagen. Dat hij zich in de film voordeed als een vriendelijke, naïeve buitenstaander toont aan dat Welles weinig van zichzelf wist. Hij was veel meer een insider dan hij liet merken, en ik stel me voor dat hij zijn kennis van de wereldwijze aspecten van het leven verachtte, en zichzelf ook omdat hij zoveel wist. | The Lady From Shanghai is weird even by the standards of its eminent director, Orson Welles, whose last Hollywood film this was for many a moon. It's a kind of post-modern film noir made during the period when more conventional films of this type were quite popular, and it concerns a happy go lucky Irish sailor (played by Welles) who falls in with a mysterious lady (Rita Hayworth, who was married to Welles at the time), and her crippled, and probably impotent husband, played with a brainy, malevolent gusto by Everett Sloan. A long sea voyage follows, with Welles in tow as bodyguard, and the plot thickens when Sloan's law partner (Glenn Anders) turns up and starts making trouble by giving odd speeches about suicide and other morbid topics that suggest that the man is on the verge of mental breakdown. A murder plot ensues, and all sorts of calamities follow for Welles and his employers, and at this point the story, fuzzy and told at a leisurely pace thus far, goes off the deep end, and the last part of the film consists of brilliant directorial set-pieces that seem to have been thrown in to give the movie some of the drive and urgency its story does not, by itself, possess, and the result is a very watchable and often pleasing at all times incomprehensible mess.<br /><br />It's hard to know what Welles was trying to do with this film aside from maybe resurrect his career in Hollywood by making a vehicle for his wife. But self-destruction intervenes, as it often does with Welles, and Miss Hayworth has never looked less fetching. That she is also cast as a femme fatale seems peculiar, as aside from her beauty her most appealing trait as a screen personality was lovableness, a quality she does not possess in this picture. The director himself is strangely unappealing and hammy at O'Hara, the (presumably) easygoing sailor, since Welles, for all his many gifts, was not known as an easy man to work with. This is a role that twenty or thirty years later Sean Connery or Robert Shaw might have been able to breath life into. Welles does not. The most interesting performance in the movie is Glenn Anders' as Grisby, Sloan's loony, treacherous law partner. Anders works wonders with the part, and is photographed to look bizarre, while his scenes end on odd, sour notes, and are often choppily edited; but for all this he manages to make Grisby's derangement palpable and disturbing, and anticipates, in a genteel way, the more flamboyant Method actors of the fifties, such as Timothy Carey.<br /><br />There is a question that nags me about this film: what was Welles trying to say? He was a highly talented and intelligent man, and tended to make statements in his movies, which, whether one agrees with his world view or not, were brilliantly put forth. I think I have an answer, or a partial one: Welles was summing up his movie career. He had reached the end of his rope in the Hollywood studio system he despised, and he knew it. The Lady From Shanghai isn't exactly a nose-thumbing at the studio moguls of the day, but I suspect that it is, in its portrait of amoral, rival big shot lawyers (read: producers) expressing Welles' opinion of the power brokers of Hollywood. That he presented himself as a rootless sailor is telling. Welles himself was certainly an inveterate traveler, and he rarely lived in one place for long. He was hired by a studio to provide it with a big, prestigious film (Citizen Kane), which caused a firestorm of controversy from which he never fully recovered. This may be the issue that dares not speak its name in this film, which is to say Welles' personal failure in not getting over the shock of his newness in the movie colony, and his inability to deliver the goods, as promised. The mere fact of him turning up in Hollywood, like his mere presence in the film, could not forestall disasters well beyond his control. That he presented himself in the movie as an amiable, naive outsider shows a lack of self-knowledge on Welles' part. He was much more of an inside player than he let on, and I imagine that he despised his knowledge of the worldlier aspects of life, and himself for knowing so much. | 1pos
|
Het is heel moeilijk te zeggen wat er precies aan de hand was met 'The Lady from Shanghai' en wat de film zonder tussenkomst van de studio geweest zou zijn. Orson Welles' voornaamste belangstelling voor film was op dat moment het vergaren van geld voor zijn theater; in feite was het de financiering van zijn eigen projecten die hem ertoe bracht een acteerbaan te zoeken. Hij maakte 'Lady from Shanghai' voor zijn binnenkort ex-vrouw, Rita Hayworth. Harry Cohn was bang voor Rita's imago en heeft de première van deze film een jaar uitgesteld.<br />De plot gaat over een Ierse zeeman, Michael O'Hara, die verliefd wordt op Else (Hayworth, oogverblindend mooi met kort blond haar). Haar echtgenoot is een bekende strafpleiter, Arthur Bannister (Everett Sloane), die vanbinnen net zo verminkt is als vanbuiten. Hij huurt O'Hara in om op zijn jacht te werken, en daar wordt O'Hara steeds dieper in een web van moord en bedrog getrokken.<br />'The Lady from Shanghai' beweegt zich met een slakkengang, hoewel ik het eens ben met een van de posters waarop wordt geklaagd dat films tegenwoordig de tijd nemen om een plot op te bouwen. Toch sleept deze film zich voort. De scène in de lachspiegel is fantastisch <0xE2><0x80><0x93> maar Welles wilde het zonder muziek, en ik geloof dat de studio het heeft geschrapt. Het is jammer. De hele film is oogverblindend, sfeervol, brutaal en heel stijlvol. <br />Welles was een uitstekend acteur, knap in zijn jeugd, charismatisch en met een prachtige stem en techniek, maar in veel films is het bijna alsof hij zichzelf niet vertrouwt of niet de tijd neemt om een personage te ontwikkelen. In plaats daarvan vertrouwt hij op uiterlijke kenmerken als accenten en nepneuzen. Een van de weinige keren dat hij dat niet deed, was in 'Tomorrow is Forever', waar de regisseur hem een voortreffelijke, diep doorvoelde uitvoering ontlokt. Vergelijk dat met 'Dwang', waarin hij laat zien dat hij een meester is in puur technisch acteren terwijl hij tijdens zijn optreden opbelt. Hier doet Welles een viervoudige plicht <0xE2><0x80><0x93> als regisseur, ster, co-schrijver en verteller. Een totaal onnodig accent en een intense blik waren een snelle manier om hem te karakteriseren. Niettemin is hij altijd fascinerend.<br />De bijrollen zijn uitstekend, met inbegrip van Sloan en Glenn Anders. Hayworth, beeldschoon en met een zachte stem (haar zang werd opnieuw getypeerd door Anita Ellis) is zoals gewoonlijk een godin en een van de hoofdrolspelers op het witte doek. Wat een triest leven voor zo'n levendige schoonheid.<br />Elke film die door Orson Welles is geregisseerd, is de moeite van het bekijken waard, en 'The Lady from Shanghai' is geen uitzondering. Maar deze film maakt de kijker gefrustreerd, net als 'The Magnificent Ambersons' <0xE2><0x80><0x93> net als al het werk dat Welles in de studio deed. Hij was een groot kunstenaar die vrijer had moeten regeren; dat deed hij niet. Hij was een vreemde tegenstrijdigheid <0xE2><0x80><0x93> hij had meer vrijheid nodig, maar zoals blijkt uit sommige van zijn latere werk, had hij de structuur van de studio nodig. Helaas, hij kon het niet allebei hebben. | It's very hard to say just what was going on with "The Lady from Shanghai" and what the film could have been without studio interference. Orson Welles' prime interest in film at this point was to raise money for his theater; indeed, funding his own projects is what drove him to seek out acting jobs. He made "Lady from Shanghai" for his soon to be ex-wife, Rita Hayworth. Harry Cohn was fearful for Rita's image and held back the release of this movie for one year.<br /><br />The plot concerns an Irish sailor, Michael O'Hara, who falls in love with Else (Hayworth, stunning with short blond hair). Her husband is a well known criminal attorney Arthur Bannister (Everett Sloane) who is as crippled on the inside as he is out. He hires O'Hara to work on his yacht, and there O'Hara is drawn deeper and deeper into a web of murder and deceit.<br /><br />"The Lady from Shanghai" moves at a snail's pace, though I agree with one of the posters that films today are criticized for taking time to build a plot. Still, this movie drags. The scene in the fun house is fantastic - Welles wanted it without music, though, and I believe the studio cut it down. It's a shame. The photography throughout is stunning, atmospheric, bold, and very stylish.<br /><br />Welles was an excellent actor, handsome in his youth, charismatic and possessing a magnificent voice and technique, but in many films, it's almost as if he doesn't trust himself or doesn't take the time to develop a character. Instead he relies on externals such as accents and fake noses. One of the only times he didn't do this was "Tomorrow is Forever," where the director gets an excellent, deeply felt performance out of him. Contrast that with "Compulsion" where he shows he is a master of pure technical acting as he phones in his performance. Here Welles is doing quadruple duty - as director, star, co-writer and narrator. Sporting a completely unnecessary accent and looking intense was a fast way to a characterization. Nevertheless, he is always compelling.<br /><br />The supporting players are excellent, including Sloan and Glenn Anders. Hayworth, gorgeous and soft-voiced (her singing was again dubbed by Anita Ellis) is as usual a complete goddess and one of the great screen presences. What a sad life for such a vibrant beauty.<br /><br />Any film that Orson Welles directed is worth seeing, and "The Lady from Shanghai" is no exception. But this one leaves the viewer frustrated, as does "The Magnificent Ambersons" - as does any work that Welles did within the studio system. He was a great artist who should have been given a freer reign; he wasn't. He was a strange dichotomy - he needed more freedom, but as is evidenced by some of his later work, he needed the structure of the studio. Alas, he couldn't have both. | 1pos
|
Ondanks het feit dat ik dol ben op Rita Hayworth, dat ik de laatste paar scènes van de film intrigerend vind en dat ik een paar van de subtielere'symbolische' aspecten van de filmografie kan waarderen, was The Lady from Shanghai niet echt een succes voor me. Ik had een probleem met de meeste optredens, het script en de algehele structuur. En in een film waarin de meeste mensen in verschillende situaties met elkaar praten, is dat nogal een probleem. The Lady from Shanghai eindigde voor mij op een heel lage 'C', of een 7.<br />The Lady from Shanghai gaat in feite helemaal over het personage van Orson Welles, Michael O'Hara. O'Hara ziet Elsa 'Rosalie' Bannister (Rita Hayworth) in Central Park tijdens een ritje in een rijtuig en valt op haar. Later redt hij haar van een beroving en ze begint op hem gesteld te raken. O'Hara is een zeeman uit Ierland en de globetrottende Elsa heeft toevallig een jacht met haar echtgenoot, Arthur (Everett Sloane), een zeer beroemde en machtige advocaat uit Californië. Ze halen O'Hara over om voor hen te komen werken, ondanks zijn aanvankelijke bedenkingen; het lijkt hem, en het publiek, dat Elsa alleen maar op zoek is naar iemand om een verhouding mee te hebben, en O'Hara wil er niet bij betrokken raken.<br />Kort nadat ze aan hun jacht zijn gaan werken, verschijnt er een vreemde man, George Grisby (Glenn Anders), die zegt dat hij Arthurs partner is, in een haven en begint problemen te veroorzaken. Hara in een zeer dubieus en gevaarlijk plan te betrekken. Dom genoeg stemt O'Hara ermee in. Natuurlijk brengt het hem behoorlijk in de problemen, en uiteindelijk wordt er een aantal mysteries onthuld.<br />Misschien liggen mijn problemen met de film in het feit dat ik tot nu toe niet bepaald een grote fan van Orson Welles ben, en hier produceert, schrijft, regisseert en consumeert hij het grootste deel van de filmtijd. Ik heb nog lang niet het merendeel van Welles' werk gezien, maar ik heb de neiging zijn latere films leuker te vinden, toen hij wat meer campy en gekunsteld werd. Ik ben bijvoorbeeld dol op F for Fake (Vérités et mensonges, 1974), en ik vind zelfs zijn optreden in Casino Royale (1967) wel aardig, toen hij er op een bizarre manier op stond om goocheltrucs te mogen doen aan een baccarattafel, maar Citizen Kane (1941) heeft me nooit veel opgeleverd, hoewel ik er in de loop der jaren wel 3 of 4 keer op heb gegokt (waaronder een jaar geleden; mijn score was een lage 7 <0xE2><0x80><0x93> net als mijn huidige score voor The Lady from Shanghai).<br /><br />Welles' optreden en de dialoog die hij voor zichzelf heeft geschreven komen op mij over als geaffecteerd en pretentieus. Hij is een beetje een spraakwaterval, een beetje een lomperd en een beetje monotoon <0xE2><0x80><0x93> hij klinkt meestal alsof hij leest. Zijn optreden deed me denken aan wat ik heb gezien van Welles' versie van Moby Dick (in 1999 op IMDb geregistreerd, maar 'voltooid' in 1971), en Orson Welles: The One-Man Band (1995), waarin hij alleen maar voor de camera lijkt te lezen en gelooft dat hij van nature, subliem dramatisch is. Ik ben ook iemand die bijna nooit klaagt over accenten, maar op de een of andere manier slaagt Welles erin om zijn Ierse accent ook voor mij geaffecteerd en pretentieus te laten klinken.<br />Wat de andere optredens betreft, kan ik alleen maar zeggen dat ik vond dat Hayworth het uitstekend deed. Natuurlijk is ze beeldschoon, en dat kan geen kwaad. Veel oogverblindend mooi. Net als Welles leek Sloane me ook een beetje geaffecteerd en pretentieus <0xE2><0x80><0x93> ik heb zijn karakter, zijn handicap enzovoorts nooit helemaal kunnen doorzien, en Anders is gewoon bizar waar bizar niet lijkt te passen. Welles filmt hem vaak van dichtbij en Anders heeft bijna altijd een overdreven, manische uitdrukking op zijn bezwete gezicht.<br />The Lady from Shanghai is structureel gezien erg onevenwichtig. De eerste 50 minuten of zo zijn buitengewoon saai en soapachtig, hoewel de soap-opera-aangelegenheden meestal vanuit een kronkelige indirecte benadering worden benaderd. Als Grisby zijn plan eenmaal heeft voorgesteld, gaat het een beetje beter en meestal ook beter naarmate het einde nadert. Maar tegen de tijd dat The Lady from Shanghai een misdaad/mysteriefilm wordt, is het dat ook.' Het is te weinig en te laat, en het verandert al snel in een rechtszaaldrama voor het plotselinge, opwindende einde dat bijna uit het niets komt en veel te snel voorbij is vanwege de relatieve snelheid ervan.<br />Het einde is actiegerichter, de dialogen zijn minder monotoon, de setting is gevarieerder en exotischer, en soms is het nogal abstract. Welles is als regisseur heel bedreven met die combinatie van materialen. Als The Lady from Shanghai voornamelijk een combinatie zou zijn van misdaad/mysterie en een kunstzinnig einde, zou het op zijn minst een 9 zijn geweest. De laatste scènes zijn een 10, want Welles schakelt van een Hitchcockiaanse thriller in een Chinees operagebouw in San Francisco naar een andere thriller in een Chinees pretpark. De climax in het spookhuis is een experimentele film. Hij past goed in het script, omdat hij een complexe resolutie toestaat en een hoop symboliek voedt.<br />De film is in alle opzichten interessant, ook al kan hij de problemen op de voorgrond meestal niet goedmaken. Welles bouwt de scènes vakkundig op. Er zijn veel aantrekkelijke locaties, van Central Park tot Acapulco en verschillende locaties in San Francisco. Welles creëert effectieve symbolische achtergronden voor zijn actie, van de geaccentueerde hoogten en steile afdalingen van Acapulco tot de doolhofachtige Caribische straten, de prachtig ingelijste en van silhouetten voorziene opnamen van het San Francisco Aquarium enzovoort. Het romantische materiaal, waarvoor het Aquarium als achtergrond fungeert, wordt gedurende de hele film op een interessante manier getemperd door een soort onbehagen, maar aan de andere kant maakt dat de romantiek nooit echt romantisch.<br />Er zijn vast en zeker serieuze Welles-fans die The Lady uit Shanghai veel meer zullen waarderen dan ik, en het is natuurlijk een horloge waard als je van Rita Hayworth houdt. The Lady uit Shanghai is niet bepaald een vreselijke film, maar hij komt gevaarlijk dicht in de buurt van niet 'passen'. Ga voorzichtig verder. | Despite loving Rita Hayworth, finding the final few sequences of the film intriguing and being able to appreciate some of the subtler "symbolic" aspects of the cinematography, The Lady from Shanghai didn't quite work for me. I had a problem with most of the performances, the script and the overall structure. And in a film that's mostly people talking with each other in various situations, that's quite a problem. The Lady from Shanghai ended up at a very low "C", or a 7, for me.<br /><br />The Lady from Shanghai is really all about Orson Welles' character, Michael O'Hara. O'Hara sees Elsa "Rosalie" Bannister (Rita Hayworth) in Central Park on a carriage ride and hits on her. Later, he saves her from a mugging and she takes a shine to him. O'Hara is a seaman from Ireland and the globetrotting Elsa happens to own a yacht with her husband, Arthur (Everett Sloane), a very famous and powerful California defense attorney. They talk O'Hara into working for them, despite his initial reservations--it seems to him, and to the audience, that Elsa is just looking for someone to have an affair with, and O'Hara doesn't want to get involved.<br /><br />Shortly after going to work on their yacht, a strange man, George Grisby (Glenn Anders), who says he's Arthur's partner, shows up at a port of call and begins stirring up trouble. Eventually, Grisby asks O'Hara to enter into a very dubious and dangerous scheme. Foolishly, O'Hara agrees. Naturally it gets him into quite a bit of trouble, and eventually, a number of mysteries are revealed.<br /><br />Maybe my problems with the film lie in the fact that, so far, I'm not exactly a huge fan of Orson Welles, and here, he produces, writes, directs and consumes most of the screen time. I haven't seen anywhere near the majority of Welles' work yet, but I've tended to like his later films better, when he became a bit more campy and performance-arty. I love F for Fake (Vérités et mensonges, 1974) for example, and I even kind of like his performance in Casino Royale (1967), when he bizarrely insisted on being allowed to do magic tricks at a baccarat table, but Citizen Kane (1941) never did much for me, despite giving it 3 or 4 chances over the years (including about one year ago; my rating was a low 7--the same as my current score for The Lady from Shanghai).<br /><br />Welles' performance and the dialogue he's written for himself come across as affected and pretentious to me. He's a bit of a motormouth, a bit of a boor, and a bit monotone--he tends to sound like he's reading. His performance reminded me of what I've seen of Welles' version of Moby Dick (listed on IMDb as 1999, but "completed" in 1971, it can also be seen in Orson Welles: The One-Man Band (1995)), where he seems to be just reading to the camera and believing that he's inherently, sublimely dramatic. I'm also someone who almost never complains about accents, but somehow Welles manages to make his Irish accent sound affected and pretentious to me, too.<br /><br />As for the other performances, I can only say I thought Hayworth did an excellent job. Of course she's gorgeous, which doesn't hurt. Plenty of eye candy here. Like Welles, Sloane also seemed a bit affected and pretentious to me--I never quite bought his character, his handicap and so on, and Anders is simply bizarre where bizarre doesn't seem to fit. Welles often shoots him in close-up and Anders almost always has some over-exaggerated, manic expression on his sweaty face.<br /><br />Structurally, The Lady from Shanghai is very uneven. The first 50 minutes or so are extremely bland and soap-operatic, although the soap opera ministrations tend to be approached from a tortuous oblique. Once Grisby introduces his scheme, things pick up a bit, and mostly improve as we near the end. But by the time The Lady from Shanghai becomes a crime/mystery film, it's too little too late, and it quickly turns into a courtroom drama before the sudden, thrilling ending that comes almost out of nowhere and is over far too quickly for its relative excellence.<br /><br />The ending is more action-oriented, less-dialogue heavy, more varied and exotic in settings, and at times, fairly abstract. Welles handles that combination of material skillfully as a director. If The Lady from Shanghai would have been a largely a combination of the crime/mystery stuff and the arty ending, it could have easily been at least a 9. The final scenes are easily 10s, as Welles shifts from a Hitchcockian suspense scene in a San Francisco Chinese opera house to another suspense scene in a Chinese amusement park. The funhouse climax uses cinematography that was experimental for its time. It's well integrated with the script, as it allows a complex resolution and fuels a lot of symbolism.<br /><br />The cinematography throughout is interesting, even if it usually can't make up for the problems in the foreground. Welles blocks scenes with skill. There are lots of attractively filmed settings, from Central Park to Acapulco to various San Francisco locations. Welles effectively creates symbolic backdrops for his action, from the emphasized heights and precipitous drops of Acapulco to the maze-like Caribbean streets, the beautifully framed and silhouetted shots of the San Francisco Aquarium, and so on. The romance material, for which the Aquarium serves as one backdrop, is interestingly tempered with a kind of unease throughout the film, but on the other hand, that makes the romance never quite work as romance.<br /><br />Surely serious Welles fans will appreciate The Lady from Shanghai much more than I did, and of course it's worth a watch if you love Rita Hayworth. The Lady from Shanghai isn't exactly a terrible film, in my view, but it's dangerously close to not "passing". Proceed with caution. | 1pos
|
Het geniale van Orson Welles maakt deze film tot een van de beste. Welles wordt bij een moordcomplot betrokken en wordt vervolgens als zondebok gebruikt, wat hij met de sarcastische opmerking 'grote stommeling die ik ben' laat doorschemeren. Het complot is zo ingewikkeld dat ik nog steeds niet weet of het slachtoffer wist dat zijn leven op het punt stond verloren te gaan. De schietpartij in de spiegeltent is een van de meest verbazingwekkende scènes die ooit zijn gefilmd. Die scène alleen al is de toegangsprijs waard. Dit is de enige keer dat Rita Hayworth een complexe maar geloofwaardige rol heeft gespeeld. Alleen Welles zou het lef hebben gehad om haar haar af te knippen en koperblond te verven. Niemand zou deze foto moeten missen. | Pure Orson Welles genius makes this one of the greatest of movies. Welles is drawn into a murder conspiracy only to be set up as the fall guy, which is what he refers to with the sarcastic comment "big dummy that I am." Plot is so complex that I still don't know whether the victim knew that his life was about to be lost. The shootout scene in the carnival hall of mirrors is one of the most amazing ever filmed. That scene alone is worth the price of admission. This is the only time that Rita Hayworth ever played a complex yet believable character. No one but Welles would have had the nerve to cut her hair and dye it brassy blond. No one should miss this picture. | 1pos
|
Keurig ingeklemd tussen THE STRANGER, een kleine film noir die bewees dat Welles een formidabele film kon maken op budget en tijd, en ironisch genoeg zijn grootste kassucces in de jaren veertig bewees, en MACBETH, een no-budget Shakespeare-bewerking die in 23 dagen in oude westerns werd opgenomen, komt THE LADY VAN SHANGAI, een donkere film noir die geweven is uit hetzelfde weefsel van Wellesiaanse mythos dat de hoofdrol speelt in THE MAGNIFICITEIT ARKADIN en elke andere film die de regisseur niet uit de klauwen van studiobazen wist te redden. <br /><br />Zes jaar na de film Mallese Falcon, toen de naoorlogse rage van de film noir in volle gang was, zag Welles, die zijn tijd altijd vooruit was, een ware visionaire regisseur met een ongelooflijke artistieke integriteit, een labyrintische wereld van schaduwen voor zich die al donkerder, sinisterder, paranoïde en kronkelig is dan alles wat zijn tijdgenoten destijds deden. Het is geen wonder dat de film destijds zo verkeerd werd begrepen, zo erg zelfs dat een vol uur film voor altijd in de montagekamer bleef liggen, en het was opnieuw Europa dat hem als een klassieker van Welles beschouwde.<br />Bepaalde stukken vallen op. De scène in het aquarium met het flikkerende licht en de onheilspellende schaduwen, en natuurlijk de finale in Funhouse/Hall of Mirrors, die net zo'n klassiek voorbeeld is van Wellesiaanse bravoure als die in Citrine of het proces. De enige fouten die ik in de film aantref zijn Welles' onbezonnen Ierse accent en misschien een deel van de onregelmatige montage in de eerste akte. Het verhaal ontvouwt zich echter op een steeds fascinerender manier, die door de geknipte stukken alleen maar intenser wordt. Ik geloof trouwens dat de zwaar aangezette versies van Shangai en Ambersons een surrealistische kwaliteit krijgen. <br /><br />Welles zou zichzelf tien jaar lang naar Europa verbannen en in 1958 terugkeren om de zoveelste klassieker af te leveren, de monumentale _Touch of Evil_, misschien wel het kroonjuweel van de film noir die tegen die tijd al aan zijn einde liep. Shangai was niet het kassucces dat Hollywoods eerste ster van die tijd, Rita Hayworth, had moeten zijn, en het huwelijk van Welles en Hayworth liep al stuk voordat de film zelfs maar was uitgebracht. Zestig jaar later en een uur film minder, is Shangai nog steeds een van de beste film noirs die je kunt tegenkomen. Dat moet toch iets betekenen. | Neatly sandwiched between THE STRANGER, a small film noir picture that proved Welles can do a formidable genre work on budget and on time and ironically proved his biggest box office success in the forties, and MACBETH, a no-budget Shakespeare adaptation shot in old western shets in 23 days, comes THE LADY FROM SHANGAI, a dark film noir woven from the very same fabric of Wellesian mythos that covers THE MAGNIFICENT AMBERSONS, MR. ARKADIN and any other film the director didn't manage to save from the clutches of studio bosses.<br /><br />Six years after THE MALTESE FALCON, with the post-war craze of the film noir in full swing, Welles, always ahead of his time, a true visionary director of tremendous artistic integrity, envisioned a labyrinthine world of shadows that is already darker, more sinister, paranoid and serpentine than anything his contemporaries were doing at the time. It's no wonder the movie was so misunderstood at its time, to the point that one full hour of footage was forever left in the cutting room floor, and it was once again Europe that championed it as another Welles classic.<br /><br />Certain set-pieces stand out. The aquarium scene with its flickering light and ominous shadows, and of course the Funhouse/Hall of Mirrors finale that is as classic a piece of Wellesian bravura as any in CITIZEN KANE or THE TRIAL. The only faults I find with the movie is Welles' ill-advised Irish accent and perhaps some of the erratic editing in the first act. The story however unfurls in a progressively mesmerizing manner, which the cuts only serve to intensify. I believe the heavily chopped versions of Shangai and Ambersons attain a surreal quality for that matter.<br /><br />Welles would exile himself in Europe for ten years and return in 1958 to deliver yet another stonewall classic, the monumental TOUCH OF EVIL, perhaps the crowning jewel of the film noir that was already in its waning days by that time. Shangai was not the box office success a star vehicle for Hollywood's premiere star of the time, Rita Hayworth, ought to have been, and Welles marriage with Hayworth ended before the movie was even released. Sixty years later and one hour of footage less, Shangai is still one of the best film noir pictures one is likely to discover. Surely that must count for something. | 1pos
|
Het is niet zo'n geweldige film als veel mensen denken (onder wie wijlen mijn tante, die zei dat het haar lievelingsfilm was). Maar dankzij de betere delen van deze film noir, met name die terecht beroemde finale, heeft de Lady van Sjanghai een meer dan belangrijke positie verworven als sleutel tot de sage van Orson Welles' falen om Hollywood te veroveren.<br />In 1946 was Welles' positie als Hollywood-figuur gemengd. CITYZANE werd niet erkend als de grote film die hij sindsdien is geworden, omdat hij werd aangevallen door de pers van Hearst en door insiders in Hollywood. Zijn pogingen om de totale controle te krijgen (over de regie, de productie en het acteerwerk) van zijn films leken een bedreiging te vormen voor het hele systeem. Zijn beste rol in die tijd was die van Edward Rochester in Jane Eyre, zogenaamd gespeeld door Robert Stevenson, maar in werkelijkheid grotendeels gespeeld (met Stevensons zegen) door Welles. Maar de eer ging naar Stevenson. Alleen _The Stranger_, een film die profiteerde van een naoorlogse belangstelling voor vluchtende nazi-oorlogsmisdadigers, maakte winst. Vijf jaar lang was het nauwelijks een groots record.<br />Welles keerde in 1946 terug naar Broadway, in de hoop zijn kritische vermogens te herwinnen met zijn productie van _Over the World in 80 days_. Maar ondanks de hulp van Mike Todd en Cole Porter bij het componeren van de muziek was de musical een mislukking. Zijn mislukking vond plaats op hetzelfde moment dat zijn vrouw, Rita Hayworth, op het hoogtepunt van haar carrière was met haar vertolking van gilda. Het huwelijk liep dus ook op de klippen.<br />Welles moest geld verdienen <0xE2><0x80><0x93> zijn Broadway-productie had tot zijn persoonlijke faillissement geleid. Hij verkocht zijn belang in de mogelijke filmrechten van _A Round the World_ aan Todd (waar hij uiteindelijk spijt van zou krijgen), en hij verkocht ook het idee van een film over de carrière van Henri Desire Landru aan Charlie Chaplin, die de regie zou krijgen (en er _MONSIEUR VERDOUX_ van maakte).<br />Het verhaal gaat dat Welles een winst van 10.000 dollar maakte. Met de belastingaangifte om zich zorgen over te maken belde Welles Cohn op en bood aan een film met Rita te maken als aanbetaling op een film. Cohn was bereid dat te doen, maar vroeg natuurlijk wat voor film het was. Dat was een verstandige vraag. Welles stond in een telefooncel in New York, in een apotheek met een boekenafdeling. Hij pakte een boek met de titel DE VRIJHEID VAN SHANGHAI en riep dat het een geweldige thriller was. Op de een of andere manier wist Welles de anders zo slimme Cohn ervan te overtuigen dat Welles wist waar hij het over had. Cohn zei dat hij zou kijken of hij de rechten kon krijgen en stuurde Welles zijn aanbetaling van 10.000 dollar. Nadat Cohn had opgehangen, kocht Welles het boek en las het <0xE2><0x80><0x93> en ontdekte dat het eigenlijk heel slecht was. Hij besteedde veel tijd aan het herschrijven van een behandeling en een scenario dat Rita's personage van Elsa Bannister zou opbouwen.<br />Het verhaal heeft in elk geval een merkwaardige plot. Michael O'Hara is een zeeman en havenarbeider. Hij redt Elsa Bannister, die kennelijk in een park in San Francisco door gangsters is aangevallen. Elsa is getrouwd met Arthur Bannister (Everett Sloane), een invalide strafpleiter met een uitstekende reputatie. Ze haalt hem over om Michael in te huren als schipper van hun jacht. Op de cruise zijn ook Bannister's sinistere partner George Grisby (Glenn Anders) en ene Sidney Broome (Ted De Corsia) aanwezig, die een detective blijkt te zijn die door Bannister is ingehuurd om Elsa in de gaten te houden. Wanneer ze maar even tijd hebben, proberen Michael en Elsa tijd met elkaar door te brengen, maar Broome of Grisby komt steeds weer opdagen.<br />Grisby doet Michael een aanbod: hij wil (om redenen die te maken hebben met zijn zogenaamde fatalistische kijk op de moderne maatschappij) ermee ophouden en doen alsof hij dood is. Volgens Grisby (de plot wordt hier onduidelijk) kan hij nog steeds zijn levensverzekering innen (hoewel dood?) en die gebruiken om naar de Stille Zuidzee te vluchten. Hij zal Michael 10.000 dollar betalen als hij doet alsof hij Grisby doodschiet. Dit geldt ook voor het daadwerkelijk ondertekenen van een document waarin de moord wordt toegegeven (Michael beseft niet dat zo'n bekentenis de noodzaak om een lijk te vinden zou wegnemen als al het andere bewijsmateriaal erop wijst dat Grisby waarschijnlijk dood is).<br />Natuurlijk wordt Grisby vermoord, en daarvoor wordt Michael gearresteerd, en ook voor de moord op Broome (met Michaels pistool doodgeschoten). Michael wordt berecht door Bannister, die hem verdedigt, en ontdekt dat Bannister een tweederangs rol speelt omdat hij wil dat Michael wordt veroordeeld. Michael is ervan overtuigd dat Bannister de eigenlijke moordenaar is, en weet net voor de uitspraak van de jury te ontsnappen. Hij wordt bewusteloos geslagen en op een verlaten kermis gedeponeerd, en dit leidt naar het beroemde 'paradijs'. Het is een vreselijk verwarrende film (zoals ik al eerder heb opgemerkt). Dat wil niet zeggen dat hij niet de moeite waard is om te zien <0xE2><0x80><0x93> visueel is hij opvallend. Kijk maar naar het gevecht tussen Michael en de politie in de kamer van de rechter, waar hij de deurwaarder tegen de boekenkast van de rechter gooit en het glas versplintert. Of naar het slimme gebruik van de fotografie om Hayworth te vangen die van een rots af duikt, weerspiegeld in de verrekijker van de wellustige Grisby.<br />Het acteerwerk is vrij goed, vooral dat van Sloane (misschien wel de beste filmrol van die voortreffelijke acteur). Glenn Anders was een van de beste acteurs van Broadway. Hij maakte maar zelden een film vóór de Lady van Shanghai, en zijn slijmerige Grisby is onvergetelijk. En Ted De Corsia doet het ook heel goed bij Broome, een rechercheur die in feite op zoek is naar zijn eigen interesses, tot zijn eigen schade en schande.<br />Wat Hayworth betreft, zij levert een prestatie af die heel anders is dan de meeste films die ze daarvoor heeft gemaakt (BLOED EN ZAND, TALES OF MANHATTAN en THE STRAWBERRY BLOND zijn uitzonderingen) en is een gedenkwaardige sirene. Welles' O'Hara is een heel ongebruikelijk personage voor de acteur, een sympathieke maar naïeve man die door schade en schande leert om niet te geloven wat hij stiekem wel wil geloven. Het is niet als in KANE, AMBERSOMS, OTHELLO, TOUCH OF EVIL, of CHIMES IN MIDNIGHT, maar desondanks is het een goede film. | It is not as great a film as many people believe (including my late aunt, who said it was her favorite movie). But due to the better sections of this film noir, particularly that justifiably famous "fun house" finale, THE LADY FROM SHANGHAI has gained a position of importance beyond it's actual worth as a key to the saga of Orson Welles' failure to conquer Hollywood.<br /><br />By 1946 Welles' position as a Hollywood figure was mixed. CITIZEN KANE was not recognized as the great movie it has since been seen as due to the way it was attacked by the Hearst press and by Hollywood insiders themselves. Welles' attempt at total control (direction and production and acting) of his movies seemed to threaten the whole system. His best job in this period was as Edward Rochester in JANE EYRE, supposedly shot by Robert Stevenson, but actually shot in large measure (with Stevenson's blessing) by Welles. But the credit went to Stevenson. Only THE STRANGER, a film benefiting from a postwar interest in fleeing Nazi war criminals, made a profit. For five years in Hollywood it was barely a great record.<br /><br />Welles returned to Broadway in 1946, hoping to recapture his critical abilities by his production of AROUND THE WORLD IN 80 DAYS. But despite the assistance Mike Todd, and Cole Porter composing the score, the musical was a failure. His failure occurred just at the same time that his wife, Rita Hayworth, was on the rise with her portrayal of GILDA. So the marriage was going on the rocks as well.<br /><br />Welles had to make money - his Broadway production had led to his personal bankruptcy. He sold his interest in the possible movie rights to AROUND THE WORLD to Todd (which he would eventually rue), and he also sold the idea of a film about the career of Henri Desire Landru to Charlie Chaplin, who was supposed to be directed in it (and who turned it into MONSIEUR VERDOUX).<br /><br />The story goes that Welles, with a $10,000.00 tax bill to worry about, called Cohn and offered to do a film with Rita for a down payment. Cohn was willing to do so, but naturally asked what the film was. It was a wise question. Welles was on a pay phone in New York in a pharmacy that had a book department. He grabbed a book with the title THE LADY FROM SHANGHAI, and raved that it was a great thriller. Somehow Welles convinced the normally astute Cohn that Welles knew what he was talking about. Cohn said he'd look into getting the rights, and sent Welles his down-payment of $10,000.00. After Cohn hung up Welles bought the book and read it - and found it was really pretty bad. He spent time rewriting a treatment and screenplay that would build up Rita's character of Elsa Bannister.<br /><br />Certainly it has a curious plot development. Michael O'Hara is a seaman/longshoreman. He rescues Elsa Bannister, when she is apparently attacked by gangsters in a park in San Francisco. Elsa is married to Arthur Bannister (Everett Sloane) a crippled criminal lawyer with a great reputation. She convinces him to hire Michael as the skipper of their yacht. The cruise also contains Bannister's sinister partner George Grisby (Glenn Anders) and one Sidney Broome (Ted De Corsia) who turns out to be a detective hired by Bannister to watch Elsa. When they can Michael and Elsa try to find time together, but Broome or Grisby keeps showing up.<br /><br />Grisby makes Michael an offer - he wants (for reasons connected to his so-called fatalistic view of modern society) to drop out of it, pretending to be dead. According to Grisby (the plot becomes murky here) he can still collect his life insurance (although dead?) and use it to run off to the South Seas. He will pay Michael $10,000.00 if he will pretend to shoot Grisby. This includes actually signing a document admitting to the murder (Michael does not realize that such an admission would wipe out the need to produce a corpse if all the other evidence suggests that Grisby is probably dead).<br /><br />Of course Grisby is killed, and Michael is arrested for that, and for the murder of Broome (shot with Michael's gun). Michael is tried with Bannister defending him, and discovers that the latter is doing a second rate job because he wants Michael to be convicted. Michael is convinced that Bannister is the actual murderer, and manages to escape just before the jury verdict. He is knocked out and deposited in a deserted carnival, and this leads to the famous "fun house" sequence and the conclusion of the film.<br /><br />It's a terribly confusing movie (as I have had commented on). That does not mean it's not worth seeing - visually it is striking. Witness the fight between Michael and the police in the trial judge's quarters, where he knocks the bailiff into the judge's bookcase, shattering glass. Or the clever use of photography to capture Hayworth diving from a rock, reflected on the lecherous Grisby's binoculars.<br /><br />The acting is pretty good, in particular Sloane (possibly that fine actor's best film role). Glenn Anders was a leading Broadway performer. He rarely made movies before THE LADY FROM SHANGHAI, and his slimy Grisby is unforgettable. Also Ted De Corsia does very nicely with Broome - a detective who is really looking for his own interests, to his own cost.<br /><br />As for Hayworth, she turns in a performance that was unlike most of what she had done before (BLOOD AND SAND, TALES OF MANHATTAN, and THE STRAWBERRY BLOND are exceptions), and is a memorable siren. Welles' O'Hara is a very unusual character for the actor - a likable but naive man who learns the hard way not to believe what he secretly wants to believe. It's not KANE, AMBERSOMS, OTHELLO, TOUCH OF EVIL, or CHIMES AT MIDNIGHT, but it is a good film for all that. | 1pos
|
De Lady uit Shanghai is het bewijs dat het grote genie Orson Welles een'mainstream'-film zou kunnen regisseren als hij dat zou willen. Vergeleken met zijn andere, artistiekere werken heeft deze film slechts een gematigde mate van vakmanschap, en bijna geen esoterische elementen.<br />De uitzondering is natuurlijk de laatste scène in de spiegelzaal, die algemeen wordt beschouwd als een van de grootste scènes in de geschiedenis van de film. Alleen al deze scène is de kosten van een huurfilm waard.<br />De aangename verrassing was de voortreffelijke acteerprestaties van de mooie Rita Hayworth. Haar acteerwerk in het begin en midden van de film is zo voortreffelijk dat ze de andere acteurs als karikaturen in plaats van karakters liet verschijnen. Zelfs de grote meneer Welles. | THE LADY FROM SHANGHAI is proof that the great genius Orson Welles could direct a "mainstream" movie if he wanted to. By comparison to his other, more artistic works, this film has only a moderate amount of craftiness, and almost no esoteric elements.<br /><br />The exception being, of course, the final scene in the hall of mirrors, widely agreed to be one of the greatest scenes in the history of film. It alone is worth the cost of a rental.<br /><br />The sweet surprise was the superb acting by the beautiful Rita Hayworth. Her acting during the beginning and middle of the film is so excellent, she made the other actors appear as caricatures instead of characters. Even the great Mr. Welles. | 1pos
|
In veel van zijn films (Citizen Kane, Confidential Report, Touch of Evil) gaf Orson Welles hem de rol van een uitbundig man. In 'The Lady from Shanghai' is het de enige keer dat ik hem de rol van het slachtoffer zie spelen. De rol van de schuldige gaf hij aan Rita Hayworth, ik denk omdat hij verliefd op haar was. Daarom is het een interessante film. Maar ik vind het verhaal ook uitstekend. De regie is geniaal, zoals gewoonlijk bij Welles: twee scènes zijn bijzonder briljant: die in het aquarium en de laatste met de spiegels. Deze film is briljant. | In a lot of his films (Citizen Kane, Confidential Report, Touch of evil) Orson Welles gave him the role of an exuberant men. In "The Lady from Shanghai" it's the only time I see him holding the role of the victim. The role of the culprit, he gave it to Rita Hayworth, I guess it's because he was in love with her. Therefore, it's an interesting film. But I find the story excellent too. The direction is genius, as usual with Welles : two scenes are particularly brilliant: the one in the aquarium and the final one with the mirrors. This film is brilliant.(10/10) | 1pos
|
Een recensent merkt op dat het er niet toe lijkt te doen wat Welles daadwerkelijk zegt of doet, hij raakt je. Daar ben ik het mee eens. Hij was en is nog steeds een unieke kracht in de film. Meer dan een drievoudige dreiging die kon acteren, schrijven en regisseren, had hij een genie dat uniek was voor de film. Je kunt je afvragen of hij in een vroeger tijdperk schilder zou zijn geweest. Deze film versterkt die indruk in elk geval. Een musicus, een theateracteur, een erfgenaam van Shakespeare? Het is moeilijk te zeggen, maar ik ben erg dankbaar dat zijn tijd met film is vastgelegd en hij hem op film heeft vastgelegd. Ik vind het accent mooi. Ik vind het gezicht, de lengte, de stijl, de geest en de spelletjes mooi. Ik hou van al zijn films en ik wou dat er meer waren. Ik vind het vooral geweldig hoe andere acteurs op de film met hem omgingen. Velen waren nooit beter of in elk geval op de een of andere manier anders met hem omdat hij er zo stevig in zat. Zelfs tegen het eind, toen zijn schoonheid geruïneerd was, misschien door zijn eigen opzet, was hij onmogelijk te negeren en maakte hij elke scène waar hij in speelde. Rita was een beeldschone blondine <0xE2><0x80><0x93> een Lana Turner-achtig uiterlijk, maar misschien nog mooier en zelfs dan gaat je oog naar Welles en wens je nog een minuut, nog een film, nog een uur in zijn gezelschap. Daarom zouden we allemaal willen dat we de snippers konden vinden die uit zijn films zijn geknipt, omdat we weten, omdat we allemaal weten, dat geen enkel deel van hem onze tijd niet waardig is. Kijk ernaar en wees dankbaar voor de kans. | One reviewer notes that it does not seem to matter what Welles actually says or does, he moves you. I concur. He was and remains a unique force in film. More than a triple threat who could act, write and direct, he had a genius uniquely suited to film. One can consider whether in an earlier age he would have been a painter. This film certainly reinforces that impression. A musician, a theatre actor, an heir to Shakespeare? hard to tell but I am very grateful that his time cam with film and he have him captured on film. I like the accent. I like the face, the size, the style, the mind and the games. I love all of his movies and wish there were more. I particularly love how other actors interacted with him on film. Many were never better or at least somehow different with him because he was o firmly there. Even towards the end when his beauty was ruined, perhaps by his own intent, he was impossible to ignore and he made every scene he was in. Rita was a gorgeous blonde -- a Lana Turner look alike but perhaps even lovelier and even then the eye goes to Welles and one wishes for another minute, another film, another hour in his company. That is why we all wish we could come upon the lost scraps cut from his films because we know, we all know, that there is not part of him not worthy of our time. Watch it and be grateful for the chance. | 1pos
|
Ik heb geen onderzoek gedaan naar de film voordat ik hem voor het eerst zag, omdat hij deel uitmaakte van een Welles-boxset die ik onlangs had gekocht. Een boxset die ik voornamelijk heb gekocht omdat ik A Man For All Seasons wilde bezitten en ook Waterloo opnieuw wilde evalueren. Dus stop ik Orson en Rita in de speler en word ik in gelijke mate getrakteerd op klasse en verwarring.<br />Op het eerste gezicht leek het verhaal eenvoudig: man ontmoet beeldschone vrouw en redt haar van een stel schurken, ze klikken meteen en de man krijgt een aanbod om mee te gaan op een cruise met de vrouw en haar beroemde echtgenoot, een advocaat, en dan...<br />... wordt het een moordmysterie, een complot van duivels en veel streken. Michael O'Hara (Orson Welles die zichzelf uitkleedt) weet niet echt wat er aan de hand is, hij is net zo in de war als de kijker, en dat is geweldig om te zien, want hij wordt door zo'n beetje iedereen in de film meegesleept. Het is duidelijk dat hij aan zijn hart wordt getrokken door een femme fatale van zo'n schoonheid als Elsa Bannister (Rita Hayworth-film heeft zijn momenten, maar je weet gewoon dat de dingen een andere wending zullen nemen.<br /><0x3E><0x3E> Er gebeuren zo veel prachtige dingen in de film dat hij helemaal in de visuele stijl van Welles is, je ziet een scène in een aquarium die prachtig is, en het einde van een lachfilm is majestueus op het oog. Hara is vrolijk zichzelf aan het bespotten, en we krijgen wat lichte verlichting door een rechtszaak met Everett Sloane die de procedure aanzienlijk verlicht.<br />Toch is de film een curiositeit, en in feite is het een krakkemikkige kijkervaring, omdat ik er pas achter kwam toen de bazen van de studio de film zo'n beetje een heel uur hadden onderbroken, en dat is niet alleen frustrerend voor ons als kijkers, maar ook oneerlijk ten opzichte van Welles. Ik ben ervan overtuigd dat een volledige originele versie van deze film op grote schaal zou zijn geprezen en vereerd, want het is een heel goede en intrigerende film, die helaas alleen maar zinspeelt op grootsheid, maar toch een duivels boeiende film blijft die ik' Ik ben blij dat ik toegeef er nog eens over na te denken. | I did no research on the film prior to my first viewing of it because it was part of a Welles box set I had recently purchased. A box set I chiefly got because I wanted to own A Man For All Seasons and to also re-evaluate Waterloo. So I stick Orson and Rita in the player and I'm treated to class and confusion in equal measure.<br /><br />On the surface the story seemed a simple one, man meets gorgeous woman and saves her from a couple of thugs, they click straight away and man gets offer of work on a cruise with woman and her famous lawyer husband, and then.............<br /><br />..well it becomes murder mystery of plotted devilment and much shenanigans. Michael O'Hara (Orson Welles} himself doesn't really know what is going on, he is as confused as the viewer is, and that is wonderful to watch as he is pulled all over the place by pretty much everyone in the film. Obviously being pulled by the heart strings by a femme fatale of such beauty as Elsa Bannister (Rita Hayworth} has its moments, but you just know that things are going to go pear shaped.<br /><br />So many wonderful things in the film, it has Welles visual style all over it, see a scene in an aquarium that is marvellous and the ending sequences in a fun house is majestic on the eye. The narration from O'Hara is joyously self mocking, and we get good light relief by way of a court case with Everett Sloane considerably lighting up proceedings.<br /><br />Yet the film is an oddity, and in fact it's a choppy viewing experience, because {as I was to find out after} studio bosses cut the film by pretty much a whole hour, and that is just not only frustrating to us the viewer, but unfair on Welles' vision. I'm positive that a full original cut of this film would have been lauded and revered wholesale, as it is tho, we have a very good and intriguing film, one that sadly only hints at greatness, but remains a fiendishly engrossing film that I'm glad I own to revisit further. 8.5/10 | 1pos
|
'The Lady from Shanghai' staat bekend als een van de meest problematische Hollywoodproducties. Welles' oorspronkelijke rol werd door de producenten ingepikt en aan flarden gescheurd. Dit maakte het toch al warrige mysterie nog moeilijker bij te houden. Ze hebben een groot deel van zijn dialogen een andere titel gegeven vanwege het Ierse accent, en de nabootsing is maar al te duidelijk en slecht gedaan. Het meest rampzalige van alles is dat Welles en zijn collega op het witte doek en de hoofdrolspeelster in het echte leven, Rita Hayworth, uit elkaar vielen in hun relatie, en dat hun tumultueuze chemie op het witte doek te zien is.<br />Gelukkig wordt dit allemaal overschaduwd door de fantastische regie van Orson Welles. Hij maakt de film ongelooflijk stijlvol en sfeervol <0xE2><0x80><0x93> elke scène lijkt van het scherm op je rug te ademen. De personages en scènes zijn ook zo bizar dat ze aan een droom lijken en surrealistisch aanvoelen. Dit gevoel van bizarheid verheft scènes die je vaak in dit soort films ziet, zoals de scènes in de rechtszaal in het midden. Ik vind rechtbankdrama's meestal saai, maar Welles' regie en grillige touches maken ze net zo fascinerend als al het andere. Het einde op de kermis doet me bijna aan David Lynch denken.<br />Het acteerwerk is ook heel goed. Ondanks hun slechte relatie geven Welles en Hayworth allebei een fatsoenlijke voorstelling <0xE2><0x80><0x93> hun interacties zijn alleen een beetje gebrekkig. Maar alle anderen zijn fantastisch en heerlijk om naar te kijken, vooral Everett Sloane en Glenn Anders. 'The Lady from Shanghai' heeft natuurlijk zijn problemen, maar het is de moeite waard om naar te kijken, alleen al om een van de meesters van de film op zijn best te zien. | "The Lady from Shanghai" is well known as one of Hollywood's most troubled productions. Welles' original cut was taken away by the producers and cut to ribbons. This made the already muddled mystery story even more difficult to keep track of. They post dubbed a good amount of his dialog because of the density of the Irish accent, and the dubbing is all too apparent and poorly done. Most disastrous of all, Welles and his on screen and real life leading lady Rita Hayworth were falling apart in their relationship, and their tumultuous chemistry comes through on screen.<br /><br />Fortunately, this is all overcome by just how fantastic Orson Welles' direction is. He makes the film incredibly stylish and atmospheric - every scene just seems to be breathing down your back from the screen. Also, the characters and scenes are so bizarre they border on dreamlike and surreal. This sense of weirdness elevates scenes that are often found in these films, such as the courtroom sequences in the middle. I typically find courtroom dramas a bore, but Welles' direction and quirky touches make them just as fascinating as everything else. The ending at the carnival reminds one of David Lynch almost.<br /><br />The acting here is also very good. Despite their failing relationship, Welles and Hayworth both give decent performances - their interactions however are just a bit lacking. Everyone else is superb and delightful to watch though, especially Everett Sloane and Glenn Anders. "The Lady from Shanghai" obviously has its problems, but its worth watching just to see one of cinema's masters at his finest. (8/10) | 1pos
|
Een man-ding is naar mijn mening een hilarische, geestige, sexy, romantische en absoluut beeldschone meidenfilm waar ook mannen van zullen genieten. Ik vond Jason Lee en Julia Stiles oogverblindend als een verbijsterde aanstaande bruidegom en zijn aanstaande sexy aangetrouwde neef. Als je het mij vraagt, lichtten ze het scherm als bij toverslag op. Je kunt ook de chemie tussen hen voelen. Voordat ik dit afrond, wil ik graag zeggen dat de uitvoeringen van topkwaliteit waren, dat de regie perfect was, dat de productie goed was, dat de casting perfect was en dat de kostuums perfect waren ontworpen. Tot slot wil ik nog zeggen dat ik deze film aan iedereen aanbeveel die een fan is van Jason Lee of Julia Stiles. Dus ga naar de videotheek, huur of koop hem, ga met een vriend naar de film en kijk ernaar. | In my opinion, A GUY THING is a hilarious, witty, sexy, romantic, and totally beautiful chick flick that guys will also enjoy. I thought that Jason Lee and Julia Stiles dazzled as a bewildered groom-to-be and his soon-to-be sexy cousin-in-law. If you ask me, they lit up the screen like magic. You can also feel their chemistry between them. Before I wrap this up, I'd like to say that the performances were top grade, the direction was flawless, the production design was nice, the casting was perfect, and the costumes were perfectly designed. In conclusion, to anyone who's a fan of Jason Lee or Julia Stiles, I recommend this movie. You're in for lots of laughs and thrills, so, go to the video store, rent it or buy it, kick back with a friend, and watch it. | 1pos
|
Een paar dagen geleden keek ik toevallig naar die film terwijl ik de kanalen afzocht. Mijn verwachtingen waren niet erg hooggespannen, maar het was een interessante film. In 'A Guy Thing' speelt Jason Lee Paul, een rechtgelijnde kerel uit Seattle die op het punt staat te trouwen met zijn verloofde Karen (Selma Blair) en zich neerlegt bij een onbelemmerd leven van huiselijk geluk. We ontmoeten Paul voor het eerst op zijn vrijgezellenfeest, waar hij geen enkele behoefte heeft om deel te nemen aan de normale vrijgezellenactiviteiten die zijn (verrassend weinig) vrienden aanmoedigen, voor het geval hij een beetje ondeugend is en in de problemen raakt met zijn aanstaande problemen en ruzies. Natuurlijk, voor Paul het weet is het de ochtend na de avond ervoor, hij...' Hij ligt in bed met een naakte hoeladanseres, en zijn schoonmoeder belt om hem te vertellen dat Karen onderweg is. O, en de hoeladanseres is Karens nicht Becky (Julia Stiles).<br />Uit deze kleine eikel van mogelijke problemen groeit een machtige eik van jachtig ongeluk, terwijl Paul van de ene ramp naar de andere klautert en probeert te verbergen wat hij heeft gedaan, terwijl hij de schijn van een plichtsgetrouwe, op zijn gezin gerichte, brave jongen probeert op te houden, die super enthousiast is over zijn aanstaande huwelijk. Zijn pogingen om ervoor te zorgen dat Karen niets te weten komt over mogelijke misstappen van zijn kant, dwingen Paul ironisch genoeg steeds dichter naar de pretentieuze Becky toe, hem dwingend zich af te vragen of hij het leven dat voor hem is uitgestippeld wel wil. De film bevat de juiste mengeling van komedie en romantiek. Absoluut een horloge waard. | I happened to watch this movie by chance some days ago while flipping channels. My expectations were not very high but it was an interesting movie.In 'A Guy Thing', Jason Lee plays Paul, a straight-laced, Seattle-based fellow who is about to marry his fiancée Karen (Selma Blair) and settle down to an unchallenging life of middle-class domesticity. We first meet Paul at his bachelor party, where he professes no desire to engage in any of the normal bachelor party type activities his (surprisingly few) buddies encourage, in case he's a bit naughty and gets into hot bother with his soon to be trouble and strife. Of course, the next thing Paul knows, it's the morning after the night before, he's in bed with a naked hula dancer, and his mother-in-law phones to inform him that Karen is on her way over. Oh, and the hula dancer is Karen's cousin Becky (Julia Stiles).<br /><br />From this small acorn of potential trouble grows a mighty oak of frenetic misfortune, as Paul scrabbles from misadventure to misadventure, trying to cover up what he's done whilst keeping up the appearance of being a dutiful, family-oriented good guy, who's super-excited about his forthcoming nuptials. His efforts to ensure Karen remains none the wiser about any potential wrong-doing on his part ironically forces Paul closer and closer to the fun-loving Becky, forcing him to question whether he really wants the life that seems to have been mapped out for him. The movie contains the right mix of comedy and romance. Definitely worth a watch. | 1pos
|
Ik denk dat deze film een lage beoordeling heeft gekregen omdat hij werd beoordeeld op zijn slechtste momenten. Er is een grap over diarree en een g<0xC3><0xAA>nante notenkrakende scène, maar afgezien daarvan zijn er heel wat momenten waar ik hardop om moest lachen. Jason Lee speelt een of andere prachtige, subtiele komedie en Julia Stiles weet zelf ook verdomd grappig te zijn. Afgezien daarvan gedraagt deze film zich zoals de meeste romantische komedies: na ongeveer 40 minuten weet je hoe hij zal aflopen. (Wat beter is dan de meeste, waar je het na 5 minuten al weet.) Hoe dan ook, betere films om naar te kijken maar beslist niet de slechtste... Cheers. | I think this movie got a low rating because it got judged by it's worst moments. There is a diarrhea joke and an embarrassing nut-scratching scene, but apart from that there are actually quite a few moments that made me laugh out loud. Jason Lee is performing some wonderfully subtle comedy in this movie and Julia Stiles manages to be pretty damn funny herself. Apart from that this movie behaves like most romantic comedies, after about 40 minutes into it you know how it is going to end. (Which is better than most of them, where you already know after +/- 5 minutes). Anyway, better movies to watch but definitely not the worst pick...Cheers | 1pos
|
Recapitulatie: de ochtend na zijn vrijgezellenfeest wordt Paul wakker gemaakt door zijn aanstaande schoonmoeder en ontdekt dat er een vrouw naast hem ligt te slapen. Helaas is het een serveerster van de bar, en niet zijn verloofde. En plotseling duikt ze overal op... in het tolhuisje op de snelweg en tijdens het etentje bij zijn schoonouders. En het is moeilijk om een geheim te bewaren als haar jaloerse ex-vriend hem heeft laten volgen en fotograferen. Het gaat niet alleen om het redden van zijn huwelijk... het gaat om overleven.<br />Commentaar: Eigenlijk veel beter dan verwacht. Niet de lieve, romantische komedie die ik had verwacht, maar iets veel grappigers, iets met een scherp randje. Deze film was niet bang om de grappen wat verder door te voeren. En Jason Lee weet hoe hij komedie moet spelen, vooral als zijn personage half in paniek is en diep in de problemen zit, zoals nu. En hij kreeg veel steun van de mooie dames Julia Stiles en Selma Blair. En ik vond eigenlijk dat Lochlyn Munro een mooie rol speelde als de ex.<br />Dus meer nadruk op komedie dan op romantiek, en het eindresultaat was goed. Ik heb er erg van genoten.<br /><br />7/10/10. | Recap: The morning after his bachelor party Paul is woken by his mother-in-law-to-be and discovers that there is a woman sleeping beside him. Unfortunately its a waitress from the bar, and not his fiancée. And suddenly she turns up everywhere... the toll booth at the freeway and at his parent-in-laws dinner. And it is hard to keep a secret when her jealous ex-boyfriend had him followed and photographed. It is not only about saving his wedding... it is about survival.<br /><br />Comments: Actually much better than expected. Not the sweet romantic comedy I expected, but something much funnier, something with a little edge. This movie wasn't afraid to take the jokes a little further. And Jason Lee does now how to deliver comedy, especially when his character is half-panicked and deep in trouble, as he is here. And he got nice support from beautiful ladies Julia Stiles and Selma Blair. And actually I thought Lochlyn Munro did a nice part as the ex.<br /><br />So, more emphasis on comedy than romance, and the end result was good. I enjoyed it very much.<br /><br />7/10 | 1pos
|
Paul (Jason Lee) is een streber die toevallig verloofd is met een prinses van het type A, Karen (Selma Blair). Ze kiest zijn kleren en zijn dagindeling. Op zijn vrijgezellenfeest wordt Paul een beetje te dronken en op de een of andere manier brengt hij een mooie danseres, Becky, (Julia Stiles) naar zijn kamer terug. 'Er is niets gebeurd', zoals ze zeggen, maar het duo wordt wel in hetzelfde bed wakker. Plotseling belt Karen. Ze is op weg naar Pauls appartement. Begrijpelijkerwijs werkt Paul Becky de deur uit, hoewel hij haar onderbroek laat liggen. Maar er staat hem nog meer leuks te wachten. Bij een familiediner bij Karens ouders thuis loopt Paul Becky weer tegen het lijf en hoort dat ze Karens nicht is. Over uitleggen gesproken! Maar in plaats daarvan verkiest Paul te doen alsof hij een maagprobleem heeft en verbergt hij zich in de badkamer. Zal Karen er ooit achter komen dat Becky bij Paul heeft overnacht? En wat zullen de gevolgen zijn? Het spijt me voor de recensenten die dit soort films afkraken. Ze zouden beslist wat vrolijker moeten worden, want deze film is fris en grappig. Het kan natuurlijk geen kwaad dat Lee een ontzettend grappige man is, dat Stiles een charmante schoonheid is en dat Blair een natuurtalent is als knappe, maar anale verloofde. De rest van de cast, onder wie James Brolin en Julie Haggerty, is ook heel aardig. De film ziet er fantastisch uit, net als de kostuums en de Californische omgeving. Het beste van alles is dat het script fantasierijk en geïnspireerd is en het publiek flink aan het lachen maakt. Kortom, als je de spreekwoordelijke grappige kantjes eraf wilt halen, moet je deze film vanavond zien. Het is dan misschien geen materiaal voor een Academy Award, maar het is absoluut gegarandeerd dat je van een slechte dag een verdomd goede kunt maken. | Paul (Jason Lee) is an underachiever who just happens to be engaged to a type-A princess named Karen (Selma Blair). She chooses his clothes and his daily schedule. At his bachelor party, Paul gets a little too drunk and somehow ends up taking a pretty dancer named Becky (Julia Stiles) back to his digs. "Nothing happened", as they say, but the duo do wake up in the same bed. Suddenly Karen telephones. She's on her way to Paul's apartment. Understandably, Paul hustles Becky out of the place, although her underpants are left behind. But, there is even more fun ahead. At a family dinner at Karen's parents' home, Paul runs smack into Becky again, learning that she is Karen's cousin. Talk about some explaining to do! But, instead, Paul chooses to feign a stomach problem and hides out in the bathroom. Will Karen ever find out that Becky spent the night at Paul's place? And, what will be the consequences? I'm sorry for critics who pan movies like this. They should definitely lighten up, for this film is fresh and fun. Of course, it doesn't hurt matters that Lee is a consummate funny man, Stiles is a charming beauty or that Blair is a natural as a pretty but anal fiancée. The rest of the cast, including James Brolin and Julie Haggerty, is also quite nice. The look of the film is wonderful, as are the costumes and California settings. Best of all, the script is imaginative and inspired, creating big laughs for the audience. In short, if you want to tickle the proverbial funnybones, get this movie tonight. It may not be Academy Award material but it is absolutely guaranteed to turn a bad day into a darn good one. | 1pos
|
Wat zou je zeggen van een man die op het punt stond te trouwen en zijn vrijgezellenfeestje met een paar van zijn beste vrienden in een Hawaïaanse bar vierde? Alles koek en ei tot hij zijn 'vrijgezellenhoed' afzet. Wat zou je zeggen van een man die met een van de suggestieve danseressen praat en dan met haar naar bed gaat? Wat zou je zeggen als dat meisje precies de nicht van zijn geldschieter was? Een nieuw dieptepunt, nietwaar? Nou, Paul Coleman, die komisch gespeeld wordt door Jason Lee, leidt deze ervaring van een misselijkmakende waas en een nieuw dieptepunt. Ik moet zeggen dat dit een van zijn goede hoofdrolrollen is. Maar ik geloof wel dat zijn rol in Vanilla Sky beter geacteerd was. Karen wordt gespeeld door de op-en-neer actrice Selma Blair, terwijl het personage van Karen, Becky, wordt gespeeld door de lieftallige en getalenteerde Julia Stiles. Om terug te komen op waar we gebleven waren, Paul heeft nu te maken met het ene opspelende probleem na het andere. Hij krijgt ziektes, krijgt te maken met bepaalde mensen en moet zijn leugenspelletjes heimelijk spelen, anders zou elk lid van elk van de families een brief kunnen krijgen, inclusief een van zijn familieleden die al 14 dagen geen 'boem' heeft gehad. Al met al is _A Guy Thing_ heel grappig en het kan ermee door. Soms lijkt het verhaal nergens heen te gaan en krijg je genoeg van de scènes hier en daar, maar het is een gemengde film. En als je een Canadees bent en een mede-fan van de sitcom _ Corner Gas_, zou je een kleine rol herkennen die gespeeld wordt door Fred Ewanuick, dezelfde man die de hilarische Hank speelt in de serie. Deze film kan ermee door. Het is weer een pluim op Lee's hoed (maar tot nu toe een heel lege hoed).<br /><br />Mijn cijfer: 7/10<br />Eliason A. | What would you say about a man who was about to get married and was having his bachelor party with some of his closest friends at a Hawaiian guy bar? All smooth sailing until he takes his "bachelor hat" off. What would you say about him talking to one of the suggestive dancers and then sleeping with her? What would you say if that exact girl was the cousin of his finance? A new low, right? Well Paul Coleman, played comically by Jason Lee, leads this experience of a nauseous blur and a new low. I got to say this is one of his good leading roles. However I do believe his role in Vanilla Sky was better acted.<br /><br />His finance named Karen is played by the up-and-down actress Selma Blair while Karen's character, Becky, is played by the lovely and talented Julia Stiles. Getting back to where we left off, Paul now has to deal with one arising problem to another. He gets diseases, has to deal with certain people, and has to play his lie games with stealth or any member of each of the families could get P.O'ed, including one of his relatives that hasn't had a "bowel movement" for 14 days. *Vomit* All of this leads to the long awaited wedding with one hilarious scene before it recapping all the hell that Paul and his brother had to go through.<br /><br />Overall, A Guy Thing is quite funny and is all right. Sometimes the story may seem to go nowhere and you get tired of scenes here and there but it's a mixed movie. And if you're a Canadian and a fellow fan of the CTV Brett Butt sitcom, Corner Gas, you'd recognize a small role played by Fred Ewanuick, the same man who plays the hilarious Hank in the series. This movie is all right. It's another feather in Lee's hat (quite an empty hat so far, however).<br /><br />My Rating: 7/10<br /><br />Eliason A. | 1pos
|
Ik denk dat het bij deze film zo is dat er ongeveer 2 minuten zijn met echt heel grappige momenten en dat het een heel goede trailer is en dat er een heleboel mensen binnenkwamen met verwachtingen van de trailer en dat de film deze keer niet aan de trailer voldoet. Hij is een beetje sloom en sleept zich een beetje traag voort voor zo'n opwindend uitgangspunt, en ik denk dat ik uit de commentaren opmaak dat mensen een haat-liefdeverhouding met deze film hebben.<br />Maar als je naar deze film kijkt om wat hij is en niet wat hij had kunnen zijn gezien het talent van de cast, denk ik dat hij nog steeds behoorlijk goed is. Julia Stiles is duidelijk de ster, ze is...' Ze is zo lichtzinnig en zorgeloos dat ze opgaat in de conformiteit van alle anderen, ze straalt gewoon en het hele publiek wordt samen met Lee verliefd op haar. De rest van de cast natuurlijk, Lees met testosteron gevulde collega's, zijn elegante schoonmoeder, zijn corpsballenvriend Jim en zijn aanstaande bruid, ze passen allemaal uitstekend in de stereotypen van conformiteit en saaiheid die Stiles in eerste instantie opvallen.<br />Lee overtreft zijn tegenspelers niet, denk ik, maar je zou kunnen zeggen dat het moeilijk is om ze te overtreffen. Misschien is dat een bron van teleurstelling.<br />De film zelf, ondanks een beetje traagheid en een paar grappen die niet zo best zijn. Het komt er net zo grappig uit als de bedoeling van de schrijver was, het is nog steeds behoorlijk grappig, en ik vond een tamelijk intelligente film. De thema's van conformiteit en 'de veilige weg kiezen' leken op een slimme manier op verschillende niveaus samen te vallen. Zo was er het hele motief van hoe hij scenario's zou bedenken maar er nooit op zou reageren tot de laatste scène, of hoe hij op de snelweg naar een radioprogramma luisterde dat praatte over hoe iedereen zich conformeert, of hoe alles wat de personages van selma blair en julia stiles zeiden en deden werd weerkaatst door die thema's: de ene persoon is de veilige keuze en de andere is de riskante keuze. Het andere goede aan de film was dat het een soort maffe komedie was waarin Jason Lee zich door de film heen moet blijven liegen en wie door stom geluk (voorbeeld: de man van de apotheek die een goede kok blijkt te zijn) en een beetje slimheid van zijn kant er grotendeels mee wegkomt.<br />Hoewel het niet zo grappig was als ik had verwacht en er een beetje verspild talent in voorkwam, is het over het algemeen nog steeds een goede film. | I think the deal with this movie is that it has about 2 minutes of really, really funny moments and it makes a very good trailer and a lot of people came in with expectations from the trailer and this time the movie doesn't live up to the trailer. It's a little more sluggish and drags a little slowly for such an exciting premise, and i think i'm seeing from the comments people having a love/hate relationship with this movie.<br /><br />However, if you look at this movie for what it is and not what it could have been considering the talent of the cast, i think it's still pretty good. Julia Stiles is clearly the star, she's so giddy and carefree that set among the conformity of everyone else, she just glows and the whole audience falls in love with her along with Lee. The rest of the cast, of course, Lee's testosterone-filled coworkers, his elegant mother-in-law, his fratlike friend Jim and his bride-to-be all do an excellent job of fitting into stereotypes of conformity and boringness that make Stiles stand out in the first place. <br /><br />Lee doesn't live up to his costars, i don't think, but you could view that as more that they're hard to live up to. Maybe that's one source of disappointment.<br /><br />The movie itself, despite a bit of slowness and a few jokes that don't come off as funny as the writer's intended, is still pretty funny and I found a rather intelligent film. The themes of conformity and "taking the safe route" seemed to cleverly align on several layers. For example, there was the whole motif of how he would imagine scenarios but would never act on them until the last scene, or how he was listening to a radio program on the highway talking about how everyone conforms, or just how everything selma blair and julia stiles' characters said and did was echoed by those themes of one person being the safe choice and one being the risky choice.<br /><br />The other good thing about the movie was that it was kind of a screwball comedy in which Jason Lee has to keep lying his way through the movie and who through dumb luck (example: the pharmacy guy turning out to be a good chef) and some cleverness on his part gets away with it for the most part.<br /><br />While it wasn't as funny as i expected and there was a little bit of squandered talent, but overall it's still a good movie. | 1pos
|
Eerst een snel 'Hou je kop!' tegen degenen die zeggen dat deze film waardeloos is. Je kunt niet naar elke film gaan en dan verwachten dat je Citizen Kane te zien krijgt. Dit was eigenlijk een leuke film. Jason Lee is goed in alles wat hij doet. De enige tekortkoming in deze film is dat ik denk dat er niet genoeg chemie was tussen Lee en Julia Stiles. Daar hadden ze meer bij stil moeten staan. Afgezien daarvan is het een leuke film. Selma Blair moet iets eten. Ik maak me zorgen om haar. Maar ze ziet er nog steeds mooi uit. Dus ja, ik kan deze film aanbevelen voor een date of voor een lichte zaterdagmiddag lol. Ga maar kijken.<br /><br />RATING: 1/2 uit 2****. | First a quick 'shut up!' to those saying this movie stinks. You can't go to every movie expecting 'Citizen Kane'. This was actually a fun movie. Jason Lee is good in everything he does. The only flaw in this movie is, I don't think there was enough chemestry between Lee and Julia Stiles. They should have dwelled more on that. Other than that, the movie is good fun. Selma Blair needs to eat something. She's worrying me. But she still looks beautiful. So yes, I recommend this movie for a date or light saturday afternoon fun. Go see.<br /><br />RATING: **1/2 out of **** | 1pos
|
Deze film begint fris, heeft een paar langzame momenten in het midden, maar beweegt zich over het algemeen goed, heeft een paar heel goede momenten en houdt dan op aan het eind van het derde bedrijf. Ik heb dit 2 keer kunnen zien in premières in L.A. (met 2 verschillende eindes). Jason Lee is een ster, maar hij is niet de hoofdrolspeler van morgen. Hij heeft gevoel voor humor en weet zich staande te houden, maar hij kan beter dienen als ondersteunende acteur. Julia Stiles doet het 'oké' in een komedierol, nieuw voor haar, maar ze steelt deze film niet, zoals een ster van haar kaliber zou moeten doen. Voor een actrice die zoveel mogelijkheden heeft (10 Things, Save the Last Dance, O), is het moeilijk om haar rollen te zien spelen die zo 'gemiddeld' zijn, en haar dan niet de rol te zien aannemen en er met de film vandoor te gaan (zoals Daniel Day-Lewis in 'Gangs'). Selma Blair is ook een goede, jonge actrice, en ze doet 'ok'. Ik had niet verwacht dat ze een prijs van de academie zou krijgen, en die heeft ze ook niet gekregen, maar ze deed het goed. Chris Koch maakt nog een film die 'bovengemiddeld' is. Misschien ligt het probleem meer in het script dan in iets anders. Ik vond deze film 'leuk'! Maar het is geen film waarin je wegloopt en zegt: 'Dat was geweldig!'... Dit'verhaal' is niet echt. De scène van het oefendiner was waarschijnlijk de beste van de film, en Larry Miller geeft een ongelooflijke vertolking in een bijrol (hij zou wel eens de beste verrassing van de film kunnen zijn). Als je een film wilt zien die je een paar keer aan het lachen maakt en je een leuke avond bezorgt, kan ik deze film nog steeds aanbevelen, maar als ze het einde niet hebben veranderd... alweer... ga dan tijdens de scène in de kerk, anders zul je vast en zeker teleurgesteld zijn. | This movie starts out brisk, has some slow moments in the middle, but generally moves along well, has a few very good moments, then peters out at the end of Act 3. I was able to get to see this in LA premieres 2 times (with 2 different endings). Jason Lee is a star, but he is not tomorrows leading man. He is humorous and holds his own, but he is better served as a supporting actor. Julia Stiles does 'ok' in a comedy role, new for her, but she doesn't 'steal' this movie, the way a star of her caliber should. For an actress who has so much potential(10 Things, Save the Last Dance, O), it is hard to watch her continue to do roles that are so 'average', and then not have her take the role and run away with the movie (like Daniel Day-Lewis did in 'Gangs'). Selma Blair is a good young actress as well, and does an 'ok' job. I didn't expect an academy award performance from her, and she didn't deliver one, but, her performance was adequate. Chris Koch delivers another film that is 'above average'. Perhaps the problem lies in the script more than anything else. I 'did' like this movie! But, it is not a movie where you walk away and say...'that was great!'...This 'story' has been done so many times before and there was just not much new here. The rehearsal dinner scene was probably the best in the movie, and Larry Miller gives an incredible performance in a supporting role (he could be the best surprise of the film). If you want to go see a movie that will make you laugh a few times, and have an enjoyable evening, I can still recommend this film, but unless they have changed the ending...again...leave during the church scene, or you will surely be disappointed. | 1pos
|
Ik bereidde me letterlijk voor om deze film te haten, dus geloof me als ik zeg dat deze film de moeite waard is om te zien. Het verhaal en de grappen zijn over het algemeen gekunsteld, maar de film heeft de charme en de finesse om ze uit te voeren. Die grap waarin Jason Lee denkt dat hij krabben heeft en probeert zijn baas/toekomstige schoonvader en collega's niet te laten zien dat hij zichzelf krabt, is niet erg intelligent, maar ik moest er vreselijk om lachen. Er zijn maar heel weinig grappen in de film met een intellectuele ondertoon, maar ze maakten me aan het lachen. Zoals ik al zei, de film heeft charme en charme kan heel ver komen.<br />De personages zijn ook aardig. Ik moet zeggen dat ik wou dat ik meer van James Brolin te zien kreeg. De rol van Selma Blair is nauwelijks onsympathiek te noemen, want in de weinige scènes waarin hij voorkwam, was hij een lachebekje. Bovendien heb ik bewondering voor elke romantische komedie die het lef heeft om het personage van de echtgenote (die als obstakel in de plot fungeert) niet tot een complete heks te maken. Het personage van Selma Blair is nauwelijks onsympathiek te noemen, en er is nooit een scène geweest waarin ik bij mezelf dacht: waarom wilde hij eigenlijk met haar trouwen? Het einde is Hollywood-achtig, maar het had veel sentimenteler kunnen zijn.<br />De cast is getalenteerd. Van het grootste deel van het werk van Jason Lee heb ik geen gunstige kijk gehad. Ik heb alleen zoveel van hem gehouden in de films van Kevin Smith dat ik niet kon...' Het kan niet anders of ik ben teleurgesteld als ik hem in die stomme rollen zie. En hij ziet er nooit uit alsof hij zich op zijn gemak voelt in die stomme rollen. Zelfs in deze film ziet hij er niet helemaal op zijn gemak uit, maar hij levert zijn eigen bijdrage en speelt elke scène met succes. Toch mis ik zijn werk in onafhankelijke films. Julia Stiles bewijst weer waarom ze zo verdomd sympathiek is. Natuurlijk is ze een heel mooi meisje met een stralende glimlach die me bijna doet flauwvallen, maar ze bezit ook een unieke charme en lijkt een goede persoonlijkheid te hebben. Met andere woorden, ze is vanbinnen en vanbuiten een schoonheid. Ik weet niet hoe de actrices heten, maar de vrouw die de dronken oma speelt is hilarisch. Julie Hagerty heeft ook een kleine rol en het is altijd leuk om naar haar te kijken, waardoor ik zou willen dat ze een betere rol kreeg. Ik hield zoveel van haar in 'Airplane' en 'Lost in America' dat het jammer is dat ze niet dezelfde kansen krijgt om met haar vaardigheden te pronken.<br />Laat je niet afschrikken door de afschuwelijke trailers en nog afschuwelijker kassuccessen. Dit is een grappige, charmante film. Romantische komedies worden tegenwoordig zo voorspelbaar dat je het gevoel krijgt dat het genre op het punt staat door de plee gespoeld te worden, dus is het altijd leuk om een goede te zien tussen al die rotte appels.<br />Mijn score: 7 (van de 10) | I was literally preparing to hate this movie, so believe me when I say this film is worth seeing. Overall, the story and gags are contrived, but the film has the charm and finesse to pull them off. That gag where Jason Lee thinks he has crabs, and tries not to let his boss/future father-in-law and co-workers see him scratching himself isn't terribly intelligent, but it sent me into a frenzy of laughter. Very few of the film's gags are high-brow, but they made me laugh. As I said, the film has charm and charm can go a long way. <br /><br />The characters are likable, too. I must say I wish I got to see more of James Brolin's character, since he was a hoot in the very few scenes he was in. Plus, I admire any romantic comedy that has the guts to not make the character of the wife (who serves as the obstacle in the plot) a total witch. The Selma Blair character is hardly unlikable, and there's never a scene where I thought to myself, "Why did he want to marry her in the first place?" The ending is Hollywood-ish, but it could've been much more schmaltzy. <br /><br />The cast is talented. I haven't had a favorable view of most of Jason Lee's mainstream work. I just loved him so much in Kevin Smith's films that I couldn't help but feel disappointed at seeing him in these dopey roles. And he never looks comfortable in these dopey roles. Even in this movie, he doesn't look perfectly comfortable, but he contributes his own two cents and effectively handles each scene. But I still miss his work in independent films. Julia Stiles proves again why she's so damn likable. Of course, she's a very beautiful girl with a radiant smile that makes me want to faint, but she also possesses a unique charm and seems to have good personality. In other words, her beauty shows inside and out. I don't know the actresses' name, but the woman who plays the drunk granny is hilarious. Julie Hagerty also has a small part, and she's always enjoyable to watch, which makes me wish she received better roles. I loved her so much in "Airplane" and "Lost in America" that it's a shame she doesn't get the same opportunities to flaunt her skills. <br /><br />Don't be put off by the horrible trailers and even more horrible box office records. This is a funny, charming film. Romantic comedies are getting so predictable nowadays that it feels like the genre itself is ready to be flushed down the toilet, so it's always to see a good one among all these bad apples. <br /><br />My score: 7 (out of 10) | 1pos
|
Romantische komedies kunnen echt beide kanten op gaan, weet je. Je ziet er een die echt sentimenteel is en je denkt dat je iets realistischers wilt. Dan zie je er een die realistisch is, maar die misschien te saai is om je geïnteresseerd te houden. Of misschien zie je er een die alles goed doet, maar die je gewoon niet aan het lachen maakt. Romantische komedies zijn taaie films. Je gaat er met een heleboel verwachtingen in, en meestal is het gewoon een kwestie van of je het leuk vindt of niet, of de filmmaatschappijen op jouw verwachtingen anticiperen of op die van de man of het meisje naast je.<br />Natuurlijk, als je een meisje naast je hebt, en je bent een man zoals ik, dan waarschijnlijk wel.' Wat maakt het uit of de film goed is of niet, jij hebt andere dingen aan je hoofd. Voor jou zeg ik: 'Ga haar halen, Tiger!' Voor de rest van ons zeg ik: 'Kijk naar A Guy Thing.' Het is heel leuk.<br />Want A Guy Thing weet dat je met verwachtingen naar de film gaat, dus het doet niet alsof de 'Guy die op het punt staat te trouwen ontmoet de vrouw van zijn dromen, en het is niet zijn vrouw!'-plot iedereen gelukkig zal maken. Natuurlijk, misschien vind je het wel leuk, maar misschien klinkt het niet echt, of je vindt het wreed. Dat komt allemaal door A Guy Thing. Wat A Guy Thing doet, is het scherm vullen met de beste bijrollen die ik ken.' Het is lang geleden dat ik een film heb gezien, dus als je de hoofdlijnen niet kent, heb je nog steeds iets om je aan het lachen te maken.<br />Of we het nu hebben over de doorgewinterde veteranen van het grote en kleine scherm, zoals Larry Miller (Pretty Woman, de beste in zijn soort), James Brolin (Traffic), Julie Hagerty (Airplane!), David Koechner (Saturday Night Live en Conan O'Brien regelmatig, Dirty Work, Austin Powers II) of Thomas Lennon (The State and Viva Variety), of nieuwe gezichten als Shawn Hatosy (The Faculty), of Colin Foo (Saving Silverman), we hebben het over een stel zeer getalenteerde en bekwame acteurs die precies weten hoe ze van de film kunnen profiteren.' En dat is niet om de aandacht af te leiden van de echte romantische sfeer en de sterren die er een rol in spelen, want het is heel lief en heel goed gedaan. Jason Lee (Mallrats, Chasing Amy, Dogma, enz.) is ontroerend als de jonge professional wiens leven uit de hand dreigt te lopen, en Selma Blair toont een ingehouden genialiteit in het spelen van de ambitieuze, wereldwijze carrièrevrouw met wie elke man wil trouwen, behalve de man die dat zelf is. Maar een groot deel van het succes van de film is te danken aan Julia Stiles, het juiste meisje op het juiste moment op de juiste plek, en ze draagt het goed. Sinds ik, goh, ik weet niet hoe lang geleden, een actrice in een romantische komedie heb gezien, is het niet meer zo gemakkelijk om verliefd op haar te worden. Natuurlijk zit het hem allemaal in de close-ups, de stem en de subtiele glimlachjes, maar het is magisch, en het is een van de belangrijkste redenen waarom we naar de film gaan.<br />Maar Julie Stiles' ietwat buitenissige wereldwijsheid zou verloren zijn gegaan als de rest van de cast niet zo ongelooflijk perfect in hun klassieke eenvoud was geweest. Dit is een film die een gebroken wereld schildert van onverzoenlijke merktypes, die je aan het lachen maakt omdat ze over elkaar heen buitelen, en die dan met heel veel hart en ziel op je afkomt.<br /><0x3E> A Guy Thing is een film die je beslist al eerder hebt gezien, en de filmmakers wisten dat duidelijk toen ze zich opmaakten om hem te maken. We hebben eigenlijk geen nieuwe romantische komedies gezien sinds Shakespeare; het relatieve succes van deze of gene is geheel afhankelijk van de uitvoering van het klassieke verhaal van jongen ontmoet meisje. Een Guy Thing omhelst dat wel met een beetje een metacineus randje, en neemt de scènes vaak tot het absurde om het publiek de kans te geven de krachtige emoties en oeroude plotelementen die in het spel zijn te erkennen.<br />Voor de goede orde: het slaagt er zelfs in de spot te drijven met de nogal traditionele structurele begrippen van seks en geslacht die het middelpunt vormen van elke romantische komedie, zodat zelfs de feministen daarbuiten er een kick van krijgen.<br />En, jongens, ik denk dat we het er allemaal over eens kunnen zijn dat we willen dat onze vrienden net zo cool zijn als de vrienden van Jason Lee in deze film. Ik zal het niet voor je bederven, maar als je aan je vriendin probeert uit te leggen waarom de apotheker en de kledingverkoper tot de coolste kerels van de bioscoop behoren, stel ik voor dat je gewoon zegt: 'Het is een mannending', en het daarbij laat. | Romantic comedies can really go either way, you know? You'll see one that's really sappy, and you'll think you want something more realistic. Then, you'll see one that's realistic, but it might be too dull to keep you interested. Or maybe you'll see one that does everything right, but just fails to make you smile. Romantic comedies are tough movies. You go into them with a lot of expectations, and usually, whether you like it is simply a matter of whether the filmmakes was anticipating your expectations or those of the guy or girl next to you.<br /><br />Of course, if you've got a girl next to you, and you're a guy like me, it probably doesn't matter all that much whether the movie's any good, you've got other things on your mind. For you, I say, "Go get her, Tiger!" For the rest of us, I say, "See _A Guy Thing_." It's a lot of fun.<br /><br />Because _A Guy Thing_ knows you're going in to this movie with expectations, so it doesn't pretend that its "Guy about to get married meets the woman of his dreams, and it's not his wife!" plot is going to make everyone happy. Sure, maybe you like it, but maybe it doesn't ring true, or you think it's cruel. _A Guy Thing_ covers that. What _A Guy Thing_ does is fill the screen with the best supporting cast I've seen in a long time, so if you don't the main plotline, you've still got something to make you smile.<br /><br />Whether we're talking about the seasoned veterans of big and small screen, like Larry Miller (Pretty Woman, Best in Show), James Brolin (Traffic), Julie Hagerty (Airplane!), David Koechner (Saturday Night Live and Conan O'Brien regular, Dirty Work, Austin Powers II) or Thomas Lennon (The State and Viva Variety), or new faces like Shawn Hatosy (The Faculty), or Colin Foo (Saving Silverman), we're talking about a bunch of very talented and skilled actors who know exactly how to take advantage of the film's inspired characterisation, steal the show, time after time, and still frame the piece with an energy and a joy rarely seen in romantic comedies these days.<br /><br />And that's not to detract from the actual romantic throughline and the stars that carry it along, because it's very sweet and terribly well done. Jason Lee (Mallrats, Chasing Amy, Dogma, etc.) is touching as the young professional whose life may be spinning out of control, and Selma Blair shows an understated brilliance in portraying the aspiring socialite and sophisticated career woman every guy wants to marry except for the guy who actually is.<br /><br />A lot of the success of the movie, though, falls on Julia Stiles, the right girl in the right place at the wrong time, and she wears it well. Not since, gosh, I don't know when, have I seen an actress in a romantic comedy that has made falling in love with her so easy. Of course, it's all in the closeups, the voice, and the subtle smiles, but it's magical, and it's one of the big reasons why we go to the movies in the first place.<br /><br />But Julie Stiles's slightly offbeat sophistication would be lost were it not for the fact that the rest of the cast is so incredibly dead-on in their classic simplicity. This is a movie that paints a broken world of irreconcilable stock types, makes them fall over each other to make you laugh, and then comes through with a great deal of heart.<br /><br />A Guy Thing is a movie you've definitely seen before, and the filmmakers clearly knew that when they set down to make it. We haven't really seen any new romantic comedies since Shakespeare; the relative success of this one or that one is entirely dependent upon the execution of the classic story of boy meets girl. A Guy Thing does embrace that with a bit of a metacinematic edge, often taking the scenes into the absurd in order to give the audience a chance to acknowledge the powerful emotions and ancient plot devices at play.<br /><br />For the record, it also even manages to poke fun at the rather traditional structural notions of sex and gender that form the center of every romantic comedy, so even the feminists out there might get a kick out of it.<br /><br />And guys, I think we can all agree that we wish our friends are as cool as Jason Lee's friends in this movie. I'm not going to spoil it for you, but when you try to explain to your girlfriend why the pharmacist and the clothing store clerk are among the coolest dudes in cinema, I suggest you just say "It's a Guy Thing," and leave it at that. | 1pos
|
Op de avond van zijn vrijgezellenfeest komt Paul Coleman (Jason Lee) in de bar de beeldschone danseres Becky (Julia Stiles) tegen. Ze drinken samen een heleboel en de volgende ochtend wordt hij met haar op het bed wakker. Zijn toekomstige schoonmoeder belt hem en vertelt hem dat zijn verloofde Karen (Selma Blair) misschien in zijn appartement zal arriveren, en hij vraagt Becky wanhopig om zo snel mogelijk bij hem weg te gaan. Al snel ontdekt hij dat ze krab heeft, en later, tijdens de voorbereidingen van zijn huwelijksdiner, beseft hij dat Becky een nicht van Karen is. Dit is het begin van een heel grappige komedie, met hilarische situaties. De eerste attractie van deze film is zeker het centrale trio van actrices en acteurs. Julia Stiles en Selma Blair, die uitstekende actrices zijn en er fantastisch uitzien, en Jason Lee, die verbazingwekkend grappig is, geven goede voorstellingen. Ik heb veel gelachen in het verhaal, maar er zijn ook scènes die echt hilarisch zijn. Bijvoorbeeld wanneer Paul Becky in zijn bed vindt; wanneer hij haar verf vindt; zijn verbeelding in vele situaties; in de drogisterij, waar hij probeert een verklaring te krijgen voor de krabbenmedicijn; de meeste scènes van zijn buurman, de dominee; wanneer Karen het warenhuis belt; of wanneer de politie een verdachte van de aanval op Paul vindt. Ik zou nog veel meer scènes kunnen noemen, maar ik zou beter af zijn als ik de huur van de lezer kon betalen of deze film kon kopen en veel plezier kon hebben. Ik stem voor zeven.<br />Titel (Brazilië):' Louco Por Elas' ('Krankzinnig Voor Hen') | On the night of his bachelor party, Paul Coleman (Jason Lee) meets the gorgeous dancer Becky (Julia Stiles) in the bar, they drink a lot together and in the next morning, he wakes up with her on the bed. His future mother-in-law calls him and informs that his fiancée Karen (Selma Blair) might be arriving in his apartment, and he desperately asks Becky to leave his place in a hurry. Sooner, he finds that her has crabs, and later, in the preparation of his wedding dinner party, he realizes that Becky is the cousin of Karen. This is the beginning of a very funny comedy, with hilarious situations. The first attraction of this movie certainly is the central trio of actresses and actor. Julia Stiles and Selma Blair, who are excellent actresses and extremely gorgeous, and Jason Lee, who is amazingly funny, have good performances. I laughed a lot along the story, but there are some scenes that are really hilarious. For example, when Paul finds Becky in his bed; when he finds her paints; his imagination in many situations; in the drugstore, trying to buy and get explanations about the crab medicine; most of the scenes of his neighbor, the minister; when Karen calls the department store; or when the police finds a suspect of assaulting Paul. I could number many other scenes, but better off the reader rent or buy this movie and have lots of fun. My vote is seven.<br /><br />Title (Brazil):"Louco Por Elas" ("Crazy For Them") | 1pos
|
'A Guy Thing' is misschien geen klassieker, maar het is wel een goede, grappige komedie. De plot concentreert zich op Paul (Jason Lee), die de ochtend na zijn vrijgezellenfeest wakker wordt zonder dat hij zich iets herinnert, en Becky (Julia Stiles) die naakt in zijn bed ligt. Voordat hij kan bedenken wat er is gebeurd, jaagt hij Becky zijn appartement uit omdat zijn verloofde Karen (Selma Blair) eraan komt. Daarna volgt, zoals je je kunt voorstellen, een chaos.<br />Bijna elke scène in 'A Guy Thing' levert veel gelach op. De grappigste momenten zijn wanneer Paul zich voorstelt wat er zou kunnen gebeuren als hij het aan Karen vertelt. Selma Blair is een echt getalenteerde komiek, en het ergste aan deze film is dat hij te weinig gebruik van haar maakt. Hoewel ze grappiger blijkt te zijn dan het personage van Stiles, die eigenlijk niet zo interessant is. Natuurlijk is niet elke komedie perfect.<br />Zoals ik al zei, 'A Guy Thing' is geen klassieker, maar het is ook niet slecht, 7/10. | "A Guy Thing" may not be a classic, but it sure is a good, funny comedy. The plot focuses on Paul (Jason Lee), who wakes up the morning after his bachelor party with no memory and Becky (Julia Stiles) lying naked in his bed. Before he can figure out what happened, he rushes Becky out of his apartment because his fiance Karen (Selma Blair) is coming. After that, as you could imagine, chaos ensues.<br /><br />Almost every single scene in "A Guy Thing" delivers loud laughs. The funniest moments come from when Paul imagines what could happen if he tells Karen. Selma Blair is a truly talented comedian, and the worst thing about this film is that she goes underused. Although, she turns out to be more funny than Stiles' character, who actually isn't that interesting. Of course, not every comedy is perfect.<br /><br />As I said, "A Guy Thing" is no classic, but it's not bad either, 7/10. | 1pos
|
Wat gebeurt er als iemand zoveel sociale zorgen heeft dat hij niet meer kan functioneren? Hoe eenzaam kan één man worden? Als de alledaagse rotzooi die we moeten doen om deel uit te maken van de maatschappij te veel voor hem wordt, wat gebeurt er dan? Frownland verkent deze vragen. Absoluut een verrassend origineel debuut van Bronstein. De toon is vreemd en claustrofobisch als we in de geest van een man genaamd Keith komen, die zo in de war is dat hij nauwelijks een fatsoenlijke zin kan formuleren. We volgen hem terwijl hij contact probeert te maken met mensen en van dag tot dag functioneert. De meesten van ons hebben zulke mensen gekend <0xE2><0x80><0x93> mensen die te veel'sorry' zeggen of 'ik waardeer het' als er niets te waarderen valt. We weten dus dat er zulke mensen zijn, maar waarom zou iemand een film over hen willen maken? Nou, omdat het interessant is en omdat Bronstein en de hoofdrolspeler, Dore Mann, uitstekend werk leveren. Een film die zo weinig commercieel is als een film maar kan zijn. Een paar vrienden hebben hem in de loop van een paar jaar opgenomen, omdat ze geld hadden gespaard. De film is op 16mm-film opgenomen en ziet er prachtig goedkoop uit. Zonder distributeur is het misschien moeilijk te vinden, maar ik denk dat hij het afgelopen jaar willekeurig is gedraaid. Hopelijk komt hij op een gegeven moment op dvd. Ik heb hem gezien in het Silent Movie Theater hier in L.A. Er zaten 10 mensen in de zaal, onder wie Crispin Glover, als dat je al iets zegt over hoe bizar deze film is. | What happens when someone has so much social anxiety that they cease to function? How alone can one man get? When the mundane crap we have to do in order to be part of society gets to be too much, what happens? Frownland explores these questions. Definitely a startling original debut from Bronstein. The tone is strange and claustrophobic as we get inside the mind of a guy named Keith that is so messed up he can hardly form a proper sentence. We follow him around as he tries to make contact with people and function day to day. Most of us have known people like this- people that say "sorry" too much or "i appreciate it" when there's nothing to appreciate. So we know there are people out there like this but why would someone want to make a movie about them? Well, because its interesting and Bronstein and the lead actor, Dore Mann, do an excellent job. This film is about as un-commercial as a film can get. A few friends filmed it over the course of a few years as they saved money. It was shot on 16mm and the scratched film look is beautifully low budget. With no distributer, this may be a tough one to find, I think it's been screening randomly for the past year or so. Hopefully it'll be on DVD at some point. I saw it at the Silent Movie Theater here in LA. There were 10 people in the audience, among them Crispin Glover, if that tells you anything about how weird this movie is. Highly recommended. | 1pos
|
Een heel vreemde en fascinerende film. Hij gaat over een heel onhandige en diepbedroefde man die zijn leven probeert te leiden als huis-aan-huis fondsenwerver/verkoper. De regisseur wist een zeer verontrustende toon te treffen die het verhaal goed deed. Origineel en verontrustend, maar ook met veel humor over de pijn die het leven met zich meebrengt. Er is een scène in een testlaboratorium die echt opviel en waar ik hardop om moest lachen, wat ik niet zo vaak doe als ik zou moeten doen. Een van de gedenkwaardigste films die ik in lange tijd heb gezien. Hij is nog niet uit mijn gedachten verdwenen en ik verheug me op toekomstige pogingen van Bronstein. Fantastische uitvoeringen over de hele linie. De simpele zin 'Ik waardeer het echt'. is nu iconisch voor me. | A very strange and compelling movie. It's about a very awkward and tightly wound man who attempts to navigate his life as a door-to-door fundraiser/salesman. The director was able to capture a very unnerving tone that really served the story well. Original and unsettling while also finding a great deal of humor in the pain that accompanies life. There is a sequence at a testing facility that really stood out and made me laugh out loud which is not something I do as frequently as I should. One of the more memorable films I've seen in a long while. Hasn't left my mind and I look forward to future efforts by Bronstein. Fantastic performances all around. The simple line "I really appreciate it." is now iconic to me. | 1pos
|
Frownland is als een van die uiterst g<0xC3><0xAA>nante situaties waarin je uiteindelijk op precies het verkeerde moment hardop in lachen uitbarst; en net op het moment dat je beseft dat je niet zou moeten lachen, heb je het toppunt van stemverheffing al bereikt; en als je om je heen kijkt naar de spookachtig witte gezichten met hun wijdopen monden en glazen ogen, voel je een stekende pijn die in je maag begint en plotseling omhoogschiet naar je keel en... nou, je snapt het wel. Maar ondanks al het onplezierige gedoe en de stompen in het gezicht, Frownland, is het eigenlijk een opmerkelijk stuk werk dat je, na het zien van de onsamenhangende puinhoop van een hoofdfiguur en al zijn zielige problemen en tegenslagen, de neiging geeft om je ogen uit te krabben, terwijl je tegelijkertijd een misselijkmakend medelijden met hem hebt.<br />Het zou voor mij een stuk gemakkelijker zijn geweest om gewoon de film van Ronald Bronstein uit te lopen, maar om de een of andere krankzinnige reden voelde ik een onwrikbare vastberadenheid om op koers te blijven en alle korrelige irritatie te ervaren die de film te bieden heeft. Als iemand je in brand steekt, wil je dat meestal zo snel mogelijk blussen: Stop! Vallen! En rollen! Maar met deze film wil je zien hoe de vlam langzaam je hele lichaam verzwelgt. Je doorstaat de pijn <0xE2><0x80><0x93> misschien uit nijd, of een onbekende masochistische nieuwsgierigheid die ik niet eens kan uitleggen.<br />Helaas zal de mainstreamfilm deze film nooit naar een bioscoop bij jou in de buurt laten komen. Maar als je de kans krijgt om hem te zien, bereid je dan voor: neem een hondentas mee. | Frownland is like one of those intensely embarrassing situations where you end up laughing out loud at exactly the wrong time; and just at the moment you realize you shouldn't be laughing, you've already reached the pinnacle of voice resoundness; and as you look around you at the ghostly white faces with their gaping wide-open mouths and glazen eyes, you feel a piercing ache beginning in the pit of your stomach and suddenly rushing up your throat and... well, you get the point.<br /><br />But for all its unpleasantness and punches in the face, Frownland, really is a remarkable piece of work that, after viewing the inarticulate mess of a main character and all his pathetic troubles and mishaps, makes you want to scratch your own eyes out and at the same time, you feel sickenly sorry for him.<br /><br />It would have been a lot easier for me to simply walk out of Ronald Bronstein's film, but for some insane reason, I felt an unwavering determination to stay the course and experience all the grainy irritation the film has to offer. If someone sets you on fire, you typically want to put it out: Stop! Drop! And Roll! But with this film, you want to watch the flame slowly engulf your entire body. You endure the pain--perhaps out of spite, or some unknown masochistic curiosity I can't even begin to attempt to explain.<br /><br />Unfortunately, mainstream cinema will never let this film come to a theater near you. But if you get a chance to catch it, prepare yourself: bring a doggie bag. | 1pos
|
In een jaar van pretentieuze troep als 'Synecdoche, New York', een film die is voortgekomen uit Charlie Kaufmans eigen genotzucht, komt een film die net zo moeilijk te zien is, maar ongeveer drie keer zo belangrijk. 'Frownland' is een liefdeswerk van de crew, de acteurs en de filmmaker, in de loop der jaren door vrienden opgenomen. Het volgt een man die niet kan communiceren via zijn door en door authentieke, echte Brooklyn-wereld. De mensen die je ziet zijn zelfs de gestileerde'mumblecore'-beweging een stap te boven. Het zijn echte mensen, pijnlijk gevangen in hun eigen, in zichzelf besloten neurosen, onwillig om te veranderen, niet in staat. De echte wereld is voor hen een aaneenschakeling van waanvoorstellingen, en omdat dit een film is over mensen die zo ver van de werkelijkheid af staan, is het heel moeilijk om ernaar te kijken. Het is het maken van 16mm-films zonder het juiste licht, het juiste geld of een van de andere factoren die een film 'glad' maken, maar de eerlijkheid ervan kan niet onderschat worden, een feit dat een zaal vol mensen ertoe zou aanzetten om hem af te keuren en dat Richard Linklater ertoe zou brengen er een prijs voor uit te loven, zoals hij bij SXSW deed. Dit doet wel denken aan films als 'Naked' of het beste van de'mumblecore'. Het is een film die niet voor iedereen is weggelegd, maar die je uitdaagt om ernaar te kijken en die je steeds meer fascineert naarmate je er langer over nadenkt. | In a year of pretentious muck like "Synecdoche, New York" a film born out of Charlie Kaufman's own self-indulgence, comes a film that is similarly hard to watch but about three times as important. "Frownland" is a labor of love by the crew, the actors and the filmmaker, shot over years by friends. It traces a man who cannot communicate through his thoroughly authentic, REAL Brooklyn world. The people that you see are a step beyond even the stylization of the "mumblecore" movement. They are real people, painfully trapped in their own self-contained neuroses, unwilling to change, unable. The real world to them is their own set of delusions and because this is a film about people who are so profoundly out of touch, it is very difficult to watch. It is 16mm film-making without proper light, money or any of the other factors that would make a film "slick", but its honesty can not be understated, a fact that would cause a room full of people to dismiss it and for Richard Linklater to give it an award as he did at SXSW. This does remind of films like "Naked" or the best of the "mumblecore". It is a film that is not for everyone, but one that challenges you to watch and grows on you the longer you think about it. | 1pos
|
Ik vond de film heel expressief, de manier waarop de hoofdpersoon verdwaald was maar tegelijkertijd veel duidelijker over bepaalde dingen in het leven dan mensen die hem bespotten (zijn huisgenoot, bijvoorbeeld).<br /><0x3E> hij werd gemarteld en je vond het heerlijk om te zien hoe hij gemarteld werd! Het had een perverse kant die angstaanjagend was maar we waren allemaal blij om hem weer uit de ellende te zien komen.<br /><0x3E> het was als een spelpersonage of een panman door een mijnenland of naar de vijand en we vinden het heerlijk om hem onder sluipschuttersaanval of vuur te zien maar aan het eind zijn we blij om hem te zien overleven...<br /><0x3E> | I found the film quite expressive , the way the main character was lost but at the same much more clear about certain things in life than people who mocked him ( his flatmate for example ) .<br /><br />he was tortured and you loved to watch him being tortured ! it had this perverted side which was frightening but we were all happy to see him come out of the misery again .<br /><br />it was like a game character or pan-man through a mine-land or to enemy and we love to watch him under sniper attack or fire but then at the end we are happy to see him survive ... <br /><br />. | 1pos
|
De meest bizarre van de filmgenres is de zogenaamde 'Grote Dames van de Grand Guignol': horrorfilms die een overdreven melodrama combineren met gothische sensaties en altijd worden geregisseerd door een doorgewinterde en bijna vergeten actrice uit de gouden eeuw van de film, in onflatteuze rollen van lange lijdende slachtoffers of krijsende, kwaadaardige harpijen. Dit genre verschafte hun een ongebruikelijke manier van acteren die hen in staat stelde weer eens op het witte doek te pronken en nieuwe generaties fans te winnen ten koste van hun glamoureuze beelden van vroeger.<br />'Wat is er met Helen?' Debbie Reynolds en Shelley Winters zijn de laatste druppel van dit subgenre met verbluffende optredens van zowel Debbie Reynolds als Shelley Winters als de gekwelde moeders van twee veroordeelde misdadigers die in de jaren dertig van hun verleden weglopen naar het zonnige Californië om een talentenjacht te openen voor gretige moeders die willen dat hun dochters de volgende Shirley Temple worden. In Californië krijgt Debbie geluk, cliënten, tango, tapdansen en een nieuwe liefde (Dennis Weaver intussen maakt Shelley gek met afschuwelijke flashbacks, bedreigende anonieme telefoontjes, bedreigende vreemden, bedreigende Agnes Moorehead als radioevangeliste, schattige konijntjes (!) en een ongelukkige ontmoeting met een elektrische ventilator (au!). Het slordige script (geschreven door Henry Farrell, de man die dit genre is begonnen met 'What Happened to Baby Jane', samen met de meesterregisseur Robert Aldrich, Joan Crawford en Bette Davis) zit vol gaten in de plot, dwaalsporen en gemiste kansen die deze film groot hadden kunnen maken: de onderliggende thema's van het verknipte moederschap (met Debbie en Shelleys personages als'mislukte moeders' en de aanmatigende mammies van de kindsterren) en de obsessieve band tussen de vrouwen (de relatie tussen Debbie en Shelley en het feit dat de paar mannelijke personages in deze film ofwel sinister ofwel louche zijn, zelfs Dennis Weaver droomt van een Texaan) zijn gemiste kansen. In plaats daarvan krijgen we musicals, intermezzo's en dansende kleuters van Debbie Reynolds, hoewel het leuk is om te zien dat de film veel te veel tijd in beslag neemt van wat zogenaamd een psychologische afkoeling is. Maar toch is deze film hoogst vermakelijk. De twee sterren en de stijlvolle regie van Curtis Harrington halen de tekortkomingen er gemakkelijk uit. De filmrecreatie van de jaren dertig is kleurrijk en elegant (kijk maar naar Debbies kleren!) en gemaakt met een heel krap budget. De toenemende sfeer van waanzin en hysterie is echt griezelig, met een schokkende finale die je nog dagen zal achtervolgen. En je zou dat malle 'Goody, goody'-nummer dat door de film heen galmt ook niet gemakkelijk vergeten. En als je een steeds waanzinniger wordende Shelley Winters elke Debbie Reynolds-film ziet naaien ze stuk voor stuk met haar. kans op geluk is een spektakel om naar te kijken!<br />8 van de 10. | The most bizarre of the cinematic sub-genres is the so called "The Great Ladies of the Grand Guignol": camp horror films which combined over-the-top melodrama with gothic thrills and always starred by seasoned and almost forgotten actress from hollywood golden age in unflattering roles of either long suffering victims or screeching evil harpies. This genre provided them with an unusual acting showcase that allowed strut their stuff on the screen once again and win new generations of fans at expense of their glamorous images from yesterday.<br /><br />"What's the matter with Helen" is the last drop of this sub-genre with stunning performances of both Debbie Reynolds and Shelley Winters as the troubled mothers of two convicted criminals who run away from their past to the sunny California in the 1930s to open a talent school to milk out the eagerly mothers who want their daughters to be the next Shirley Temple. In California, Debbie gets happiness, clients, tango, tap dancing and a new love interest (Dennis Weaver meanwhile Shelley gets wacko with horrible flashbacks, menacing anonymous calls, menacing strangers, menacing Agnes Moorehead as a radio evangelist, cute little rabbits (!) and an unfortunate encounter with an electric fan (ouch!).<br /><br />The sloppy script (penned by Henry Farrell, the man who started all this genre with "Whatever Happened to Baby Jane" along with master director Robert Aldrich, Joan Crawford and Bette Davis) is full of plot holes, red herrings and wasted opportunities that could had made this movie great: the underlying themes of twisted motherhood (with Debbie and Shelley's characters as "failed mothers" and the overbearing mommies of the child stars) and obsessive female bonding (Debbie and Shelley relationship and the fact that the few male characters of this movie are either sinister or sleazy even Dennis Weaver dream boat Texan) are wasted. Instead we get Debbie Reynolds musicals interludes and dancing tots, although fun to watch take too much screen time of what is supposedly to be a psychological chiller. But still this movie is highly entertaining. The two stars and Curtis Harrington stylish direction easily overcomes its flaws. The movie recreation of the 1930's is colorful and elegant (look at Debbie's clothes!) made with a very tight budget. The increasing atmosphere of madness and hysteria is genuinely creepy with a shocking finale that will haunt you for days. And you wouldn't easily forget that silly "Goody, goody" song that runs through the movie either. And seeing an increasingly mad Shelley Winters screw every one of Debbie Reynolds' chances at happiness is a hoot to watch!<br /><br />8 out of 10. | 1pos
|
Van de schrijver van 'Wat is er ooit gebeurd met Baby Jane?' en 'Hush... Hush, Sweet Charlotte' heeft dit staartje van de griezelfilm uit de jaren zestig wat griezelige en kitscherige humor. Micheál Macliammóir speelt een Victor Buono-achtige rol, maar de film komt maar al te vaak gevaarlijk dicht in de buurt van een slechte musical... ongeveer halverwege is er een bijzonder afschuwelijk kinderrecital. Debbie tapt, grijpt en speelt een lá Harlow, terwijl Winters' religieuze fanaticus een lesbische inslag heeft. Agnes Moorehead doet zich voor als evangeliste. Weaver heeft niets te doen - en moet zelfs een gigolo betalen om met Debbie te dansen. | From the writer of "What Ever Happened to Baby Jane?" and "Hush .. Hush, Sweet Charlotte," this tail-end of the sixties horror cycle has some eerie and campy fun. Micheál Macliammóir does a Victor Buono-type bit, but too often the movie totters dangerously close to a bad musical ... there's a particularly awful children's recital about halfway through. Debbie taps, tangos and tricks up a lá Harlow, while Winters' religious fanatic has a lesbian edge to her. Agnes Moorehead checks in as an evangelist. Weaver has nothing to do - and even has to pay a gigolo to dance with Debbie. | 1pos
|
Een zwaar onderschatte zwarte komedie, de beste in een serie grand guignol-films na 'Baby Jane'. Reynolds en Winters zijn moeders van jonge, veroordeelde moordenaars (een verwijzing naar 'dwangneurose') die weglopen om zich in Hollywood te verstoppen. Ze runnen een school voor zogenaamde filmmeisjes, een stel hilarisch ongetalenteerde kinderen onder toezicht van afschuwelijke toneelmoeders. Debbie, met haar blonde pruik ('Ik ben een Harlow, jij bent meer een Marion Davies', zegt ze tegen Winters) leidt de meisjes tijdens hun concert en wint een rijke vader, Weaver. Ze doet ook een verrukkelijk grappige tango en geeft al met al een uitmuntende voorstelling, anders dan alles wat ze tot nu toe heeft gedaan. De sfeer is een mooie mengeling van komisch en griezelig. Het ziet er prachtig uit met geweldige historische details (30's). Veel mooie uithalen naar Hollywood en de angstaanjagende filmpooier. Micheal MacLiammoir heeft een bal als dramacoach: 'Hamilton Starr', kirt hij, 'twee r's, maar niettemin profetisch'. Zie het en geniet ervan. | A vastly underrated black comedy, the finest in a series of grand guignol movies to follow 'Baby Jane'. Reynolds and Winters are mothers of young convicted murderers (a nod to 'Compulsion') who run away to hide in Hollywood. They run a school for would-be movie tots, a bunch of hilariously untalented kids attended by awful stage moms. Debbie, in her blonde wig ('I'm a Harlow, you're more a Marion Davies' she tells Winters) leads the tots at their concert and wins a rich dad, Weaver. She also does a deliciously funny tango and, over all, gives an outstanding performance, unlike anything she'd done before. The atmosphere is a fine mix of comic and eerie. It looks wonderful with great period detail (30's). Lots of lovely swipes at Hollywood and the terrifying movie tot. Micheal MacLiammoir has a ball as the drama coach: 'Hamilton Starr', he purrs, 'two r's but prophetic nonetheless'. See it and love it. | 1pos
|
Dit was duidelijk het prototype voor Mick Dundee, maar _The Adventures of Barry McKenzie_ is grappiger. Ik heb me de hele tijd vermaakt en heel wat keren hardop gelachen. Geweldige centrale rol van Barry Crocker in de titelrol, een Australiër die Engeland binnenvalt om de pompen in de war te brengen met zijn losbandige, lompe gedrag. Weinig Britten zullen van streek raken door Barry's vaak wrede observaties van zijn gastheren. De relatie tussen de twee landen is stekelig maar vriendschappelijk en dit wordt benadrukt door de laatste regel van de film, uitgesproken door een ietwat onwillige McKenzie als hij aan boord van het vliegtuig naar huis gaat. | This was obviously the prototype for Mick Dundee but 'The Adventures of Barry McKenzie is funnier. I was amused throughout and laughed out loud plenty of times. Terrific central performance by Barry Crocker in the title role, an Australian who invades England to upset the poms with his free-flowing uncouth ways. Few Brits will be upset by Barry's frequently cruel observations on his hosts. The relationsip between the two countries is prickly but friendly and this is highlighted by the film's final line, delivered by a somewhat reluctant McKenzie as he boards the plane home. "I was just starting to like the poms." | 1pos
|
Renny Harlins eerste Amerikaanse film was een van de beste van een hele reeks horrorfilms over gevangenissen (zoals 'The Death House' of 'The Chair') aan het eind van de jaren tachtig. Twintig jaar eerder had bewaker Lane Smith ten onrechte een veroordeelde geëxecuteerd. Nu is hij de directeur van de onlangs heropende gevangenis, en de geest van de man is terug om bloedige wraak te nemen. Deze sfeervolle en bijzonder stemmingsvolle film bevat veel gruwelijk bloedvergieten en geweld. Viggo Mortensen, Tiny Lister, Tom Everett en Kane Hodder spelen een rol in het vermakelijke bloedbad. | Renny Harlin's first American film was one of the best of a slew of prison-set horror films(like "Death House" or "The Chair")in the late 80's.Twenty years before,guard Lane Smith had wrongfully executed a condemned man.Now,he is the warden of the newly re-opened prison,and the man's ghost is back for bloody revenge.This atmospheric and very moody film features lots of gruesome gore and violence.Viggo Mortensen,Tiny Lister,Tom Everett and Kane Hodder are onhand for the entertaining carnage. | 1pos
|
Het verhaal van een ten onrechte terechtgestelde gevangene die rondspookt in de gevangenis waar hij is geëlektrocuteerd en willekeurige gevangenen vermoordt terwijl hij wacht om wraak te nemen op de man die hem erin heeft geluisd.<br />Viggo Mortensen is geweldig en de film is over het geheel genomen redelijk goed. Lane Smith is heerlijk verdorven als de schuldige cipier. Bovendien zit er veel bloed in deze film, waaronder mummificatie door prikkeldraad. | Story of a wrongly executed prisoner who haunts the prison he was electrocuted in and kills random prisoners while waiting to take revenge on the man who framed him.<br /><br />Viggo Mortensen is great, and the acting is pretty good overall. Lane Smith is deliciously wicked as the guilty warden. Also, this film has some great gore, including death by barbed-wire mummification. | 1pos
|
Wat we hier hebben, is een meeslepend stuk lowbudget horror met een relatief originele invalshoek, een cast die bestaat uit bekende gezichten EN een van de meest overtuigende locaties in de geschiedenis van de horrorfilms. Dus... kan iemand me vertellen waarom deze film zo ontzettend onderschat wordt??? 'Gevangenis' is het Amerikaanse debuut van de Finse regisseur Harlin, dat nog steeds geldt als zijn beste werk, ook al bleef hij kaskrakers maken als 'Die Hard 2', 'Cliffhanger' en 'Deep Blue Sea'. Het verhaal speelt zich in zijn geheel af in een oude en bouwvallige gevangenis in Wyoming, die opnieuw wordt geopend ter wille van de overbevolking in andere, modernere staatsgevangenissen. Het laatste slachtoffer woont er nog steeds. De inmiddels gepromoveerde directeur Eaton Sharpe (Lane Smith) woonde er veertig jaar geleden al, toen deze onschuldige man ter dood werd gebracht, en de geest herinnert zich zijn verachtelijke rol in het oneerlijke proces nog steeds. Het lijkt erop dat de tijd voor wraak eindelijk is aangebroken. Viggo Mortensen speelt de goede autodief die moet voorkomen dat er nog meer doden vallen, en Chelsea Field is de humaan sociaal werkster die langzaam de geheimen uit het verleden ontrafelt.<br />'De gevangenis' bevat meer dan een half dozijn gedenkwaardige bloederige scènes, maar het is de ondraaglijk gespannen sfeer die je zeker zal bijblijven! In tegenstelling tot elke andere horrorfilm uit die tien jaar heeft 'De gevangenis' een verbazingwekkend gevoel voor realisme! Hier doel ik natuurlijk op de authentieke omgeving en de stemming binnen de gevangenismuren, en niet op de bovennatuurlijke moorden die worden gepleegd... ook al zijn die ook echt verontrustend. De beste delen van de film zijn beelden van realistische en harde gevangenisdrama's, gecombineerd met visuele chaos en schokkende verschrikking. Het beste schrikmoment (dat me nachtmerries bezorgt sinds ik het op tamelijk jonge leeftijd zag) concentreert zich op een grizzlybeerstrijd met prikkeldraad. Angstaanjagend!! Het script heeft maar één zwakke plek, maar dat is een veel voorkomende... bijna onvermijdelijk, denk ik: clichés! Het verhaal introduceert bijna elk mogelijk stereotype dat er in een gevangenisomgeving te vinden is. Ik raad je aan je niet blind te staren op deze clichés, want er zijn nog zoveel andere elementen om te bewonderen. De foto's zijn donker en vochtig, het mysterie wordt lang en succesvol in stand gehouden en de ondersteunende rol van de gedetineerden van B-acteurs is uitstekend (de fans zullen Tom Everett, Tom 'Tiny' Lister en zelfs het onsterfelijke horroricoon Kane Hodder herkennen). Vergeet Wes Cravens afgrijselijke poging 'Shocker' of de ronduit zielige kaasfilm 'The Chair'. Dit is de enige gevangenisschommelaar die het waard is om op te sporen! Vooral gezien het feit dat Viggo Mortensen tegenwoordig zo populair is (ik heb gehoord dat hij de hoofdrol speelde in een succesvolle comedy over elfen, hobbits en andere elfenwezens...) zou deze echte griezelsteen uit de jaren tachtig een dringende dvd-uitgave moeten krijgen! | What we have here is a compelling piece of low budget horror with a relatively original premise, a cast that is filled with familiar faces AND one of the most convincing filming locations in the history of horror films. So...could anyone please tell me why this movie is so utterly underrated??? "Prison" is the Finnish director Harlin's American debut, which still counts as his best effort even though he went on making blockbuster hits like "Die Hard 2", "Cliffhanger" and "Deep Blue Sea". The story entirely takes place in an ancient and ramshackle Wyoming prison, re-opened for the cause of over-population in other, more modern state penitentiaries. Inside the former execution dungeons, the restless spirit of the electric chair's last victim still dwells around. The now promoted warden Eaton Sharpe (Lane Smith) was there already 40 years ago, when this innocent man was put to death, and the spirit still remembers his vile role in the unfair trial. It seems that the time for vengeance has finally arrived. Viggo Mortensen plays the good car thief who has to prevent an even larger body count and Chelsea Field is the humane social worker who slowly unravels the secrets from the past.<br /><br />"Prison" contains over half a dozen memorable gore sequences but it's the unbearably tense atmosphere that'll stick to you for certain! Unlike any other horror picture from that decade, "Prison" features an amazing sense of realism! By this, I refer to the authentic scenery and the mood inside the prison walls, of course, and not towards the supernatural murders that are being committed... even though these are genuinely unsettling as well. The film's best parts are images of realistic and tough prison-drama sequences combined with visual mayhem and shocking horror. The absolute best terror-moment (providing me with nightmares ever since I saw it at rather young age) focuses on a grizzly death-struggle involving barbed wire. Haunting!! The screenplay only suffers one flaw, but that's a common one...almost inevitable, I guess: clichés! The story introduces nearly every possible stereotype there is in a prison surrounding. We've got the ugly, fat pervert with his 'cute' boy-toy, the cowardly and racist guard avoids confrontation at all costs and naturally the old 'n wise black con who serves a lifetime (did I hear anybody yell the name Morgan Freeman?) Don't stare yourself blind on these clichés is my advise, as there are so many other elements to admire. The photography is dark and moist, the mystery is upheld long and successfully and the supportive inmate-roles of class B-actors are excellent (the fans will recognize Tom Everett, Tom 'Tiny' Lister and even immortal horror icon Kane Hodder). Forget about Wes Craven's god-awful attempt "Shocker" or the downright pathetic cheese-flick "the Chair". This is the only prison chiller worth tracking down! Especially considering Viggo Mortensen peaking popularity nowadays (I heard he starred in a successful franchise involving elves, Hobbits and other fairy creatures...) this true 80's horror gem oughts to get an urgent DVD-release! | 1pos
|
Ik haalde een VHS-doos uit mijn enorme verzameling <0xE2><0x80><0x93> waarvan ik er veel niet had gezien <0xE2><0x80><0x93> en koos een film uit op basis van de boxart, die me wel leuk leek, en ja, slecht. De gevangenis had die jarentachtiguitstraling over de hele doos verspreid. Ik ging zitten en keek, en ziedaar! Ik ontdekte dat we soms inderdaad gaan zitten voor een film met vooropgezette verwachtingen. Gelukkig draaide ik de mijne snel om en besefte al snel dat ik niet alleen voor een goede film zat, maar voor een vrij goede in totaal. De gevangenis vertelt het verhaal van een oude, vervallen gevangenis die wordt heropend om te bezuinigen op de kosten van levensonderhoud. Het ziet er griezelig uit, zo leeg en vol gevangenen. De gevangenis die als decor wordt gebruikt, is ongelooflijk sfeervol en met gemak het belangrijkste personage in de film. Het verhaal waarin de gevangenis als centrale setting wordt gebruikt, vertelt in een proloog over een man die via de elektrische stoel om het leven komt. We zien Lane Smith als bewaker <0xE2><0x80><0x93> ze rukt een crucifix weg voordat ze de man naar zijn Schepper stuurt. Dan gaan we naar het heden, eerst naar een vergadering van de regering, die besluit de gevangenis te openen en een mooie dokter naar binnen te sturen om ervoor te zorgen dat de omstandigheden acceptabel zijn, aangezien ze fel gekant is tegen de heropening van de oude gevangenis. Dan zien we de nieuwe directeur, Lane Smith, die in bed wordt achtervolgd door een nachtmerrie <0xE2><0x80><0x93> en die de nieuwe taak krijgt om een gevangenis te openen waar hij in geen jaren is geweest. Nou, de rest volgt zijn voorbeeld: gevangenen en bewakers komen binnen met een overvloed aan stereotypen. We krijgen wat karakterdiepgang en een aantal gevangenen is interessant. Het acteerwerk is beter dan je zou verwachten van Lane Smith die als altijd zijn werk als arbeider doet. Viggo Mortenson als een heel andere gevangene is solide. Tom Everett, Tiny Lister en Ivan Kane verkennen echt de grenzen van hun stereotiepe personages. Chelsea Field is oké als de vrouwelijke hoofdrol. De beste vertolking is die van Lincoln Kilpatrick, een onderschatte karakterspeler in Cresus <0xE2><0x80><0x93> een gevangene die jaren geleden in diezelfde gevangenis heeft gezeten toen de'man' werd geëxecuteerd met een of ander verschrikkelijk geheim. De gevangenis is niet het op één na beste wat er is, maar het is beslist de moeite waard om ernaar te kijken en het is beslist beter dan de meeste mensen ervan zouden verwachten. Ik was aangenaam verrast over de manier waarop regisseur Renny Harlin een verhaal creëerde dat zo visueel zo sfeervol was. De film heeft een gespannen, strak tempo en Harlin weet hoe hij zijn scènes moet opbouwen. Er zijn een paar buitensporige bloederige scènes <0xE2><0x80><0x93> die met het prikkeldraad was een beetje te veel van het goede, net als die met al die pijpen. Maar deze scènes zijn visueel creatief en interessant. Het acteerwerk is allemaal even fatsoenlijk. Het script is in feite veel samenhangender dan je gewoonlijk uit dit soort films krijgt. Dat kan gedeeltelijk worden toegeschreven aan Irwin Yablans, die het verhaal schreef. Misschien herinner je je nog dat hij op het idee kwam om Halloween als vrije dag angstaanjagend te maken. Hier maakt hij opsluiting een verdomd stuk angstaanjagender dan het al is. | I pulled down a VHS box from my vast collection - many unseen - and picked out a movie, based on the box art, I thought would be fun, and yes, bad. Prison had that 80s cheesy look all over that box. I sat down and watched, and lo! and behold!, found that sometimes we do indeed sit down to a movie with preconceived expectations in mind. Fortunately, I reversed mine quickly and soon realized I was sitting down not just to an okay film but a rather good movie in total. Prison tells the story of an old, dilapidated prison being reopened to save on budgetary concerns. It looks creepy as all empty and filled with prisoners. The prison used as a set is incredibly atmospheric and easily the most important character in the film. The story using the prison as its central setting tells in a prologue of a man being killed via the electric chair. We see Lane Smith as a guard - tearing away a Crucifix before sending the man to his Maker. We then go to present day, first with a government board at a meeting deciding to open the prison and send a beautiful doctor in to make sure that conditions are acceptable as she campaigned vigorously against re-opening the old prison. Then we see the new warden, Lane Smith, haunted by a nightmare in bed - and given the new job of opening a prison he has not been to in years. Well, the rest follows suit: prisoners and guards arrive with plenty of stereotypes abounding. We are given some character depth and several of the prisoners are interesting characters. The acting is better than one might expect with Lane Smith doing as always a workmanlike job. Viggo Mortenson as a very different prisoner being solid. Tom Everett, Tiny Lister, and Ivan Kane really exploring the boundaries of their stereotypical characters. Chelsea Field is okay as the female lead. The best performance is by Lincoln Kilpatrick, an underrated character actor, as Cresus - a prisoner who had been in that very same prison years ago when the "man" had been executed" with some kind of terrible secret. Prison is not the next best thing to sliced bread or anything like that, but it is definitely worth a look and definitely better than most would expect from it. I was pleasantly surprised at the way director Renny Harlin created a story so visually atmospheric. The film has a tense, taut pace and Harlin knows how to build his scenes. There are a few excessively shot gore scenes - the one with the barbed wire was a bit much as was the one with all the pipes. But these scenes are visually creative and interesting. The acting is uniformly decent. The script actually much more cohesive than one usually gets from films like these. That may in part be credited to Irwin Yablans who wrote the story. You may remember he came up with the idea of making Halloween scary as a holiday. Here he makes incarceration a hell of a lot more scarier than it already is. Give Prison a break(get it). | 1pos
|
Dit is een uitstekend voorbeeld van wat er gedaan kan worden met een kleine budgetfilm. Het acteerwerk is uitstekend gezien het script & de hele sfeer van de film is erg onheilspellend. Het bloed is goed gedaan en spaarzaam gebruikt (kijk uit voor de uitstekende prikkeldraaddood) & de actie is stompzinnig als hij gebruikt wordt. Het is waar dat er af en toe wat onduidelijke zinnen in het script staan, maar vergeleken met andere films met hetzelfde (of groter!) budget valt het nauwelijks op. Over het geheel genomen kan ik dit aanbevelen. Geloof me, het is beter dan het lijkt! | This is an excellent example of what can be done on a small budget movie. The acting is excellent considering the script & the whole atmosphere of the film is very foreboding. The gore is well done and used sparingly (look out for the excellent barbed-wire death) & the action is punchy when used. It's true that there are dodgy lines in the script at times, but compared to other movies on the same (or bigger!) budget, it's hardly noticeable at all. Overall, this is recommended. Trust me, it's better than it appears! 8/10 | 1pos
|
De gevangenis komt niet vaak ter sprake bij gesprekken over de beste griezelfilms uit de jaren tachtig, en daar is een goede reden voor, want het is niet een van de beste... maar als je de klassieke films uit die tijd meerekent, behoort dit zeker tot de beste van de minder bekende/kleinere films. De film heeft wel iets te maken met kassuccessen; om te beginnen is het een vroege poging van Renny Harlin, de bekwame regisseur achter een aantal actiefilms, zoals Die Hard 2, Cliffhanger en Deep Blue Sea, en ten tweede hebben we een vroege rol van de Lord of the Rings-ster Viggo Mortensen. De film is niet echt origineel, maar de plot is interessant. We richten ons op een gevangenis die na een aantal jaren is heropend. Dit was de gevangenis waar een man genaamd Charles Forsyth naar de elektrische stoel werd gestuurd nadat hij door de gevangenisdirecteur in de val was gelokt. Natuurlijk rust de geest van de dode man niet in vrede; en als de oude executiekamer wordt heropend, ontsnapt de geest van de dode gevangene om wraak te nemen.<br />De film is niet echt The Shawshank Redemption, maar hij bouwt wel zorgvuldig de verschillende personages op, en hoewel het belangrijkste punt van de film altijd de gruwel is, zorgt het gevangenisdrama achter dit alles voor een interessante basis. Dat is maar goed ook, want afgezien van de basisgedachte heeft de film niet echt een plot, en we vertrouwen alleen op de interactie tussen de personages om de zaak interessant te houden. De horror die in de film wordt getoond is soms grotesk, maar nooit overdreven, wat misschien de reden is dat deze film zich zelden herinnert, omdat hij in tien jaar van overdaad is uitgebracht. De moorden zelf zijn echter vrij goed en fantasievol, en leveren een paar belangrijke hoogtepunten op. Naarmate de film vordert, beginnen we meer te spitten in het achtergrondverhaal van de geest van de wraakzuchtige veroordeelde, en hoewel het vrij interessant is, kloppen er een paar dingen niet, en daardoor wordt de film een beetje naar beneden getrokken. Maar goed, alles komt neer op een opwindende climax en over het geheel genomen moet ik zeggen dat de gevangenis een film is die de moeite waard is om na te trekken. | Prison is not often brought up during conversations about the best eighties horror films, and there's a good reason for that because it's not one of the best...but as you delve past the classic films that the decade had to offer, this is certainly among the best of the lesser known/smaller films. The film does have some connection to blockbusters; for a start it's an early directorial effort for Renny Harlin; the capable director behind a number of action films including Die Hard 2, Cliffhanger and Deep Blue Sea; and secondly we have an early role for Lord of the Rings star Viggo Mortensen. The film is not exactly original but the plot line is interesting. We focus on a prison that has been reopened after a number of years. This was the prison where a man named Charles Forsyth was sent to the electric chair after being framed by the prison's governor. Naturally, the spirit of the dead man is not resting in peace; and when the old execution room is reopened, the spirit of the dead convict escapes for vengeance.<br /><br />The film is not exactly The Shawshank Redemption, but it does take care to build up its various characters and while the main point of the film is always the horror, the prison drama behind it all does make for an interesting base. This is a good job too because other than the basic premise, the film doesn't really have a 'plot' to go from and we solely rely on the interaction between the characters to keep things interesting. The horror featured in the film is at times grotesque but it's never over the top, which might actually be the reason why this film is seldom remembered, being released in a decade of excess. The murders themselves are rather good and imaginative, however, and provide some major highlights. As the film goes on, we start to delve more into the back-story of the vengeful convict's ghost and while it's fairly interesting, some things about it don't make sense and it drags the film down a little. Still, everything boils down to an exciting climax and overall I have to say that Prison is a film well worth tracking down. | 1pos
|
Viggo Mortensen speelt de rol van een nieuwe gedetineerde in een spookgevangenis, waar de directeur (door Lane Smith goed gespeeld) een gruwelijk geheim heeft dat de reden zou kunnen zijn waarom verschillende cipiers en gevangenen worden afgeslacht door een bovennatuurlijke aanwezigheid. Lincoln Kilpatrick is de levenslange gedetineerde die het geheim kent en voor zijn leven vreest. Als ik aan gevangenisfilms denk, denk ik altijd aan actiefilms met Stallone of Van Damme in de hoofdrol, of drama's van een hoog kaliber zoals _Shawshank Redemption_ of _The Green Mile_. Maar ik had geen spookverhaal verwacht dat meer weg had van _Exorcist III_. De gevangenis is echter een atmosferische inspanning, en het blijft zeker de beste film uit Renny Harlins carrière. De film is eng en heeft goed acteerwerk van een cast van (op dat moment) onbekende acteurs. Lane Smith komt het beste uit de verf omdat zijn cipier niet het gebruikelijke cliché van de verpersoonlijking van het kwaad is, maar eerder nerveus en nerveus, wat een film die de verwachtingen verre overschrijdt iets geloofwaardigs geeft. | Viggo Mortensen stars as a new inmate of a haunted prison in which the warden (Played well by Lane Smith) has a grisly secret that could be the reason why various prison guards and inmates are being slaughtered by a supernatural presence. Lincoln Kilpatrick is the lifer who knows the secret and is scared for his life. When I think prison movies, I always think action movies starring Stallone or Van Damme or high caliber dramas such as Shawshank Redemption or The Green Mile. However I didn't expect a ghost story more along the lines of Exorcist III. Prison however is an atmospheric effort and it certainly remains the best movie of Renny Harlin's career. The movie is creepy and has some good acting from a cast of (at the time) unknowns. Lane Smith comes off the best because his warden isn't the usual cliché of evil personified but rather nervous and twitchy which adds some credibility to a movie that far exceeds expectations.<br /><br />*** out of 4-(Good) | 1pos
|
De gevangenissen staan niet bepaald bekend om hun vriendelijke gastvrijheid en 'blije vibraties', met hun verhalen over gevechten, chaos, moord en natuurlijk de extreme band tussen mannen en vrouwen! Maar de gevangenis in deze film is een heel ander verhaal. Horrorfilms die zich afspelen in cellen zijn, zoals je waarschijnlijk wel weet, niets nieuws, want ze benadrukken en overdrijven de angst voor claustrofobie en het onvermogen om te ontsnappen, twee van de grootste thema's in horrorfilms. Met voorbeelden als THE CHAIR (Waldermar Korzeniowsky, 1988), THE GREEN MILE (Frank Darabont, 1999), ALIEN 3 (David Fincher, 1992) en natuurlijk het hele genre van Women In Prison exploitation zelf, moet een andere invalshoek in deze rubriek wel iets inventiefs en leuks zijn om te worden herkend. Tenminste, dat zou je denken. De gevangenis is beslist een ongelooflijk leuke en plezierige attractie en het is een beetje jammer dat hij niet zo bekend is als hij zou moeten zijn.<br />Kortom, de film concentreert zich op een oude gevangenis (duh!) die is heropend. Het zijn niet alleen medegevangenen en bewakers waar de gevangenen bang voor moeten zijn, maar ook een gemene demonische spookgeest met maar één doel voor ogen: de dood! En tjonge, wat zijn we getrakteerd op een paar ontzagwekkende doodsscènes! Ik zal hier niets voor je bederven, maar er zijn genoeg innovatieve en aangename moorden die allemaal door onzichtbare handen zijn gepleegd.<br />Afgezien van de special effects en de moorden, heeft deze film nog een voordeel: hij is geënsceneerd. Bij de hoofdrollen hebben we Lord of the Rings (Peter Jackson, 2001-2003), de ster van Viggo Mortensen (en voor al diegenen die zo graag willen: ja, hij gaat inderdaad naakt). Zijn rol is niet alleen zeer geloofwaardig, maar hij doet het ook zo goed dat zijn Eastwood-esquire-personage zowel slecht tot op het bot als sympathiek is (een heel delicate mix). Voeg hem toe aan een cast van 'hé, wacht even, ik ken die man'-acteurs en je hebt een geweldige serie sterren. De personages zelf missen echter driedimensionaalheid en komen vaker wel dan niet stereotiep over. We hebben een zwarte oogarts, een spijkerharde gevangenisdirecteur, een mensenrechtenactiviste en een heleboel andere vaste personages. Maar in alle eerlijkheid helpt deze 'fout' de film wel degelijk. In plaats van een saaie karakterontwikkeling in een al te lang evenwicht worden we min of meer rechtstreeks in de actie gesmeten en als het eenmaal op gang komt (heel vroeg al) is er geen enkele scène die een vuller is, het zijn ballen naar de muur. In tegenstelling tot een zekere SHAWSHANK REDEMPTION (Frank Darabont, 1994)! Als je conventies met het slasher-genre deelt, is dit zelf ook min of meer een conventie, en in de traditie van het goeie ouwe slasher-genre straft de gevangenis degenen die slecht zijn geweest.<br />Alles bij elkaar is dit een uitstekende kleine horrorfilm en een die helaas over het hoofd wordt gezien en niet wordt genoemd in de horrorwereld. Met een uitstekende cast en geweldige special effects en tamelijk originele doodsscènes wordt deze film zeer aanbevolen door horrorfans. Ik laat me ook niet in de luren leggen door de gedachte dat het een goedkoop filmpje zal zijn, alleen omdat het in de jaren tachtig van de vorige eeuw in de Verenigde Staten is gemaakt, is het verre van goedkoop (hoewel het helemaal aan het eind de mist in gaat) en tegelijkertijd verre van korrelig en realistisch (wanneer het probeert kwesties als verkrachting in de gevangenis aan te pakken, worden die nogal subtiel aangepakt).<br />Ik geef het 3,5 van de 5 sterren. Een heel onderhoudende horrorfilm met inderdaad een paar heel leuke details. | Prisons are not exactly renowned for their kind hospitality and 'happy vibes', what with stories of fights, chaos, murder and of course extreme male bonding! But the prison in this film is a different beast altogether. Horror films set in cells are, as you probably know, nothing particularly new as they emphasis and exaggerate the fear of claustrophobia and the inability of escape two of the greatest themes in horror cinema. With such examples as THE CHAIR (Waldermar Korzeniowsky, 1988), THE GREEN MILE (Frank Darabont, 1999), ALIEN 3 (David Fincher, 1992)and of course the entire Women In Prison exploitation genre itself, another entry into this niche has to be something inventive and a lot of fun to boot in order to be recognised. Or at least that's what you'd have thought. PRISON is certainly an incredibly fun and enjoyable ride and it's somewhat of a shame that it isn't as well known as it should be.<br /><br />The film, in short, centres on an old prison (well, duh!) which has been reopened. However, it's not just fellow inmates and guards the prisoners have to fear, but also a mean ass demon ghost spirit with only one thing on its mind; death! And boy, are we treated to some awesome death scenes! I won't spoil anything here for you but there are plenty of innovative and enjoyable murders all done by invisible hands.<br /><br />Besides the special effects and the murders, this film also has another thing going for it; it's cast. Headlining, we have LORD OF THE RINGS (Peter Jackson, 2001-2003) star Viggo Mortensen (and for all those so inclined, yes, he does get naked) whose performance is not only highly believable, but is done with such skill that his Eastwood-esquire character is both bad-to-the-bone and likable (a very delicate mix). Add him to a cast of 'hey-wait-a-minute-I-know-that-guy' actors and you've got yourself one great set of stars. The characters themselves however lack three-dimensionality and more often than not come across as very stereotypical. We've got a black oculist, a hard-as-nails prison warden, a human-rights activist woman and plenty of other stock characters. But in all honesty, this 'fault' actually aids the film. Instead of boring character development in an over-long equilibrium, we are chucked, more or less, straight into the action and once it gets going (very early on) there's not a single scene that's a filler it's balls to the wall plot. Unlike a certain SHAWSHANK REDEMPTION (Frank Darabont, 1994 )! Sharing conventions with the slasher genre, this is somewhat of a convention itself, and, in good ol' slasher genre tradition, PRISON punishes those who have been bad.<br /><br />All in all this is an excellent little horror film and one which is sadly overlooked and unmentioned among the horror world. With an excellent cast and great special effects and rather original death scenes this film is highly recommended to horror fans. Don't be fooled into thinking it'll be a cheesy little film either, just because it was made in USA 1980s, it's far from cheesy (although the very end does ruin this) and, simultaneously, far from gritty and realistic (whilst it attempts to tackle issues such as prison rape, these are rather subtly done).<br /><br />I give it 3.5 out of 5 luvs. A very entertaining horror film with some very nice touches indeed. | 1pos
|
Een gevangenis die allang niet meer bestaat, die al meer dan twintig jaar niet meer in gebruik is, wordt opnieuw geopend en Ethan Sharpe (de overleden beroemde karakterspeler Lane Smith) wordt als bewaker aangesteld. Terwijl de gevangenen aan het werk worden gezet om de boel op te knappen, krijgen ze de opdracht om in te breken in de oude executiekamer. Dit ontketent een woeste geest die zowel de bewakers als de gevangenen genadeloos te grazen neemt; koelbloedige gevangene Burke (Viggo Mortensen, die in zijn eerste rol blijk geeft van echte zelfbeheersing) krijgt de rol van held toebedeeld.<br />Ik weet dat het niet moeilijk is om de film te prijzen om zijn sfeer (hij is opgenomen in een feitelijk verlaten gevangenis bij Rawlins, Wyoming), maar hij tilt deze horrorfilm naar een hoger niveau. Directeur Renny Harlin deed hier voor de vierde keer zijn best; het leverde hem de rol van regisseur op van 'Nightmare on Elm Street 4' en hij begon effectief aan een indrukwekkende carrière in actiefilms, thrillers en horrorfilms.<br />Het mag dan vaste personages hebben, maar er is een bekwame cast die ze tot leven brengt: Chelsea Field als de jonge vrouw die strijdt voor hervormingen in de gevangenis, Lincoln Kilpatrick als de vermoeide gedetineerde Cresus, Tom Everett als de rusteloze con Rabbitt, Ivan Kane als de afscheid nemende Lasagna, Tommy 'Tiny' Lister als de zachtmoedige reus Tiny en Arlen Dean Snyder als kapitein Horton. Het is ook de moeite waard om te vermelden dat Kane Hodder (als de wraakzuchtige geest) al op jonge leeftijd werd gecast voor de rol van Jason Voorhees in de 'Vrijdag de 13e'-serie.<br /><br />Fatsoenlijke special effects, sfeervolle belichting met dank aan Mac Ahlberg, een fervent filmer in allerlei genres, spookachtige muziek van Richard Band en Christopher Stone, geweldige visuals, de ongelooflijk sombere locatie en een flitsende en intense presentatie maken het allemaal heel onderhoudend. Het is akelig, gruwelijk en heel leuk voor een horrorfan.<br /><br />10.8/10. | A long-defunct prison, shut down for over 20 years, is re-opened and Ethan Sharpe (the late, great character actor Lane Smith), once a guard there, is put in place as warden. As the prisoners are put to work fixing the place up, they're instructed to break into the old execution room. This unleashes a fierce spirit that wreaks merciless havoc upon both guards and prisoners; cool-as-can-be low-key prisoner Burke (Viggo Mortensen, showing real poise in an early role) is thrust into the role of hero.<br /><br />I know it's a no-brainer to praise the film for its atmosphere (it was shot in an actual abandoned penitentiary near Rawlins, Wyoming), but it elevates this horror film to a higher level. It's got a great sense of foreboding, established right at the outset. Director Renny Harlin made his fourth directorial effort here; it got him the "Nightmare on Elm Street 4" directing gig and effectively began an impressive career in mainstream action movies, thrillers, and horror films.<br /><br />It may have stock characters, but it's got a capable cast bringing them to life: Chelsea Field as the young woman vying for prison reform, Lincoln Kilpatrick as weary veteran convict Cresus, Tom Everett as restless con Rabbitt, Ivan Kane as the outgoing Lasagna, Tommy "Tiny" Lister as soft-spoken giant Tiny, and Arlen Dean Snyder as Captain Horton. It's also worth noting as an early acting credit for Kane Hodder (as the vengeful spirit) that helped *him* land the gig of playing Jason Voorhees in the "Friday the 13th" series.<br /><br />Decent special effects, moody lighting courtesy of prolific genre cinematographer Mac Ahlberg, spooky music by Richard Band and Christopher Stone, great visuals, the incredibly gloomy location, and an overall flashy and intense presentation help to make it quite entertaining. It's nasty, gruesome, and good fun for a horror fan.<br /><br />8/10 | 1pos
|
Deze film heb ik in 1990 bij toeval op video gezien, zonder te weten waar ik voor zat. Veel horrorfans hebben dit misschien gemist omdat ze dachten dat het een typische gevangenisfilm was, en degenen die hem wel hebben gezien, vonden hem niet leuk, omdat het niet was wat ze wilden zien. De bovengenoemde factoren zijn waarschijnlijk de reden dat hij laag geprijsd is, maar als je een fan van het genre bent, moet je dat gewoon negeren en er een draai aan geven.<br />Het heeft op alle vlakken sterke punten, van script en sfeer tot acteren en de gevangenis zelf.<br />Een absolute diamant, een film die ik tot op de dag van vandaag nog op video heb staan. | Caught this film in about 1990 on video by chance and without knowing what i was in for. Many horror fans may have missed this thinking it was a typical prison film and the ones who did get it didn't like it as it was not what they wanted to see. The above mentioned factors are probably the reasons it is low rated but just ignore that and give it a whirl if you're a fan of the genre.<br /><br />It has strong suits in all departments from script and atmosphere to acting and the prison itself. <br /><br />An absolute diamond, a film i still have on video to this day. Check it out. | 1pos
|
Ik speelde in Rawlins toen deze film werd gemaakt en ik had het geluk dat ik eraan kon werken. Als figurant en met Eddie Surkin als special effects. Het was leuk om te zien hoe alles achter de scène werkte, van de prikkeldraadversperring die tot leven kwam tot de elektrische stoel die door de vloer van het kantoor van de gevangenisdirecteur omhoogkwam. Het was ook heel leuk om alle acteurs te ontmoeten, van Viggo tot Tiny. De poort die voor de film in de muur van de gevangenis werd uitgehakt heette ook 'Disney Gate' en wordt door de plaatselijke bevolking nog steeds 'Disney Gate' genoemd. Als iemand belangstelling heeft en ooit naar Rawlins wil komen, zijn de meeste filmsettings nog op hun plaats en kunnen ze gezien worden tijdens de rondleiding. Het was heel leuk om voor en met R. Harlin te werken en ik wilde dat ik de kans kreeg het nog eens te doen. | I was living Rawlins when this movie was made and I got lucky enough to be able to work on it. Both as an extra and with Eddie Surkin on special effects. It was fun to see all the behind the scene workings, from the Barbedwire coming alive to the Electric chair up through the wardens office floor. Also it was a lot of fun getting to meet all the actors, from Viggo to Tiny. Also the gate that was cut into the prison wall for the movie was and still is called "Disney Gate" by locals. If anybody is interested and is ever in Rawlins, most of the movies sets are still in place and can be seen during the self guided tour. It was a lot of fun working for and with R. Harlin and wished I had a chance to do it again. | 1pos
|